A nueve años de su primer material, The Jealous Sound ha emergido con su álbum A Gentle Reminder, que ya está a la venta. Su álbum debut, Kill Them With Kindness, fue recibido por los críticos en todo el mundo nombrándolo uno de los mejores de la revista Spin de 2003.

Después de tomarse un tiempo lejos de la banda, el cantante Blair Shehan se volvió a poner en contacto con el guitarrista y fundador, Pedro Benito; amigo de Nate Mendel (Foo Fighters) quien ayudó a The Jealous Sound a conseguir un lugar para abrir la gira 2009 de la banda previa del bajista: Sunny Day Real Estate. Y como dicen; donde hubo fuego, cenizas quedan.

Hecho en el estudio 606 de los Foo Fighters, con John Lousteau como productor, A Gentle Remainder incluye a los miembros fundadores Shehan y el guitarrista Benito, trabajando junto a Mendel (sustituyendo al difunto John McGinnis en el bajo) y con el nuevo baterista Bob Penn. Josh Staples (de Velvet Teen) contribuye en los coros y como bajista en dos pistas.

El laberíntico cuento de cómo el cuarteto se unió para recapturar la magia incluye tres estados y un montón de equipaje emocional. Las lecciones de vida son reveladas en la grandeza del nuevo álbum, un triunfo emocional y ponzoñoso que no sólo se muestra como un digno sucesor de Kill Them With Kindness, sino que presenta al cuarteto a lo mejor de sus habilidades. De corazón abierto, sí; pero sin ser para nada gentil, A Gentle Reminder representa una epifanía de 44 minutos con guitarras en cascada, ritmos poderosos y el canto evocativo de Shehan.

Escucha el tema “Your Eyes Were Shining”, que también está disponible en el Soundcloud de la banda.

The Jealous Sound’s new album

Nine years since their debut LP, The Jealous Sound has emerged with their sophomore full-length A Gentle Reminder, to be released January 31 via Music is Subjective and Fontana Distribution. Their previous and debut album Kill Them With Kindness was embraced by critics worldwide, named one of Spin’s best albums of ’03 and described by Spin writer Andy Greenwald as “heartfelt guitar rock capable of punching you in the gut and patting you on the back.”

After taking time away from the band, frontman Blair Shehan reconnected with founding guitarist Pedro Benito, whose friendship with Nate Mendel (Foo Fighters) helped The Jealous Sound land an opening spot on the 2009 tour for the bassist’s previous band, emo pioneers Sunny Day Real Estate. The old juices started flowing.

Made in the Foo Fighters’ Studio 606 with John Lousteau producing, A Gentle Reminder features founding members Shehan and guitarist Benito working alongside Mendel (filling in on bass for the departed John McGinnis) and new drummer Bob Penn. Josh Staples (the Velvet Teen) contributes backing vocals and bass on two tracks.

How the quartet coalesced to recapture the magic is a labyrinthine tale that covers three states and includes a lot of emotional baggage. The life lessons are revealed in the grandeur of the new album, a poignant and emotional triumph that not only proves a worthy successor to Kill Them With Kindness, but reveals the foursome at the top of its craft. Open-hearted, yes, but not really gentle at all, A Gentle Reminder represents a 44-minute epiphany set to cascading guitars, thundering rhythms and Shehan’s evocative vocals.

Durantes los jueves y sábados del mes de febrero, el reconocido percusionista Jorge Bautista realizará una serie de clínicas sobre los tambores y ritmos de diferentes regiones del mundo, como parte de la exposición “Entre Golpes y Cuentos, Vibro, hablo y Toco”, que se presenta en la Colección Veerkamp, espacio creado por Grupo Veerkamp, con la finalidad de compartir el fenómeno musical con un enfoque educativo, cultural, histórico e interdisciplinario.

Jorge Bautista, quien cuenta con 15 años de trayectoria, ampliamente reconocido por su versatilidad en el escenario a nivel internacional y que ha acompañado artistas de la talla de: Arturo Sandoval, Wein Vergueron, Óscar de León, Maelo Ruiz, Jerry Rivera, Tito Nieves y Nino Cegarra, entre muchos otros, además de ser profesor de Academia Veerkamp, del CLETA, de la Escuela de Estudios Superiores del SUTUM y de la Academia Nacional de Percusiones; presenta las siguientes clínicas:

Jueves 2 a las 15 horas y sábado 4 a las 13 horas
La percusión afrocubana, el tambor bata

Jueves 16 a las 15 horas y sábado 18 a las 13 horas
La percusión latina en el jazz

Jueves 23 a las 15 horas y sábado 25 a las 13 horas
La percusión latina y la salsa

Sobre la exposición:
ENTRE GOLPES Y CUENTOS VIBRO, HABLO, TOCO que se exhibe en la calle de Mesones 21, 2do piso, col. Centro, en el DF, presenta una amplia gama de tambores, historias y sonidos. Muestra la riqueza enorme de esta manifestación que dice cosas tan distintas en tantos lugares del planeta.

Los tambores son instrumentos de percusión de formas diversas según las regiones, tradiciones y marcas que existen. También en sus materiales y tecnologías presentan una gama enorme de posibilidades. Desde tiempos inmemorables han estado presentes en todos los continentes y culturas con distintas funciones rituales, bélicas, sociales, festivas y curativas por mencionar algunas.

Entrada libre de jueves a domingo.

Informes:
www.veerkamp.com
coleccion@veerkamp.com

Por: Adrian Ibelles
parismaul@hotmail.com

En cada escena, escondida entre las coreografías, detrás de cada movimiento, debajo de una sombra que sirve como escenografía, en la música que se libera, en la soga que se sujeta. En todas partes está ella. Baila, baila Pina.

No te pierdas.

Como homenaje a la vida y obra de la coreógrafa y bailarina alemana Pina Bausch, llega a las pantallas una exitosa interacción entre la danza y el cine. La expresión física y la intervención de un lenguaje ajeno, permiten al prolífico cineasta Win Wenders jugar con los aspectos visuales y narrativos en su faceta como documentalista (Invisibles, 2007; The soul of a man, 2003; Buena Vista Social Club, 1999) a través de Pina.

Por sí mismo, el trabajo expresivo de la danza impresiona por la fuerza contenida en cada uno de los movimientos, para encontrar una potencialización por parte de las opciones que esa movilidad de géneros permiten. Los recorridos por la ciudad permiten observar una interacción con la danza, creando una impresión hiperrealista, sacando las expresiones del escenario en la representación de algunas coreografías que habían seleccionado el cineasta y la maestra, antes de la repentina muerte en 2009 de la creadora de Café Müller.

Conviene reflexionar sobre la existencia de un diálogo “imaginario” entre los bailarines y la cámara, en distintos momentos, dentro de las entrevistas y fuera de ellas. Pina es un experimento que maravilla, convence y conecta con el espectador, en un documento visual que no se enajena en el personaje de Pina Bausch, sino que involucra su trabajo y su legado para funcionar. Con este film el director alemán vuelve a trasgredir muchas de las reglas, creando una obra única y que ofrece las variantes suficientes para creer que el cine está lejos de quedarse sin propuesta en su sentido y forma.

