Fernando Rivera Calderón, músico y periodista, en entrevista habló sobre música, planes y musas.

¿Cómo se dio esta oportunidad de ser parte del Festival de Letras de SLP?
Al parecer muy fácil. Nos invitaron y aceptamos, pero detrás de las cosas que parecen fáciles hay mucho trabajo, mucha pasión, muchos hilos que se han ido tejiendo a lo largo de estos años.

¿A qué se enfrentará la gente que asista a tu concierto?
Bueno, más que un enfrentamiento espero que sea un encuentro amoroso y apasionado en el que haremos un recorrido por las canciones y emociones que forman parte de la historia de Monocordio. Queremos que quienes asistan al concierto vuelen con nosotros y se eleven por encima de sus problemas y sucesos cotidianos. Queremos formar un solo acorde.

Luego de 10 años como Monocordio, para ti ¿qué ha mejorado y qué ha empeorado en la escena musical?
Ha mejorado mucho. Tenemos acceso a una diversidad musical maravillosa. Hay artistas increíbles que sintetizan diferentes corrientes musicales y la promiscuidad de ritmos y corrientes parece no tener fin. Por otro lado lo peor no ha empeorado, la música desechable ahí sigue, los artistas que, con su Grammy en vez de la calavera shakesperiana, se preguntan: “to glee or no to glee“. Arjona seguirá vendiendo millones de discos.

¿Qué planes hay en puerta?
Grabar el séptimo disco en estudio y octavo en la discografía de Monocordio. Hacer algunos duetos y viajar mucho con mi música. Después de San Luis Potosí, me voy a tocar a Madrid, luego a Barcelona, luego a Vigo y después regreso a Guadalajara a la Feria Internacional de la Música, en espera de que se confirmen algunas cosas en Chile, Colombia y Argentina. Ah, y en julio regreso al cabaret con una obra que escribí llamada Nosfregatu que actúan nada más y nada menos que Regina Orozco, Tito Vasconcelos, Marisol Gasé y acá su servilleta.

Tu faceta como periodista debe llenarte de historias, estas historias ¿son buenas o malas musas?
Todo lo que a uno le pasa, cuando ya es historia siempre será una buena musa. Lo que eres capaz de contar es porque ya lo asimilaste. Yo cuento y canto las cosas para que, de algún modo, me dejen de doler.

¿Cómo se reinventa Fernando Rivera Calderón?
Ignoro si me reinvento o me redescubro o simplemente me reciclo. El asunto es que me aburro de ser el mismo y trato de ver y hacer las cosas diferente.

¿Grandes festivales o conciertos íntimos?
Me gustan los grandes festivales donde logras la intimidad y los conciertos pequeños donde tocas el cielo.

En esta etapa comienza a cantar y a componer en español y castellaniza su nombre a Ritmo Peligroso. A finales de la década de los ochenta su estilo musical se había convertido en una influencia para muchas bandas nuevas y en 1989  los sencillos de “Déjala tranquila” y “Contaminado” se convierten en éxitos masivos que sonaban por todo el país.

La banda ha compartido escenarios con Carlos Santana, Charly García, Jaguares, El Tri, La Ley y Fito Páez, por mencionar algunos. Su sonido ha trascendido fronteras y, sin tomarse muy en serio, ha sido una banda aventurada e ícono del rock en español.

Desde Miami, Florida, Piro nos platicó sobre todos los planes que el grupo trae entre manos.

¿Por qué volver a la escena musical?
La verdad, nunca nos habíamos ido, a raíz de nuestra relación con Cuarto Ritmo Entertainment, una compañía de management que nos propuso retomar el proyecto con mayor seriedad y diferentes estrategias, hemos decidido darle un giro a todo el asunto de Ritmo, sobre todo comenzar a tocar en vivo, con nuevas propuestas musicales, queremos terminar tres proyectos que tenemos en el corazón que desde hace mucho tiempo les empezamos a dar forma, pero no los habíamos concretado: el documental de Ritmo Peligroso; queremos grabar un concierto bien producido, con toda la autorización de la banda, porque hay mucho material pirata, pero no hay material oficial en vivo y queremos grabar un nuevo disco en estudio.

¿Cómo se sitúa Ritmo Peligroso en la música actual?
Creo que la música de Ritmo Peligroso es atemporal, cuando tú logras un sonido propio y no tienes una influencia directa de diferentes artistas, como suele suceder, la música se vuelve atemporal. Siento que por lo único que podrías decir que la música de Ritmo no suena actual, puede ser por la calidad de la grabación, porque ha cambiado mucho la manera como se graba la música hoy en día.

Planean hacer un festival de rock en español, platícame sobre este proyecto.
Cuarto Ritmo tiene la idea de crear unos rock fest, hemos hecho un scouting y hemos detectado alrededor de 300 grupos muy buenos -en todo lo que es Estados Unidos a nivel habla hispana y todo Latinoamérica-. Queremos hacer estos festivales culturales de rock, ya estamos tratando de gestionar el primero en San Luis Potosí, tenemos otros en la mira en Chiapas y Jalisco. Nos interesa mucho difundir los diferentes géneros que hay dentro del rock independiente, hay muchísimo talento, muchísimas propuestas que desafortunadamente no han podido salir de sus zonas, queremos ver de qué manera podemos apoyar a estos grupos y darles difusión a nivel internacional.

¿Cómo ven la escena musical actual en México?
Creo que la música ha crecido muchísimo, hay muchísimo matices y colores, muchísimas propuestas, sin embargo, sigo percibiendo a México como un poquito extraño, porque no acabo de ver que haya un verdadero movimiento, como el que sentí cuando fuimos a tocar a Argentina. En México siempre son unos cuantos a los que les va bien, los que venden discos, los que llenan lugares. Cuando deberían ser 30 o 40 bandas, para que haya un verdadero movimiento de rock mexicano.

¿Cómo ha evolucionado Ritmo Peligroso? ¿Qué ha pasado desde sus inicios hasta el día de hoy?
Llevamos 34 años en este negocio, creo que la única banda sobreviviente más grande que Ritmo es el TRI, y es del cielo a la tierra, no se puede comparar lo que eran los finales de los 70, principios de los 80, a lo que es ahora, la apertura que hay por parte de los medios, la libertad de expresión que existe hoy en día. A nosotros nos tocó una época donde había mucha represión, lucías diferente y era probable que la policía te parara y te estuvieran presionando y constantemente complicando la existencia nada más por ser diferente, hoy en día todos los chamacos están tatuados, tiene piercings, expresan su manera de pensar con sus diferentes actitudes y nadie se mete con ellos, hay un respeto por parte de la policía, de la sociedad en general, el ser diferente no necesariamente te hace que seas una persona agresiva o negativa.

¿Cómo mantienen la energía como banda?
Eso está en la sangre de cada quien, lo que hacemos lo hacemos con mucha pasión, si voy a retomar cosas con Ritmo Peligroso al 50%, prefiero no hacerlo. Soy una persona que lo que he hecho a lo largo de mi vida lo quiero hacer al 100% y yo creo que eso también se adapta a Avi Michel, al Gato Arce, Jorge Bautista, a todos los músicos. No nos gusta hacer las cosas a medias.

¿Qué podemos esperar de su nuevo disco?
Es bien importante evolucionar, moverte, si analizas la discografía de la banda, aunque hay un estilo porque la percusión afro es parte importante de nuestro sonido, los discos no se parecen entre sí. Estamos trabajando con nuevos integrantes, con sangre joven, que para mí es importante que exista esa comunión, porque no es por meter músicos nuevos, hacemos un scouting y nos damos cuenta de gente que puede venir a proponer diferentes sonidos, diferentes maneras de poder seguir haciendo música y junto con la experiencia de los veteranos es tratar de crear una comunión con esta nueva sangre y empezar a generar nuevos sonidos. La cuestión es jugar con los sonidos, con las diferentes texturas que puede tener la música y moverte a diferentes horizontes musicales y no quedarte estancando en una misma frecuencia musical.

Ritmo Peligroso tendrá un documental, ¿cuándo estará listo?
Ya empezamos a grabar, está Israel Moreno como director y estamos digitalizando mucho material, porque hay muchísima información y nos vamos a reunir el próximo mes para ver cuál será la columna vertebral del documental, tenemos que hacer entrevistas, grabar testimoniales, hay un largo camino que recorrer, espero que lo tengamos listo para este año.

Entre sus proyectos está grabar un concierto en vivo, ¿dónde lo realizarán?
Es muy probable que lo grabemos celebrando nuestro 34 aniversario en el Teatro Metropólitan. Algo bien importante es la interacción que se crea con el público y es lo que queremos captar en este concierto.

Podríamos hablar de la película en sí, pero estaríamos perdiendo de vista su significado como un todo y es justo en este punto donde se encuentra su más grande “pro” y su más grande “contra”.