Nominada al Oscar 2012 como mejor documental, Pina es una cinta hermosa que vale muchísimo la pena explorar.

Por Khalil Gibran G.

Basada en una historia real, Miss Bala, del guanajuatense Gerardo Naranjo (Voy a Explotar, Drama/Mex), retrata sin anteponer juicios la vida lacerada de un país fracturado bajo la mirada inocente de Laura, una joven de veinticuatro años, clase media baja, sin traza alguna de apresto académico, pero con grandes aspiraciones a ser reina de belleza.

La trama sigue la escabrosa odisea en la que se enfrasca Laura al ir en busca de su compañera y amiga quien tras un violento incidente desaparece. La mecánica trabaja en función del modelo the wrong time in the wrong place, dando pie a una serie de eventos dantescos que, similar pero no igual a los hechos en que se basa, arrastran a la protagonista por los recovecos más lóbregos de un país políticamente corrompido y económicamente desproporcionado a causa de un sistema capitalista en el que unos cuantos controlan la propiedad.

Miss Bala, a diferencia de su hermana en materia El Infierno (México, 2010) de Luis Estrada, se mantiene dentro de un realismo radical, tanto en fondo como en forma, evitando incluso adornar la trama con cualquier elemento narrativo que no se justifique con lo visualmente manifiesto. Y es quizás ahí donde radica la peculiaridad de este trabajo, ya que el lenguaje narrativo (planos medios y primeros planos, en su mayoría) está construido específicamente a partir de lo mucho o poco que logra percibir el personaje de Laura (quien casi nunca sale de cuadro), admirablemente interpretado por Stephanie Sigman, dando especial importancia al uso, magistral, del plano sonoro para evocar la vida y la muerte alrededor de nuestra entrañable protagonista a la vez que encarna la parcialidad perceptiva y de entendimiento que padece un pueblo cegado por intereses banales y encantos inmediatos.

Seleccionada oficial del Festival de Cannes durante 2011, distribuida uniformemente en salas mexicanas (hoy día un logro aplaudido) y bien recibida por la crítica internacional y, en su defecto, la nacional (todo sea por cuestiones de mercado), Miss Bala pasa a formar parte de una tradición en diligencia que redacta, entona y filma la realidad amarga de un pueblo sosegado a conveniencia por el interés mal habido de unos cuantos que ha terminado por desembocar en un baño de sangre. Y no solo pasa a serlo, sino que pasa y deja una marca que exige a quien apenas emerge e, incluso, al mismo Naranjo para futuros proyectos.

AJA es el segundo material -de una trilogía- del cuarteto canadiense The Darcys, bajo el sello discográfico Arts & Crafts, y está disponible para descarga digital, completamente gratis, en TheDarcys.ca, junto con el álbum homónimo de la banda, lanzado el pasado 25 de octubre.

Este disco es una interpretación del clásico Aja (1977), de Steely Dan. Es una exploración del espacio físico y emocional, y las divisiones reales e imaginarias que existen dentro de ellos.

Además, la banda formada por Jason Couse, Wes Marskell, Mike le Riche y Dave Hurlow ha lanzado una versión alternativa del sencillo “Josie”, la cual puedes descargar aquí.

Outside the Barcode es una colección de temas auténticos y reflexivos que presenta el crecimiento de Kae como escritor de canciones, cuenta cuentos y guitarrista. Escritas mientras viajaba por el campo africano y grabadas en cinta de dos pulgadas en una granja de Ontario, las canciones evocan el sentido de comunidad y autenticidad que inspiraron las pistas. El punto focal de Kae fue crear una experiencia compartida para escuchar, en lugar de dictar las experiencias de su audiencia.

“No es acerca de hacer música para obtener algo de la gente, sino para compartir las experiencias, capturando momentos y comunicándose a través de la música y las letras,” comenta.

El resultado es un EP que conjuga el espíritu colaborativo y la cultura de compartir que Kae experimentó en Ghana.

Este nuevo esfuerzo del cantautor se construye en el éxito de sus entregas anteriores. Lion on a Leash (2009), el bien recibido álbum que siguió a su EP Ghost Town (2007); logró aparecer en Rewind List 2009 de iTunes y en los primeros lugares de las listas de muchos críticos como “mejor entrega indie del año”. El éxito del trabajo de Kae lo ha llevado a tocar en escenarios y festivales de Canadá, Reino Unido, Dubai y Ghana; y a ganar grandes reseñas de “Exclaim”, “The Montreal Gazette”, “OkayPlayer.com” y un reportaje de portada en “Performer Magazine”.

Outside The Barcode está disponible totalmente gratis en el sitio web de Kae.

Kae Sun, authentic and reflective

Toronto-based singer songwriter Kae Sun turned to his native Ghana for inspiration for his latest EP, Outside the Barcode. The return to his homeland after nine years of living in Canada renewed his drive for creating the raw and non-commoditized artistic experiences that shaped his passion for music.

Outside the Barcode is an authentic and reflective collection of songs that showcase Kae’s growth as a songwriter, storyteller and guitarist. Written while traveling the African countryside and recorded on 2-inch tape on a farm in Ontario the raw acoustic songs recall the sense of community and authenticity that inspired the tracks. Kae’s focus was to create a more shared listening experience rather than dictating his audience’s experiences.

“It’s not about making music to get something out of people, but rather sharing experiences, capturing moments and communicating through music and lyrics,” he says. The result is an EP that conjures the collaborative spirit and culture of sharing that Kae experienced in Ghana.

This new effort by the singer-songwriter builds on the success of his previous releases. Lion on a Leash (2009), the well-received follow up to his EP Ghost Town (2007) landed on the iTunes 2009 Rewind List and topped many critic’s lists for top indie release of the year. The success of Kae’s work has led him to play venues and festivals across Canada, UK, Dubai and Ghana, and earned esteemed reviews from Exclaim, The Montreal Gazette, OkayPlayer.com and a cover feature in Performer Magazine.

Outside The Barcode is available now via Kae’s website.

Para crear ¿qué necesitan?, ¿musa inspiradora o trabajo cotidiano?
Para crear necesitamos la primera herramienta que es la imaginación, para la imaginación necesitamos ponernos a buscarla trabajando en ello, inspirándose, sin el trabajo la inspiración no existe y sin una guitarra, un piano o un instrumento de base sería difícil llegar a mostrar la idea de una precomposición, aunque a veces al grabar una idea sencilla en un teléfono móvil podemos tener un buen single. Hoy la tecnología de un celular ayuda en ciertas ocasiones a darnos de frente con la inspiración sin estar trabajando.

¿Cómo es el mundo de Estirpe?
Nuestra filosofía de vida es la música, no queremos fronteras creativas, partimos de diferentes artistas, no nos gusta ver las diferencias por estilos musicales, nos gusta hablar de música basada en artistas que es definitivamente la marca del estilo, pensamos que no ser etiquetado en un estilo de música es contraproducente pero a la vez es personal, es arriesgado, es parte de nuestra manera de ser. Hemos hecho hasta hoy una música basada en el rock, pero con ciertas atmósferas que beben de artistas como Pink Floyd, Depeche Mode, Faith no more, Prince, Led Zeppelin, Black Sabbath, Ricky Martin, Madonna, etc.

Cuando empiezas en esto quieres basarte en la música de tus bandas favoritas, pero con el tiempo aprendes que lo importante es crear filtrando la información adquirida con esa música que has ido escuchando a lo largo de los años y, de repente, puedes encontrarte con algo como Estirpe.

Musicalmente, ¿qué le ofrecen al escucha?
Ofrecemos canciones cargadas de optimismo, las letras forman parte de nuestra insignia, mandamos una terapia constructiva de nuestras experiencias y visiones en este planeta, denunciamos las injusticias en maneras poéticas cuidando las formas, con delicadeza metemos el dedo en la llaga en lo que descaradamente es patético. Musicalmente las canciones están tratadas de igual forma, escenificamos de manera sentimental, a través de nuestra música, todo lo que vemos, es lo grande que tiene el arte, utilizarlo para expresarnos y llegar a los oídos de las personas no tiene precio.

Hicieron un tema para un cortometraje, ¿cómo se dio esta oportunidad?
Sí, a través de un amigo, Juan Manuel Martínez, que está metido en este tipo de creatividad, que a su vez tenía otro amiguete, Carlos Alcázar, al que le gustaba mucho Estirpe y nos preguntó si podíamos participar en la banda sonora de su cortometraje, aun sin haberlo visionado, ya que no estaba montado, nos dio confianza y le dijimos que contara con ello. A mí, personalmente, me encantaría introducirme en el mundo de las bandas sonoras para el séptimo arte más en serio, esto fue algo rápido y a la carrera, pero en definitiva es muy bonito que alguien piense en ti cuando está poniendo toda la carne en el asador para sus proyectos y sueños.

Llevan 15 años de carrera, ¿qué les falta por recorrer?
Todo, nos falta todo. Hemos ido a México y hemos empezado de nuevo. Queremos estar mucho tiempo en México, a mí me encanta y creo que es una buena oportunidad para que nuestra música tenga un huequito en ese impresionante país. Queremos seguir haciendo discos y que directamente se editen allí y que las giras pasen por un largo tiempo para los mexicanos, dicen que es una puerta para toda Latinoamérica, incluso Estados Unidos, ¿no? Pues mire si nos quedan cosas por hacer…

Para ustedes, ¿qué representa ser músicos?
Una manera de vivir, dura, sacrificada, altruista la mayor parte del tiempo, pero sí te da lo justo para vivir y poder darle forma a tus sueños. Una forma de expresarte, es necesario expresarnos y mostrar los sentimientos, creo que es natural, si no haces por sacar tu felicidad, tu ira, tu amor, tu impotencia de alguna manera, podrías incluso enfermar, como decía al principio es realmente una terapia física y mental, te mantiene sano y joven, y si trabajas duro y tienes fe en lo que haces algún día te encuentras con la suerte de vivir de ser músico. Puede que sea la manera de ganarte el pan más bonita que yo conozca.

Finalmente, ¿qué les atrae de México?
Desde España veíamos que realmente el idioma es lo más importante, la sensación es muy directa a pesar de la distancia en kilómetros. Hoy en día, gracias a la tecnología, estamos más cerca que nunca, hemos tenido el placer de conocerles en persona y puedo decir que la gente mexicana es encantadora, nos han tratado de una manera indescriptible, gente muy llana, educada y con mucho respeto, con unas ganas de compartir cosas, de descubrir nueva música y de ser muy agradecida. La gente nos atrae mucho y es realmente lo importante, por supuesto que la cultura y la comida es algo que atrae muchísimo, la cantidad de oportunidades de actuar en miles de lugares extraños, eso nos encanta. Conocer bandas de allí y compartir escenario con ellos como con DLD (Dildo) o Salvador (La Castañeda) y Los Eones. Hemos hecho grandes amigos, hemos estado en la fiesta del Día de Muertos, hemos estado visitando las Pirámides de Teotihuacan. Mil cosas que hemos vivido y que no olvidaremos y mira que de turismo no hemos podido estar tanto. Nos queda mucho por conocer y hacer en México, ya estamos pensando en volver lo antes posible.

Mauricio Sotelo, integrante también de Cabezas de Cera, nos habla de este nuevo proyecto que estrena su primer disco homónimo.

¿Cómo nace Avant-Folk?
Yo conocí la música de Eblen Macari en Radio UNAM, hace ya mucho tiempo, y me gustó su forma de tocar, cómo abría los espacios entre los acordes. Una vez fue a presentar un disco al Museo Nacional de Culturas Populares, donde yo trabajaba como ingeniero de sonido, platicamos y yo me imaginaba sonando en la música que él hacía. Le propuse tocar algo juntos. Pasaron un par de años más y pudimos concretarlo, hicimos unas escenas de improvisación, dijimos ‘suena bien, se podría hacer algo interesante’. Empezamos a trabajar primero como dueto, montando piezas que él ya tenía armadas y yo haciendo piezas con el stick y la guitarra de doce cuerdas, y fue hasta este 2011 que pudimos editar el disco. Invitamos al hijo de Eblen, que toca las percusiones, y se adhirió de manera natural. Ahora trabajamos como trío.

¿Son las cuerdas una musa?
No es tanto como una musa, es como un vehículo para tratar de expresar algo que nos haga sentir felices. El rollo de tocar con Eblen o compartir la música es un acto de comunión y cada uno aporta su propia experiencia, en ese sentido la magia se hace cuando tocamos todo juntos. La musa está en todas partes.

La textura sonora en este proyecto, ¿cómo la defines?
Es una textura electroacústica, no hay restricción en cuanto a las sonoridades, si bien las cuerdas son como la fuente, el origen, el percutir la cuerda -en el caso del stick-, eso se transforma en sonidos que, a través de los procesos electrónicos, pueden derivar en muchas cosas y, más bien, lo vamos buscando a partir de lo que la propia pieza nos pide. Y tratando de que sean los sonidos los que nos guíen hacia dónde va la música.

Para ti, ¿qué es la música?
Es el desfogue, la forma en como tú te cosechas. Es algo que he aprendido a llevar conmigo, todos tenemos una musicalidad y la podemos desarrollar de muchas maneras, no nada más al ejecutarla, sino al escucharla. Y es justo en ese ámbito del escuchar música que últimamente lo disfruto mucho y a la hora de hacer mi música puedo tener más claro lo quiero o cómo pasar la música que escucho en mi mente al instrumento, mi acción de construir la música.

La música instrumental puede resultar un género complicado, ¿cómo hacerlo atractivo?
Primero tiene que ser atractivo para nosotros, decirnos algo. No tener una voz o una letra específica invita al escucha a dar su propia versión de las cosas. En nuestro caso, tratamos de ser claros en las estructuras que manejamos, si bien no hay una voz guía, sí hay una voz líder en cuanto a las partes: armonía, melodía, percusiones, la forma en cómo se fusionan. Son temas los que estamos haciendo y exige al escucha atención, entre más atención le ponga más lo puede entender. Todos somos capaces de disfrutar la música, nuestro trabajo es hacerlo lo mejor posible.