Después de 5 años de preparación -y 5 películas- llega a los cines de todo el mundo Los Vengadores, en cuya alineación para esta aventura (Los Vengadores como grupo ha pasado por varias alineaciones, llegando a formar parte de este personajes como Spider-Man o el mismísimo Wolverine) se encuentra Bruce Banner/The Hulk, interpretado por Mark Ruffalo; Natasha Romanoff/Black Widow, interpretada por Scarlett Johansson; Barton Clinton/Hawk Eye, interpretado por el genial Jeremy Renner; Thor, a quien le da vida Chris Hemsworth; Steve Rogers/Captain America, interpretado por Chris Evans; Nick Fury, en la piel de Samuel L. Jackson, y no podemos dejar de mencionar -obviamente- a Tony Stark/Iron Man, a quien le da vida el que me parece es el actor más ad hoc para este trabajo, Robert Downey Jr. No puedo dejar de mencionar la pequeña-gran aportación de Clark Gregg, como el agente Phil Coulson.

Al mando del barco tenemos a Joss Whedon, quien es conocido más que nada por ser creador de Buffy: La caza vampiros o su “spin off” Angel, quien este caso también escribió el guión.

Las actuaciones son las que se esperan -una vez más- de este tipo de cintas con las grandes excepciones de Robert Downey Jr. -que lo hace como siempre excelente-y Tom Hiddleston como Loki, éste ultimo haciéndonos realmente odiarlo a momentos, lo cual habla de lo bien que lo hizo. Da gusto ver como -quien sabe si conscientemente- le dan más su lugar al personaje del Capitán América que en su propia película, haciendo de el el líder que siempre ha sido en los cómics; después de todo él es “El primer Vengador”.

Ahora al César lo que es del César.

Estamos ante un trabajo muy elaborado. Como ya dije arriba, un proyecto que tomo 5 años en realizarse dando a cada personaje principal su propia película la cual nos contó no solamente los orígenes de cada héroe, sino también su manera de ser, de pensar. ¿Entonces por qué tomarse tanto tiempo al inicio de esta película para decirnos algo que ya nos habían contado?, sí, personajes como Black Widow y Hawk Eye no corrieron con la suerte de un largometraje propio y de alguna manera había que integrarlos al equipo, pero (y más que nada por ser el proyecto que es y la magnitud que tiene) una buena parte del principio de la película es lento. Quizá se deba al “crescendo” que se usa para integrar a cada uno de los personajes a la trama, pero en este caso y con una película a cuestas de cada uno de los personajes principales, esto sale sobrando y si bien para muchos no es relevante, no estamos ante cualquier producción, sino ante “la madre de todas ellas”.

Los efectos visuales son espectaculares, no la vi en 3D pero según me han contado las escenas de batalla son muy buenas, y les creo que ya aún en 2D están brillantemente realizadas -cabe decir que este es su formato original-. Si eres un fan de los cómics -y aún si no lo eres- te aseguro que no saldrás decepcionado de la sala de cine en cuanto a acción se refiere.

Estamos ante terreno nuevo en Hollywood, al fin y después de mucho esperar la meca del cine esta tomando en serio a los personajes e historias de los cómics, algo que ha probado ser más que redituable, y el que sagas o arcos completos estén siendo llevados a las pantallas de los cines, aún con intervalos muy grandes pero respetando -hasta donde se puede- su originalidad, es prueba de ello.

Sí, la historia es un poco lenta al principio pero las escenas de acción, el desarrollo de cada personaje -en especial Iron Man y Loki- los chistes en los diálogos, los efectos visuales y por encima de todo el hecho de ver -al fin- a un grupo legendario de héroes como son Los Vengadores llevados a la gran pantalla de manera tan fiel hacen de ésta una película que definitivamente será un parteaguas en cuanto al género se refiere.

Si eres fan de los cómics -como el que escribe esto- te va a encantar, si no, te va a encantar.

P.D. Hay escena final después de los créditos.

Dos horas después, ahí mismo en la capilla y como un estreno nacional, se proyectará su más reciente película, La chispa de la vida, estelarizada por el actor español José Mota y la mexicana Salma Hayek.

De la Iglesia es uno de los directores más interesantes del mundo. Su trabajo ha trascendido las fronteras ibéricas. Entre su filmografía destacan Acción Mutante (1991), El día de la bestia (1995), Perdita Durango (1997), Muertos de Risa (1999), La comunidad (2000), 800 Balas (2002), Crimen ferpecto (2004), Los crímenes de Oxford (2008), Balada triste de trompeta (2010) y La chispa de la vida (2011).

Generalmente sus películas tienen anclajes importantes en la realidad, aún en su vertiente más fantasiosa, pero en La chispa de la vida los personajes son más reales, más de carne y hueso que nunca. Y en ese terreno, la parodia es mucho más difícil de llevar a cabo.