Tras una larga formación en Cabezas de Cera, ¿qué tan complicado resulta darle frescura a Avant-Folk, hacerlo diferente?
Es diferente desde el punto de vista de que son otras personas. Trato de desarrollar mi propio lenguaje, que ha resultado a partir de los años. Pero el simple hecho de que te encuentres con otro músico te da una apertura a tocar lo que nunca has tocado. La idea es cómo te puedes incrustar en cualquier tipo de proyecto y seguir siendo tu mismo. Yo he tratado de aprender de Eblen, de amoldarme a cómo él imagina la música, y él de igual manera, cuando montamos temas míos, es la misma forma de trabajo. Eso nos complementa como individuos y hace que podamos generar una música en conjunto.

En una breve entrevista, nos platica sobre esta nueva aventura musical.

La Buchla 200e destaca en este proyecto, ¿cómo se hizo parte de tu proceso creativo?
Naturalmente, pues es el instrumento principal con el que escribo y grabo… Tiene más sentido que otros a mis ojos.

¿Qué otros instrumentos empleaste para crear los temas que conforman Sonoio?
MachineDrum, MonoMachine, Jomox.

Desde tu perspectiva, ¿cuáles son las características que definen los discos Blue y Red?
Son simplemente colores.

¿Cuántas entregas más de Sonoio podemos esperar?
Es difícil decirlo.

Me llamó la atención que en tu página web tengas a la venta un pequeño sintetizador, ¿cómo se desarrolló este aparato? ¿Cómo funciona?
Fue desarrollado en conjunto con The Harvestman: la idea fue condensar parte de los sonidos del disco en un instrumento y usarlos como punto de partida para hacer sonidos nuevos.

A lo largo de tu carrera has participado en bandas como The Mayfield Four, Modwheelmood o Blind Old Freak, ¿cómo describes cada uno de estos proyectos? ¿Qué han significado en tu trayectoria?
Fueron grandes pasos en mi vida, cada uno con sus propios pros y contras.

¿Cómo fue tu época en NIN?
Inolvidable.

¿Cómo fue que el mundo de la música electrónica te envolvió?
Progresivamente me aburrí de tocar la guitarra y los sintetizadores parecían una gran herramienta para acercarse a sonidos nuevos, estimulantes.

Actualmente, ¿en qué etapa de tu vida te encuentras?
Realmente no lo sé.

Escucha el tema “Can you hear me?”, del disco Red.

AN INTERVIEW WITH ALESSANDRO CORTINI

Alessandro Cortini, ex-NIN keyboardist, has a new solo project: Sonoio. He has recorded two albums: Blue and Red.

In an interview, he talks about this new musical adventure.

The “Buchla 200e” synthesizer is remarkable in this project. How did it become a part of your creative process?
It naturally became the main instrument i write and record with….it makes sense more than others to my eyes.

What other instruments did you use to create the themes of Sonoio?
MachineDrum, MonoMachine, Jomox.

From your perspective, what are the main features that define the albums Blue and Red?
They’re simply colors.

How many more deliveries can we expect from “Sonoio”?
Hard to say.

I was surprised to find a small synthesizer for sale on your web page. How was this contraption developed? How does it work?
It was developed in conjunction with The Harvestman: the idea was to condense part of the sounds of the record in an instrument, and to use them as a starting point to make new sounds.

Throughout your career, you have participated in bands such as The Mayfield Four, Modwheelmood or Blindold Freak, so, how do you describe each one of these projects? What have they meant for your trajectory?
They were all great steps in my life, each one with its own pros and cons.

How was your time in NIN like?
Unforgettable

How was it that you were drawn into the electronic music world?
I progressively got bored with playing guitar, and synthesizers seemed like a great tool to come up with new, stimulating sounds.

Right now, in what stage of your life are you?
I don’t really know!

Foto: Sarah Sitkin / Pic by Sarah Sitkin

¿Qué es Luz de Riada? ¿Cómo nace este proyecto?
Luz de Riada (inundación de luz o acumulación de energía es una alegoría a la generación y acumulación de ideas). Nace en tiempos de sombras y diría que es, más bien, un neo-oscurantismo por la situación política, social y cultural en que vivimos. Con este proyecto nos replanteamos el quehacer del músico en la sociedad, que no es únicamente el de entretener o divertir, sino también el de generar cambios y movimientos en la sociedad y nuestro objetivo es activar la imaginación del escucha.

Luz de Riada tiene un antecedente que data del año 2002, cuando Hugo Santos (Saena), Rasheed Durán (Los Daniels), Mamselle Ruiz (Nocturnal de Alejandro Marcovich) y yo nos juntamos para improvisar, conformando a Organismo Mecánico Sonoro y que, por razones de agendas, dicho proyecto se vio truncado dejando varias ideas en el tintero.

¿Cómo fluye la energía dentro del grupo?
De gran amistad, es satisfactorio saber que tienes como aliado y cómplice a tu compañero de trabajo, con el que se tiene la confianza de exponer y debatir ideas.

La exploración sonora, ¿cómo la trabajaron, cómo fue su proceso creativo?
Para este disco Cuentos y Fábulas fueron dos los procesos creativos; la creación de los “cuentos” se realizó dentro del campo de la composición previamente estructurada y definida, fue como ir tejiendo colectivamente un gran telar multicolor, cada uno de los integrantes fue colaborando en la propuesta sonora hasta llegar a la conceptualización de cada cuento.

Las “fábulas” son improvisaciones libres que, en el fondo, son composiciones hechas al momento sin premeditación, sólo con la idea que serían de corta duración, grabadas a dueto con un músico invitado. La dinámica fue que se registrarían tres tomas una de un minuto, otra de tres minutos y una de tiempo indefinido, y de esas tres seleccionaríamos la mejor toma, lo cual fue muy difícil pues la mayoría eran muy buenas, los músicos invitados fueron extraordinarios y reconocidos dentro de la escena mexicana del jazz, rock, vanguardia, new age, folk y de la música orquestal, entre ellos se encuentran Wilfrido Terrazas (flauta), Alejandro Otaola (guitarra), Iván Bringas (guitarra), Ernesto Mendoza (teremin), Carlos Alegre (violín), Rodrigo Frenk (acordeón), Hugo Alfredo (zurdo), Iván Tirado (zurdo), Mamselle Ruiz (voz) y el escritor brasileño Floriano Martins (poesía).

¿Cómo nace la idea de hacer de una pieza musical una imagen sonora?
Es parte de un trabajo intelectual para darle pies y cabeza y una verdadera razón de ser a la música, para esto fue necesario un trabajo previo en la discusión del cómo, por qué y hacia dónde queríamos ir, cada pieza la sustentamos en el campo de las ideas y cada una goza de una personalidad distinta, por ejemplo, “Comparsa de cronopios” es un reconocimiento que hacemos a las personas que llevan un revolucionario dentro y que trabajan por cambiar las cosas, es un pequeño homenaje a nuestros héroes vivos, Julio Cortázar fue el creador de este adjetivo al referirse de Louis Armstrong como un gran cronopio. “Por la puerta trasera” es la representación de la tragicomedia política mexicana de la toma de poder de cierto presidente, que seguramente saldrá por ahí mismo.