Cabe señalar que Alex de la Iglesia empezó como dibujante de cómics a los diez años y reconoce como padres espirituales a Alex Raymond, Stan Lee y Vázquez. Deseoso de abrir aún más su horizonte se licenció en la Universidad de Deusto, donde, según él, frecuentó el bar y el cineclub fundamentalmente. Decidido a introducirse en el mundo del espectáculo, trabajó en televisión como decorador y realizó la dirección artística de Todo por la Pasta, de Enrique Urbizu. A partir de ahí los acontecimientos se precipitaron. La llamada de la dirección cinematográfica acudió a su puerta.

El Festival de Letras de San Luis Potosí proyectará la cinta de Álex de la Iglesia, La chispa de la vida, el jueves 10 de mayo a las 19:00 horas en la capilla de Aranzazú. Entrada libre.

Viviendo una casi insufrible carestía de buenas películas en los cines (o que al menos llamen mi atención) el día de ayer hice lo que hacía meses no hacía: renté una película.

La elegida en esta ocasión fue Super con Rainn Wilson, Ellen Page, Liv Tyler y Kevin Bacon, bajo la dirección de James Gunn.

Lo primero que se podría pensar una vez que se reproduce el trailer es “se ve como una copia de Kick Ass” y si bien es hermana en el género (uno que me atrevería a decir están ayudando a crear) la verdad sea dicha (de una manera muy sutil) las diferencias que guardan entre sí las hacen sostenerse a cada una por sí misma.

Ésta es una historia que habla mucho del sentir humano, del como las pequeñas acciones hacen grandes cambios tanto para bien como para mal. Cito lo que dijo su director James Gunn: “Super es acerca de la búsqueda espiritual de un tipo que sucede viste un disfraz, pero -esto- es realmente acerca del tipo y no del disfraz”. Mark Millar creador de Kick Ass dice al respecto de las comparaciones con Super: “La gente me ha dicho «Oh Dios mío! Está copiando Kick Ass!» porque salió un año después, pero James (Gunn) estaba haciéndola (Super) cuando yo estaba haciendo Kick Ass. Ambos proyectos estaba saliendo exactamente al mismo tiempo”.

Comparaciones aparte estamos ante una historia muy fluida que tiene su parte de comedia así como de crítica social… y religiosa (algo al estilo de Juana de Arco).

Las actuaciones son muy buenas. Ellen Paige va “un poco mas allá”, puesto que si bien esta actuación está dentro de la misma línea que nos tiene acostumbrados a ver, en esta ocasión lo hace no algo, mucho diferente. Rainn Wilson nos ofrece una actuación -me arriesgo a decir- más que creíble, pero no es, sino hasta la escena final, cuando uno se da cuenta de esto, una escena final que al menos -en lo particular- de verdad me conmovió. Las actuaciones de Liv Tyler y Kevin Bacon son buenas, pero creo que esto es más que nada porque supieron entender exactamente cuál era su “papel” en esta cinta -metafóricamente hablando-.

Ésta es una película que no pretende dar a entender nada, más bien lo expone todo. Con la ayuda de la múscia de Tyler Bates hay algo para todo mundo, desde la comedia hasta lo gore, de momentos “cálidos” a momentos de lo más frenéticos.

Increíblemente logra -para mi asombro- capturar de hecho de cómo sería la vida de una persona que en verdad se decidiera un día a ser un superhéroe y las “características ” -psicológicas- que sin lugar a dudas debería de tener.

Si te gusto Kick Ass seguramente disfrutaras Super. Si eres de las personas algo sensibles para temas como la violencia gráfica o la crítica religiosa entonces Titanic, me parece, aún está en cartelera.

A nuestro país llegó con el nombre de Poder y traición, que aunque son los temas principales del filme, no proyectan por completo la esencia o la carga dramática que le merecen a The Ides of march (2011). Los idus de Marzo, como señala la traducción directa, es la referencia al día en que Julio Cesar fue asesinado (Marzo 15 del 44 a C.), recuperada por Shakespeare en su obra “Julio Cesar”. Cabe mencionar que esta película es obra de la faceta como director del carismático George Clooney, basada en la puesta en escena “Farragut north”, de Beau Willimon. La adaptación para el guión corrió a cargo de Clooney, Beau Willimon y Grant Heslov (quien co-escribió con Clooney Good night and good luck en 2005).

Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood y el mismo Clooney encabezan un elenco muy bien nutrido, que se aprovecha en emotividad y dramatismo e incluso los actores de reparto logran remunerar su tiempo en cámara para derrochar su talento.

La trama se centra en la campaña del gobernador de Pensilvania Mike Morris (Clooney), quien compite en las pre- elecciones para la presidencia por el partido demócrata. Su equipo de campaña está encabezado por el experimentado Paul Zara (Hoffman) y su joven promesa de la política Stephen Meyers, quien no sólo es un consultor ávido y eficaz, sino también una pieza codiciada por Tom Duffy (Giamatti), el director de campaña del candidato republicano. Tras poner en duda su lealtad hacia Morris, el teatro entero se cae a pedazos para Meyers, quien deberá escapar a como dé lugar del entrelazado político que amenaza con destruir su carrera y arruinarlo para siempre.

La buena dirección de Clooney (que supera su titubeante participación como actor) logra capturar en muchos momentos al espectador, aprovechándose sobre todo del clima político que ha inundado Estados Unidos y otros países que se preparan para elecciones importantes. Es importante poder explorar una cinta como The Ides of March pues nos permite mortalizar a esos candidatos que aparecen horas y horas tratando de impactar en todos los medios masivos, ahogándonos de publicidad y de discursos, y que siempre requieren a un Stephen Meyer que les de ese extra para levantar una campaña, convencer a los votantes y ganar la elección.

Por su sincronía social, y sólo por no dejar de ver una buena película The Ides of March es una buena propuesta que ya se puede encontrar en los videoclubes, para celebrar esta temporada y pasar unas bonitas elecciones. (Por lo menos así dejamos de ver los empalagosos spots de Peña Nieto).

Este año participará escritores de la talla de Mario Bellatín, Guillermo Fadanelli, Luis Humberto Crosthwaite, David Ojeda, Carlos Velásquez, Jorge Fernández Granados, Tedi López Mills, Julio Patán, Hernán Bravo Varela, Luigi Amara, Claudia Posadas, Álvaro Uribe y Rocío Cerón. La programación será enriquecida con una muestra de diferentes expresiones artísticas.

La inauguración estará a cargo de la joven cantautora mexicana Ximena Sariñana, quién en esta ocasión será acompañada por la chilena Francisca Valenzuela y para clausurar vendrá el cantautor argentino Miguel Mateos. En el rubro de cine, el Festival de Letras de San Luis contará con la presencia del escritor y cineasta español Álex de la Iglesia, quién además de su charla presentará su más reciente trabajo cinematográfico, La Chispa de la vida, un estreno nacional.

En el marco de este festival se presentan Las Jornadas de Detectives y Astronautas, las cuales reúnen a los escritores mexicanos más importantes en los géneros policiaco, ciencia ficción y novela negra. Entre los participantes se encuentran Norma Yamille Cuéllar, Bernardo Esquinca, F.G. Haghenbeck, José Luis Zárate, Iván Farías, Juan Carlos Reyna, Luis Carlos Fuentes, Óscar Montero, Rodrigo Pámanes, Gerardo Porcayo, Rodolfo JM, Ronnie Medellín y Joserra Ortiz.

Durante la novena edición del Festival de Letras se realizarán 67 actividades y participarán más de cien artistas en 25 sedes, 61 escritores participantes (1 extranjero, 42 nacionales, 18 locales), 42 actividades literarias, 4 conciertos, 10 obras de teatro, 7 talleres, 1 película y 2 exposiciones.

Uno de los objetivos principales de este Festival ha sido la inclusión de todos los públicos. En el rubro de teatro se ha considerado una atractiva programación de representaciones escénicas para niños, además de contar con la presencia del dramaturgo Miguel Sabido, quién se despide de los escenarios y nos presenta su último trabajo, La Soldadera. En este Festival de Letras de San Luis Potosí 2012 también participarán reconocidas estrellas de televisión y teatro como Margarita Gralia, Pilar Pellicer, Susana González y Juan Manuel Bernal, quienes participan en el programa “Leo, luego existo”, un importante proyecto que fomenta la lectura a lo largo del año.

Este encuentro lúdico y académico contará con una interesante oferta de talleres impartidos por destacados escritores y enfocados a diversos públicos. Eusebio Ruvalcaba ofrecerá el taller Estrategias narrativas mientras que Vivian Abenshushan encabezará el Laboratorio de ensayo creativo. Bernardo Fernández BEF impartirá Narrativa gráfica; Maricela Guerrero un taller de poseía para niños y jóvenes; Jaime Chabaud es el encargado del taller de Dramaturgia; el escritor Pepe Rojo trabajará Géneros Limítrofes y finalmente el destacado narrador y cronista J.M. Servín dará el taller de Periodismo Charter. Todas la actividades son gratuitas.

El Festival de Letras de San Luis Potosí 2012 se realizará del 8 al 12 de mayo.

A lo largo de varios concursos, el trío fue ganando público y presencia musical. Para 2005 ganarían el premio “Best Live Act”, en el evento “Global Battle Of The Bands”.  Firmarían contrato con la comañía “Religion Music” en 2009,  para lanzar su álbum debut White Collars Lies.