Si bien su música puede tener muchas etiquetas, ¿cómo se definen?
En la concertación del contenido neto de Luz de Riada lo último en que pensamos es que género abordar y nos hemos concentrado más a fondo en el discurso, nuestra música tiene que ver con el mestizaje de toda la música que estamos absorbiendo.

Hacer música instrumental es un reto, ¿qué propone Luz de Riada para capturar la atención del escucha?
El sonido articulado con el silencio suele gozar de gran poder sobre la conciencia del escucha y no hay acto más noble que dejar que la música haga su trabajo por sí sola, para activar la imaginación del escucha.

¿Por qué elegir los cuentos y las fábulas como tema de un disco?
El objetivo fue conceptualizar el disco como un libro haciendo una analogía entre la música y la literatura; en este caso la música generada a partir de la composición previa se representó con los “cuentos” y la música generada a partir de la improvisación libre la representamos con las “fábulas”.

El disco en sí es una pieza de colección, ¿cómo concibieron el arte? ¿Quién participó en el diseño?
El CD se contemplo con el objetivo de devolverle su valor al arte del disco, que la gente que lo tuviera en sus manos sintiera el peso y la calidez del papel, y no la fragilidad y frialdad del plástico. La idea fue concebir el álbum como un libro con su camisa que arropara la portada y con un prólogo (por David Cortés) que hiciera la introducción descriptiva del contenido de Cuentos y Fábulas. Hoy en día son pocas las bandas que producen sus discos pensando en una obra de principio a fin, Cuentos y Fábulas se pensó para que sea un disco redondo que se escuche sin saltarte un capítulo de la historia.

El diseño fue realizado por el artista y amigo Edgar Arrellín Caviedes, quien ha hecho un gran número de portadas -con el Angelito Editor- para Horacio Franco, Cabezas de Cera, Eugenia León, Guillermo Velázquez, entre otros.

El tema “Doméstico Depredador” habla de la condición humana, ¿para ustedes cuál es la mejor y la peor cualidad que puede tener una persona?
La peor: la soberbia; la mejor: la humildad.

¿Cuáles son los sueños de Luz de Riada?
Llegar a todos los oídos posibles.

Foto: César Pérez.

En esta entrevista, Ivonne nos habla sobre su musa, el desamor, la muerte y, por supuesto, sobre su libro.

¿Cómo nace tu poemario?
El insomnio ha sido una constante en mi vida; va y viene por temporadas, a veces es don y otras maldición. En ocasiones llega solo, pero también lo busco porque la noche es mi “hábitat” ideal para vivir, para observar, para pensar y para escribir. Para mí este poemario es la consecuencia natural de muchas noches transcurridas en comunión con la poesía, tanto al leer o repasar los textos de los autores a quienes considero mis guías y compañeros en el insomnio, como escribiendo o recreando historias propias o apropiadas, porque el libro es en cierta forma un cuaderno de apuntes: cada texto es la constancia de una vivencia que al llevarse al papel se ha vuelto eterna o ha sido exorcizada. Hablando un poco más del proceso “técnico”, no me propuse un tema ni una fecha para escribir los textos que lo integran, de hecho algunos tenían varios años, otros surgieron justo antes de enviar el libro a dictamen. Pero tampoco es algo improvisado, hay una relación entre cada poema y cada apartado, lo veo como el fruto de un proceso lento pero necesario.

¿Es difícil, hoy en día, dedicarse a la poesía?
Para mí la poesía es elemental, es parte de mi forma de encarar al mundo, la única bandera que defiendo, el ancla que me sostiene entre las tempestades. Conforme el escenario en el que vivimos se descompone, la poesía no pierde luz. Entonces lejos de volverse difícil, buscarla se vuelve todavía más necesario, más natural.

¿Dónde suele estar tu musa?
En la vida. Don Fernando Martínez Sánchez, un escritor genial a quien le debo haberme guiado cuando elegí seguir el llamado de la poesía, nos decía en su taller que se puede escribir poesía de cualquier cosa que uno desee, siempre y cuando la conozca a fondo, la experimente. Conozco a poetas que dicen “voy a escribir de tal o cual cosa” y lo hacen de maravilla; pero en mi caso la escritura viene más bien como consecuencia de lo que vivo; aunque claro, no siempre es una escritura literal. Por otro lado, la música me influye de manera tremenda para escribir. Cuando una canción me hace clic se vuelve parte de mí y puedo escribir a partir de ella; varios de los textos de “Deshojar…” nacieron así.

¿Por qué son la muerte y el desamor temas recurrentes en tu obra?
Por un lado, es parte de ver todo como una dualidad: todo lo que nace muere, y eso incluye también al amor. Por otra parte, hablando de la muerte en particular, de por qué la incluyo tanto, quizá se debe a que la transición de la muerte siempre ha ejercido sobre mí una cierta fascinación, por tratarse de una certeza y a la vez ser imprevisible. No suelo hacer planes a futuro y, sin embargo, hace tiempo que elegí mi epitafio, me lo tatué y compré un servicio de cremación. Y no es que esté deseando morir, sino que de cierta forma es para lo único que creo estar lista desde hace muchos años, porque he disfrutado la vida. Al mismo tiempo, desde niña, me he peleado con la idea de ver morir a quienes quiero, es uno de mis más grandes miedos. Supongo que traer tanto a la muerte entre mis letras es una forma de tener presente lo que espero y lo que temo, para reconocerlo cuando llegue. En cuanto al desamor, los poemas de “Deshojar…” que tienen ese tono fueron, como dice uno de los textos, mi manera de decir adiós a un amor que fue grandioso, pero al mismo tiempo comparable a una creatura de varias cabezas; concluyó y en su momento parecía insuperable, escribir sobre ello fue parte de mi proceso de reconstrucción.

Desde tu punto de vista, ¿qué se requiere para ser poeta?
Leer. Eso también nos lo decía siempre don Fernando y, en concreto, si quieres escribir poesía, lee poesía. Abundan las personas que escriben lo que sienten, pero si no toman la lectura del género como parte de su quehacer, se refleja en la pobreza de los textos, en el abuso de lugares comunes, en la falta de un estilo propio, o de las bases “ritmo-imagen-emotividad”.

¿Cómo deshoja Ivonne Ledezma el insomnio?
Con literatura y con música. Para la primera, en los últimos meses me ha dado por escuchar con luz apagada discos de autores leyendo algo de su obra: Cortázar, Enriqueta Ochoa, Rubén Bonifaz Nuño, Alí Chumacero, Eduardo Lizalde, Fabio Morábito. Mi otro “deshojador” (y el más constante si sumo todos mis insomnios) es la música; más allá de todo lo que me gusta siempre tengo muy a la mano ciertos discos de The Doors, PJ Harvey, Radiohead, The White Stripes y The Kills.