Su sencillo “Cocain Chest Pains” llegó a estar en el número 25 en las listas de propularidad norteamericana y estuvo en los primeros diez lugares en Canadá.

Shane, Brad y Daniel comparten un poco de su visión, la intención de su música y lo que hay alrededor y dentro de Kopek para logar su sonido.

¿Quién es Kopek?
Tres elementos de rock provenientes de Dublín, Irlanda.

¿Cómo lo describirían?
Nos describimos como una banda que toma como influencia el rock ‘n’ roll de la vieja escuela para llevarlo a un show en vivo, así como nuestra actitud general hacia lo que creemos que debería de ser el rock ‘n’ roll hoy.

¿Qué elementos los hacen diferentes  a otras bandas de rock?
¡No hay trucos! Lo que ves es lo que obtienes. Nosotros tratamos de concentrarnos en nuestra composición y shows en vivo, y no preocuparnos por la próxima gran moda. Escribimos sobre temas que son importantes para nosotros e importantes para cualquier persona que remotamente se interesa por lo que está sucediendo en nuestro jodido mundo hoy. La mayoría de las bandas no tienen un mensaje o una historia en la escritura de la canción, sólo un revoltijo de palabras que suena bien. La escritura de la canción es un arte en extinción en el rock moderno de hoy.

¿Qué elementos atraen a su público?
Muchos elementos pueden atraer a un público, nuestro público viene a Kopek porque suena diferente a todos los demás grupos de rock moderno de hoy. Todo el mundo, incluyendo Kopek, está buscando la próxima gran cosa, algo nuevo, algo fresco, algo que representa algo y es un algo que sea creíble. ¿Tal vez nuestro público ve eso en Kopek?

¿Qué hay detrás de su sonido?
Nuestro sonido es de tres chicos que juegan con nuestros instrumentos. Duro y fuerte y tocar con nuestros corazones. Todos agregamos algo único a la banda, en el estilo de tocar y de sonido. A todos nos gusta la misma música y creemos que se debe hacer de una manera determinada. En un trío, el sonido puede ser enorme, más grande que cualquier pieza de cuatro o cinco. En un trío ocurre muy poco, sólo lo básico, entonces todos tienen que hacer lo mejor a la hora de tocar. ¡Y puedes escuchar eso! Hay una química especial que tiene tres unidades. Basta con escuchar a Nirvana, por ejemplo.

¿Cómo es la tonalidad rock de Kopek?
Somos fans del hard rock. Hemos pasado muchos días en el estudio analizando nuestro sonido y estamos siempre tratando de mejorarlo. Nunca puede saber lo suficiente y siempre se debe aprender y probar cosas nuevas en la música. No estancarte en tu sonido o será muy aburrido para ti y el público de una manera muy rápida. El tono no fue suerte, se trataba de una buena bestia pesada de rock n’ roll.

¿Cómo describirían su música?
Como un alma de hard rock n’ roll proveniente de Dublín, Irlanda.

Cuéntenos sobre su álbum White Collar Lies. 
White Collar Lies fue trabajado y grabado alrededor de tres meses. Lo grabamos en un antiguo molino de trigo hecho de piedra, que se convirtió en el estudio de grabación. La habitación  era increíble para trabajar, pasamos la mayoría del tiempo trabajando realmente en las canciones del álbum y tratando de armar algo que fuera de  principio al fin. Nuestra misión era grabar y producir un álbum que no cayera en la calidad de una sola canción, sino en el total del álbum. Nosotros, como compradores de música, encontramos que hoy puedes comprar un disco que sólo tiene dos o tres canciones buenas. En estos días parece aceptable lanzar un álbum en el que son aceptables dos sencillos y no enterarse de qué otra mierda se grabó en el disco. No podemos aceptar estas estupideces. El dinero es difícil de encontrar en estos tiempos, entonces es mejor que hagas todo el álbum grandioso. De retroalimentación con el público y la prensa, parece que hemos logrado nuestro objetivo.

¿Cuál fue el evento más significativo para lograr este disco?
Terminarlo fue el logro más increíble. Cuando lo estábamos grabando lo banda pasó por todas las emociones. Es una montaña rusa emocional cuando estás haciendo el disco. No hay mejor sensación que el escuchar las mezclas finales y darte cuenta del trabajo duro, sudor, lágrimas y sangre que pusimos en el álbum.  Fue una cosa hermosa. Estamos muy contentos en como se finalizó el disco. Nos pusimos un objetivo y creo que lo logramos.

¿Cuál mentira es la más grande a la que se han enfrentado?
Desafortunadamente vivimos en un mundo en el que nos dicen muchas mentiras masivas. Mentiras del gobierno, mentiras de los medios, mentiras de quien sea quien que esté tratando de estar sobre “el hombre pequeño” . White Collar Lies se inspiró de un montón de mentiras que nos dijeron y terminaron en guerras, pobreza y han paralizado la economía global que tiene este planeta y las manos y las rodillas de la gente. Decimos: ¡no más mentiras ni estupideces!, ¡fight the power!

¿Cómo se siente interpretar su música?
Cualquier músico te diría lo mismo. Tocar en vivo es la razón por lo que hacemos esto. Drogas o alcohol podrías tomar, pero no hay nada más adictivo que tocar en vivo. Cuando terminas un show quieres volver a hacerlo de nuevo. Tienes que pasar a través de un montón de mierda en el negocio para llegar realmente a tocar  y salir de tour para que la música llegue a la gente, pero al final vale el esfuerzo. Es el mejor trabajo del mundo si lo puedes conseguir, pero por desgracia  no hay muchas entrevistas para llegar a ello.

¿Cómo describen a su público?
Como un montón de gente alocada que le gusta involucrarse y pasar un rato increíble. En caso de que estén leyendo esto, ellos también son gente muy sexi e inteligente.

¿Cual sería una buena manera de confrontar la corrupción?
Como músicos, nuestra forma de sobrellevar esto y confrontar la corrupción es a través de nuestras letras, las que están en nuestra música, tratamos de llevar nuestro punto de vista y, por lo menos, hará que la gente se cuestione o encender una chispa para una gran necesidad de cambio en nuestra sociedad. Nosotros no somos una banda política, pero no podemos dejar de escribir acerca de lo que está ocurriendo en nuestro alrededor.

¿Cuál es su canción favorita de este álbum? ¿Por qué?
Cambia constantemente, “Love  is Dead” es increíble de tocar en vivo porque es cuando el público enloquece, no importa que tan mal pudiera resultar la tocada. Desde el punto de vista del álbum, coincidimos que “Easy Way (DB cooper)” es nuestra favorita. Pero si nos preguntas la próxima semana, cambiaría.

¿Cuál es el mejor lugar para escuchar su música?
En iTunes y otras buenas tiendas de música.

“Conceptualmente, este álbum se centra alrededor del sentimiento de no tener una voz como individuo. Nuestro álbum está en sintonía con el concepto de vida en el que ‘la voz más fuerte gana’. Otros temas incluyen paranoia, conquista corporativa, depresión, y la idea de la singularidad.”

Buscando una salida musical para el caos organizado, Ticktockman fue creado por Ryan Van Wierengen (Gatsby’s American Dream, Wild Orchid Children) y Andy Lum (Wild Orchid Children) en 2009. El dúo se unió por su amor a los efectos, composiciones temporales inusuales y la escritura de canciones intensas y de ritmo rápido. De ahí procedieron a escribir y grabar cinco canciones con el productor Casey Bates, la cuales se convirtieron en su EP Periscope, lanzado en febrero de 2010.

Ticktockman logró juntar a todo su grupo para iniciar una gira en 2010 al agregar a Morgan Bruner (Guitarra), Brock Lowry (Batería) y Phil Sells (Bajo). La energía de estos cinco músicos multidisciplinarios llevó a la producción de este álbum que ya está a la venta.

“El hombre del tick-tock” es una figura de un cuento de Harlan Ellison titulado Repent Harlequin!’Said the Ticktockman. El personaje representa a un dictador que quiere uniformar a la sociedad y hacer a todos iguales. El grupo fue atraído al título de la historia porque se relaciona con su identidad musical, siendo que fue formado bajo la idea de que se puede hacer música de rock más ruidosa y más retadora, de una forma accesible y pegajosa.

La banda explica: “la agresividad de nuestro sonido es inspirado por la frustración de lo que es popular en nuestra región hoy. Queremos traer la música ruidosa de vuelta a Seattle y hacer que las nuevas generaciones se sientan vivas a través de ese sonido”.

TICKTOCKMAN TO RELEASE THEIR SELF-TITLED DEBUT ALBUM

Experimental alt-rockers Ticktockman are set to release their debut self-titled album on February 14, 2012. Working with producer Derek Moree in their hometown of Seattle, WA, the eleven new tracks featured on Ticktockman are a combination of technical guitar work, groove-based ambience, and brooding, catchy vocals; birthing a record that will make you forget what you know about the state of modern rock music. “Conceptually, this record centers around the feeling of not having a voice as an individual. Our record is sort of in line with the ‘loudest voice wins’ approach to life. Other themes include paranoia, corporate takeover, depression, and the idea of The Singularity.”