Tienes un colectivo llamado Nit, platícame un poco de este proyecto.
Estamos por cumplir 9 años con el colectivo, en marzo, y a la vez atravesamos un periodo de transición. Nit (“noche” en catalán) nació con un tríptico del mismo nombre que publicamos de manera periódica, mensual, hasta el año pasado; cerramos el ciclo con la edición número 100, nos pareció una manera correcta de hacerlo porque en cierta forma fue volver al número 1. Otra constante del grupo ha sido la organización de lecturas de poesía sonorizadas, aunque el año pasado fueron mínimas principalmente por la inseguridad: siempre hemos hecho eventos por la noche y la gente no quería o no podía salir de noche, ya fuera por temor, precaución, o la dificultad para conseguir transporte. Incluso un par de veces pospusimos, o más bien suspendimos, el plan de algún evento porque acercándose la fecha pasaba algo y la gente se “guardaba”, salía para lo básico. Por otro lado una de las cabezas del colectivo, Paulo Gaytán, se fue a vivir a otra ciudad, y desde que supimos que se mudaría empezamos a plantear la manera de continuar con el proyecto, que después de todo siempre ha estado integrado por gente de todas partes. Así, empezamos a trabajar más en proyectos audiovisuales. No estamos sacando el tríptico pero arrancamos la edición de pequeñas calcomanías para promover la poesía de nuestros autores favoritos. Queremos lanzar una serie de carteles también con poesía e imagen; estamos trabajando en audios y videos con obra propia, y además llevamos algunos meses trabajando en un proyecto videográfico del que sólo se ha enterado la gente que va participando, no queremos decir más pero es algo que teníamos años queriendo hacer y esperamos que tenga un buen resultado. Y claro, siempre que se pueda seguiremos haciendo presentaciones en vivo, pero de momento serán más bien esporádicas. Para contactarnos nos pueden buscar en: Facebook.com/colectivonit.

¿Qué crees que le falta a México para crecer en el ámbito cultural?
Uff… si entramos en detalles son muchísimas cosas… De entrada hay un impactante sector de la población que sobrevive con carencias terribles, y si la gente no tiene con qué comer o dónde dormir, difícilmente va a mostrar interés por la cultura, ni por nada. Pero muchos otros no enfrentan ese panorama y aun así no muestran un interés de forma activa, que es lo que más hace falta. Muchos se quejan de la falta de apoyo o de presupuestos oficiales, de la apatía o el cinismo de los políticos y sí, claro que afecta; pero quien se interesa por algo, logra llegar a ello. Es algo de lo que la experiencia de Nit me ha enseñado: el interés, la voluntad propia, son el motor para que se mueva la cultura. Si quieres acercarte a alguna rama del arte como espectador, siempre encontrarás opciones porque hay mucha gente llevando su propuesta, difundiéndola de algún modo. Si como creador quieres que la gente sepa lo que estás haciendo no te sientas a esperar que alguien te diga “yo te apoyo”, buscas los caminos para acercar a los demás lo que haces, para poner tu aporte y tratar de que las personas puedan acercarse a tu propuesta.

Sandy Lavallart nos platica un poco sobre Kwoon y su nuevo EP, The Guillotine Show.

En este momento, ¿Cómo describes a Kwoon? ¿Qué es Kwoon?
Kwoon es un lugar donde todo es triste y hermoso. La Melancolía es la felicidad de estar triste. Kwoon sigue ese camino.

Al escuchar The Guillotine Show, ¿qué sientes?
Es difícil decir lo que sentimos con nuestra propia música. Algo más poderoso que el otro disco, podría decir, con el mismo “toque Kwoon”.

Sobre los logros de este disco, ¿fue difícil conseguirlo? ¿Fue experimentar?
He escrito los temas alrededor de tres meses, en busca de algo más sexi e indie. El post-rock fue en nuestros primeros discos. Ahora, estamos buscando algo más potente. No me gusta mantener el mismo sonido todo el tiempo.

¿Cuál es tu canción favorita del disco y por qué?
“Bird”. Porque es una canción muy personal, tiene algunas letras que he escrito sobre mi salud, el año pasado, cuando vi la muerte acercarse. Una horrible pesadilla, pero algo real. Y por la esperanza, las cosas parecen estar mejor hoy.

¿En dónde te inspiras para obtener The Guillotine Show, el arte del disco, las canciones?
Solo en mi apartamento, al aire libre mirando las nubes con unas cervezas… Las cosas están llegan a mi cabeza. A veces, cuando estoy durmiendo, mi cerebro me dio un regalo, me levanto con unos bellos sonidos en mi cabeza. Así que me levanto a grabar una muestra para no olvidarlo.

Cuando no es Kwoon, ¿qué otras bandas te gusta escuchar?
Blonde Redhead, Mogwai, Patrick Watson, Arcade Fire, la música clásica.

¿Qué pasa con The Guillotine Show? ¿Qué hay en torno al show?
Una acción muy impactante, decapitar una cabeza con hermosas y tranquilas canciones. Hoy en día la gente está consumiendo cosas desagradables en la televisión, como programas donde se puede ver a gente teniendo sexo, ves drogas, como engañan en vivo, y todo con la esperanza de que nunca les pasará a ellos. The Guillotine Show es un reality de televisión donde se puede ver a la gente ser ejecutada en vivo. Creo que es un promocional estúpido, pero la televisión va en ese sentido, tal vez este tipo de espectáculo podría suceder un día.

Si pudieras decapitar a alguien, ¿quién será? ¿Qué sería? ¿Un sentimiento? ¿Una persona? ¿Una acción?
Alguien que perturba a un niño no debería existir. Pero como he dicho antes, The Guillotine Show es más que una imagen virtual de la estupidez humana en crecimiento. No quiero matar a nadie.

En un concierto en vivo, ¿cómo te sientes? ¿Cómo absorbe la música el público?
Cuando estamos en el escenario, estamos en un trance perfecto. La música y la multitud nos dan energía hasta que termina el espectáculo.

¿Dónde es el mejor lugar para escuchar a Kwoon?
Depende de lo que sientas, pero sobre todo con audífonos, solo, en un paisaje espectacular, en la oscuridad.

Para escuchar algunos temas visita su sitio oficial.

 

THE GUILLOTINE SHOW. SANDY LAVALLART FROM KWOON 

From France, Kwoon able to project, with great imagination and shades, a reflection of his dreams, a universe filled with melancholy, weaving stories and anecdotes. A process of metamorphosis that attracts you from the first notes. A world full off fantasy, worlds that feel very real.

Sandy Lavallart talks about Kwoon and his new EP, The Guillotine Show

How do you describe, KWOON right, now? Who is Kwoon?

Kwoon is a place where everything is sad & beautiful. Melancoly is the happiness to be sad. Kwoon follow that way.

Listening The Guillotine show, what do you feel?
Ahah, hard to say what we feel with our own music. Something more powerful than the other album i could say, with the same “Kwoon touch”

What about the achievements of this record? It was difficult to get it? Joyful? And experiment?
I’ve written the tracks in around 3 months, looking for something more sexy & indie. The “post-rock” was in our first albums. Now, we’re looking for something more punchy. I don’t like keeping the same sound all the time.

What’s you’re favorite song of the record? and why?
“Bird”. Because it’s a very personal song with some lyrics i wrote about my health last year, when I’ve seen death coming. An horrible nightmare but something real. And because of hope, things seem to be better today.

Where did you get inspired to get The Guillotine show, art and songs?
Alone in my apartment, looking at the clouds outside with some beers…Things are coming in my head.
Sometimes, when i’m sleeping, i wake up with some pretty sounds in my head, as my brain give me a gift. So i wake up and record a sample, then i don’t forget it.

When you’re not listening Kwoon, which others bands you prefer?
Actually, Blonde Redhead, Mogwaï, Patrick Watson, Arcade Fire, classical music.

What about The Guillotine show, what is around it?
A really hard action, decapitated a head, whit beautiful length songs. Today, on people are eating some disgusting things on TV, as TV reality show where they can see people having sex, drugs, cheating in live, hoping that never it would happen to them. The Guillotine Show is a TV reality show where you can see people being executed live. I think if stupid header from TV are going on that way, maybe this kind of show could happen one day…

If you have someone to decapitated, who it will be? a feeling? a person? an action?
Someone who fuck a child shouldn’t exist. But as i said before, “The Guillotine Show” is more than a virtual picture of human stupidity growing. I don’t want to kill anybody

On a live concert, how do you feel? how gets the crowd?
When we’re on stage, we’re in perfect trance. Music and crazy crowd give us energy until the end of the show.

Where is the best place to hear Kwoon?
It depends your feeling, but mostly with headphones, alone, in dramatic landscapes, in the darkness.

Con su anterior grupo, Dums Dums, Josh Doyle compartió escenario con bandas como Flaming Lips, Bon Jovi y Supergrass. Su primer EP The End of Fear -totalmente independiente-, escrito, producido y creado por Josh Doyle y Sam Shacklock, fue lanzado a través de su sitio web. Ahora, este artista folktrónico, como productor, compositor, músico y escritor, comparte las nuevas experiencias que hay alrededor de su nueva producción musical titulada Songs for the Nuclear War.

¿Cómo describirías este álbum? ¿Cómo te sentiste cuando estaban listas las canciones?
Con Songs from the Nuclear War decidí pasar el tiempo haciendo el disco afuera y grabar las canciones en casa, aquí en mi estudio. Yo describiría este disco como Bob Dylan conoce a Green Day que conoce a Cat Stevens que conoce a Radiohead. Soy muy apasionado cuando toco estas canciones. Fue un logro para mí, porque tuve que aprender a grabar y me tomó algo de tiempo, así que me sentí feliz de haber aprendido a utilizar el estudio por mi cuenta y también tener nuevas canciones.

¿En que lugar te imaginas cuando escuchas este álbum?
Me veo en un mundo postapocalíptico pensando sobre mi vida pasada y preguntándome cuál es el significado de la vida.

Escuchando algunas de tus canciones, no puedo dejar de sentirme nostálgico, un tanto deprimido. Siento este álbum arenoso, rocoso, muy intenso. Un verdadero mundo devastado por la energía nuclear. ¿En qué te inspiraste para encontrar estas tonalidades?
Son sensaciones muy vívidas. Mi objetivo, con mi música, es llevar a las personas a un lugar donde encuentren la verdad, que se vean a sí mismas, que vean sus vidas para saber a dónde van y con quién están.

Si fueras un fantasmas, ¿qué harías?, ¿intentarías cambiar algo?, ¿te gustaría cambiar algo en las personas que escuchen tu álbum?
Si fuera un fantasma, probablemente iría a los lugares que yo no iría. Me gustaría ver a los amigos y seres queridos, ver realmente la forma en la que viven cuando nadie está mirando y me encantaría ir a Hollywood y ver cómo es realmente la vida de los ricos y famosos. Me gustaría cambiar a la gente, lo que cargan en sus vidas para que miren el mundo y se miren a sí mismos, cambiar para bien, para alcanzar todo su potencial.

¿Cómo te sientes al tocar en vivo?
Disfruto mucho la reacción de la gente cuando me ven tocar mis canciones y se identifican con ellas. Me apasiono mucho interpretando mis temas.

En tu tiempo libre, ¿qué otros discos o bandas escuchas?
Últimamente he estado escuchando mucho a Bob Dylan, The Replacements, Keith Green, Soundgarden, Ryan Adams, Jimmy Eat World, Johnny Cash, John Prine, The Killers, Oasis…

Si una bomba nuclear estallara en este preciso momento, ¿cuáles serían las cinco cosas que llevarías contigo?
Yo tomaría a mi familia, también mi guitarra, mi laptop, mi libro de canciones, mi iPod, el celular, son cosas nada glamorosas, lo sé, pero podría llevar una vida normal con estas pocas cosas.

SONGS FOR THE NUCLEAR WAR . JOSH DOYLE

Josh Doyle, folktronic artist as producer, composer, musician and writer share the new experiences about his new album, Songs from the Nuclear War.

How would you describe this album? How do you feel when  Songs from the Nuclear War was ready?

With Songs from the Nuclear War I decided to spread out making the album over months and record the songs at home here in my studio. So every few months, new songs are ready and that week i will put them up for sale, its really cool to make something and have it available so soon! I would describe this album as Bob Dylan meets Green Day meets Cat Stevens meets Radiohead. I am very passionate when I play this music. It was an achievement for me when the first songs were ready because I had to learn how to record in my studio and that took some time, so I felt happy to have learned how to use the studio by myself and also to have new songs that were as good as any other songs I have written.

In witch place you imagine when you hear this record?

I see myself in a post apocalyptic world in this album, thinking over my past life and wondering what the meaning of life is.

Listening to some of your songs I feel some nostalgic and somewhat depressed. I feel the record sandy, rocky an intense. A really nuclear devastated world. Where do you get inspired to find this color?

Those are very vivid feelings. I aim to bring people to a place of truth with my music, that they will look at their lives and figure out where they are going and who they are. I get.

If you were a ghost, what would you do? Would you try to change something? You would like to change something in people when they hear your record?

If I were a ghost I would probably go to the places that I shouldn’t. I would see friends and loved ones and how they really live when no one is looking and I would love to go to holly wood and see what the rich and famous lives are really like. I would like to change people in that they would not just carry on with their lives but would look at the world and look at themselves and change for the better, to reach their potential.

 How do you feel when you play live you’re songs?

I enjoy the reaction people give me when I play my songs and they identify with them. I really get passionate playing the songs.

In you’re free time, witch records or bands you usually hear?

Lately I have been listening to a lot of Bob Dylan, The Replacements, Keith Green, Soundgarden, Ryan Adams, Jimmy Eat World, Johnny Cash, John Prine, The Killers, Oasis…

If a nuclear bomb exploded in this moment, and you have some few time, what five things would you will take with you?

I would take my family, also my guitar, laptop, my lyric books, my ipod, cellphone — not very glamourous I know… but i could live a normal life with just those things.

Alessandro Cortini

Este instrumento de los años 70, que podría considerarse obsoleto, se convirtió en el segundo miembro de la “banda” y le dio a cada una de las canciones un sonido peculiar. “Todo el proceso de composición se sintió como un juego de ajedrez, donde yo hacía un movimiento tratando de componer en cierta forma, sólo para ser antagonizado por las limitaciones del instrumento, o por su rareza”, explica Cortini.

Si bien este instrumento no le brindó a Alessandro una amplia gama de recursos, le permitió crear una grata y melódica exploración sonora, con toques pop y emotivos que navegan armónicamente por los fulgores electrónicos.

Este músico no es ningún improvisado, cuenta con toda una trayectoria que lo avala, pues no sólo fue miembro de Nine Inch Nails, también ha trabajado con Ladytron y ha compartido gira con Muse. Sin embargo, este proyecto es una materialización personal y todas sus composiciones están basadas en el concepto “Sonoio”, que proviene del italiano “sono io” (“soy yo”).

Hasta la fecha Alessando Cortini ha lanzado dos álbumes, Blue y Red, grabados y mezclados por él mismo, además de un disco de remixes, Non Sonoio.

A la par, en su sitio web, ofrece un interesante producto que lleva por nombre SuONOIO, desarrollado con Scott Jaeger, The Harvestman. Se trata de un pequeño sintetizador modular por­tátil capaz de producir texturas y rit­mos inspirados en sus discos.

Si quieres escuchar algunos temas, descárgalos en su página oficial, de manera gratuita.

El cuarteto de música instrumental formado por Ramsés Luna (alientos), Gustavo Jacob (guitarra eléctrica), Hugo Hernández (batería) y Hugo Santos (grand stick), que lleva por nombre Luz de Riada, presentó su primera producción discográfica titulada Cuentos y Fábulas, inspirada en la alegoría de la luz como generadora de energía.

Este disco llegó a mí de una manera inusual, desde ahí comenzó el viaje. Apareció en un sobre acolchado en la puerta de mi casa, después de permanecer inacabables días en “manos del mensajero”, según el rastreo del envío.

Al abrir el paquete lo primero que me sorprendió fue su presentación, un disco-libro con un arte cuidado al detalle. El logotipo simula una acuarela y las fotografías en blanco y negro le aportan un toque de viejo recuerdo al material, hasta las tipografías dan la impresión de tener en las manos antiguas historias que sólo permanecen en la imaginación de nuestros abuelos.

Todo el disco cuenta con una exquisita y placentera armonía, desde la tapa hasta su contenido musical. Tal vez por ser fanática de la literatura o al ver que una canción se llama “Comparsa de cronopios”, al escucharlo, la primera vez, esperaba un disco narrativo, con cuentos prácticamente sonorizados, pero este álbum es mucho más que eso.

Cuentos y Fábulas me transportó a un apacible y largo viaje en tren, donde los escenarios que se aprecian desde las ventanillas se transforman en relatos con diversos matices. Los elementos sonoros desencadenan reflexiones profundas sobre los temas de toda la vida, como la condición humana, el vacío, la fugacidad o la belleza.

Cada interpretación brinda al escucha un estímulo no sólo auditivo, sino visual, pues nos lleva de vuelta a aquellos años de inocencia en lo que cualquier sonido o palabra se convertían en un detonante para crear historias o personajes.

Etiquetar musicalmente a esta banda me resulta complicado, si bien fusionan algo de rock y jazz, yo los catalogaría como progresivo experimental, quizá por su carácter único y vanguardista o por la virtuosidad que se desprende de las piezas.

Se recomienda escuchar este disco al realizar alguna actividad creativa, ya que puede ser útil en la búsqueda de inspiración.

Además, podrás darte una idea de cómo se verá Katy cuando ya esté entrada en años. La canción narra una historia de amor entre dos jóvenes, con un final no muy feliz.

¿Ya lo viste?

Con más de 15 años de trayectoria, Cabezas de Cera es considerada una de las bandas más vanguardistas de la escena musical contemporánea. Tomando como fuente sonora el metal, los hermanos Francisco y Mauricio Sotelo combinan sonidos acústicos y electrónicos a partir de instrumentos inventados por ellos mismos. A la fecha cuentan con seis discos y dos dvd’s que registran su paso por algunos de los festivales más importantes de América, Europa y Medio Oriente.

CDC ha compuesto una selección de temas que integran diversos instrumentos como el piano, Chapman Stick y percusiones electrónicas que armonizarán las tortuosas escenografías pintadas sobre telones de El Gabinete del Doctor Caligari. El filme protagonizado por Werner Krauss, Conrad Veidt y Friedrich Feher, considerado un referente ineludible del Expresionismo Alemán, se sirve de la historia de un mentalista que insta a un sonámbulo a cometer asesinatos, para denunciar los actos criminales perpetrados por el gobierno germano durante la Primera Guerra Mundial.

La presentación será el sábado 3 de diciembre, en función doble, 17:00 y 20:30 horas.

La música contemporánea rompe esquemas desde las décadas de los 40 y los 50. Siempre se enriquece y muestra una cara distinta, señala Edwin, percusionista egresado de la Escuela Superior de Música y con estudios avanzados en el Ensamble Tambuco de México.

Lavista celebra la aparición de este CD, pues es “el resultado del magnífico trabajo y la calidad interpretativa del grupo”. Es necesario subrayar que todas las obras grabadas fueron encargadas por RAGA para este proyecto. ”Con lo cual queda de manifiesto el hecho de que consideran fundamental encargar, estrenar y grabar obras escritas para ellos. Gracias a la presencia de grupos como RAGA, los compositores mexicanos – y de otras partes también -, contamos hoy con intérpretes de gran calidad que estimulan nuestra imaginación y fantasía. Y esto es algo que todos los compositores reconocemos y agradecemos”, concluye Mario Lavista.

Al respecto Ernesto Juárez señala que este disco tiene la peculiaridad de contener sólo obras para trío, “cuando la mayoría de los ensambles se maneja como cuarteto”; y aporta repertorio para una nueva formación. “Todas las obras fueron escritas exclusivamente para nosotros por varios de los mejores compositores que hay en México, entre otros Salvador Torres, Leopoldo Novoa y Alejandro Romero. Algunos son miembros del Sistema Nacional de Creadores, constantemente crean y se renuevan como artistas. Creyeron en nosotros y están ampliando nuestro repertorio”.

Ernesto Juárez y Edwin Tovar hacen música contemporánea porque les permite arriesgarse. “Nos ofrece muchas posibilidades como instrumentistas. Con las percusiones por ejemplo, vamos desde lo más pequeño como un crótalo hasta un bombo o una marimba y pasamos por todos los rangos dinámicos y todos los matices”.

Durante su concierto, el Trío RAGA Ensamble tocará más de 40 instrumentos diferentes, desde crótalos, tempel bowls, gongs de diferentes tamaños, gongs chinos, instrumentos de pieles, tambores de pieles como el bombo, las congas, los bongos, tarolas, toms, claves y teponaztles, entre muchos otros.

El concierto se llevará a cabo el 9 de diciembre, a las 2o horas, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes. Circuito Interior (Av. Río Churubusco) 79, cerca de Country Club, Coyoacán, DF. Entrada libre.

¡No hay Como la Familia!
Una Comedia que retrata irónicamente la relación Madre-Hijo
Y usted, ¿se parece?

Una irónica y ácida gama de situaciones manipuladoras y de chantaje afectivo en la relación madre-hijo. “No hay Como la Familia” retrata el riesgo para un hijo único y poco maduro, de padecer la simbiótica relación con su madre omnipotente y controladora y un padre pasivo y ausente.

Temporada de Teatro Breve. Todos los jueves en el Foro Shakespeare, ubicado en Zamora No. 7, Col. Condesa, a una cuadra del Metro Chapultepec, en el DF.