Seeking a musical outlet for organized chaos, Ticktockman was created by Ryan Van Wieringen (Gatsbys American Dream, Wild Orchid Children) and Andy Lum (Wild Orchid Children) in 2009. The duo bonded over a love of effects, unusual time signatures, and fast paced, high intensity songwriting. They proceeded to write and record five songs with producer Casey Bates (Portugal. the Man), which became their debut EP Periscope, released in February of 2010.

Finding their voice in rapid, technical drumming and heavy blues guitar riffs,Ticktockman rounded out its lineup to start playing shows in 2010 by adding Morgan Bruner (Guitar), Brock Lowry (Drums), and Phil Sells (Bass). The energy from these five multi-disciplined musicians led to the production of their brand new self-titled album, Ticktockman.

“The Ticktockman” is a figure from a Harlan Ellison short story titled, “‘Repent Harlequin!’ Said the Ticktockman.” The character represents a dictator who wants to regiment society and make everyone the same. The group was drawn to the story’s title because it relates to their musical identity, as Ticktockman was formed under the idea that louder, more challenging rock music can be made in a catchy and accessible way.

The band explains, “the aggressiveness of our sound is inspired by the frustration of what’s popular in our region today. We want to bring loud music back to Seattle and make the younger generation feel alive through that sound.”

Canciones como “A black hole in the sky”, “Walk through the desire of fire” y “Confront the silence” dejarán al escucha con ganas latentes de ver a la banda en vivo.

Cydonia es una banda de metal originaria de México DF, que nace en el año 2006, formada por Ulises Lara (Batería), Mack Galeano (Guitarra), Sergio Lezama (Voz), Axel Marín (Guitarra) y Roberto Alarcón (Bajo), quienes se encargaron de mantener en equilibrio el orden y el caos de esta producción.

El arte del disco llama la atención por su original diseño que refleja el concepto de la banda, dos stickers de regalo, un increíble precio y la tan atinada grabación que está a la altura de cualquier banda internacional.

La banda se ha presentado en Hard Rock México, Circo Volador, Expo Comic CNA, Expo Rock Show WTC, Foro Alicia, José Cuervo Salón, entre otros, y saldrá de gira muy pronto.

Escrito en el transcurso de varios años entre Nashville y Boston, Happy to See Me es un álbum acerca de cambios, muchos, muchos cambios. Una mezcla inteligente de Ray Davies. Happy to See Me es un recorrido trasnochado de los obstáculos y tribulaciones que implica el acostumbrarse a estar cómodo en la propia piel. Más vale tarde que nunca.

El LP incluye a viejos amigos como Mike Quinn (Moontower Studio / Q Division) y su compañero en The Longwalls, Kurt von Stetten.

EN PALABRAS DE DAN:

Recuerdo haber escuchado la canción “Underground” de Ben Fold y, por primera vez, haberme dado cuenta que estaba cantando de la experiencia norteamericana suburbana, mientras pensaba “carajo, me la ganó”. La experiencia norteamericana suburbana es de donde yo vengo, es donde construí mis huesos, es donde afilé mis dientes.

Cuando tenía 13 escribí mi primera canción. Fue la primera cosa en la realmente fui bueno. La primera vez que oí una canción de Bob Dylan en la estación de radio local, me cambió. Cosas reales. Las palabras seguían llegando. Compré un libro de canciones y lo cargaba de cuarto en cuarto.

Crecí en Nueva Jersey escuchando a Dylan, Pink Floyd, The Dead, The Stones, The Who y los Beatles. Me encantaba Lou Reed, y encontraba difícil de encontrar a otras personas a quienes también les gustara y que no me asustaran.

Entré a la universidad para escribir canciones. Me mudé a Nashville. Toqué en bandas y fui a noches de aficionados. Trabajé en librerías y  los editores de libros de crimen de ficción me invitaban a cenar.

Estuve en gira por unos meses con una banda de covers. Constantemente nos despedían, pero conseguí comer pollo frito en el Holiday Inn de Savanna y jugué voleibol en una playa con vista a una planta nuclear en Crystal River, Florida.

A veces creo que la música salvó mi vida, otras veces creo que la arruinó. Depende del día. Sólo no me lo pregunten por las mañanas.

Me mudé de vuelta a Boston. Grabé un disco con una banda llamada Nag Champal. Trabajé en más librerías. Eventualmente regresé a la universidad por un posgrado en Ciencias Bibliotecarias. Empecé a tocar el bajo en The Longwalls. Con su ayuda redescubrí un amor a la música y un deseo de –finalmente—hacer mi propio disco.

DAN LONDON AND HIS NEW LP: HAPPY TO SEE ME

Dan London is a singer-songwriter-guitarist-bassist (currently with The Longwalls) living in the town of Jamaica Plain, MA.

Written over the course of several years in between Nashville and Boston, London’s debut Happy to See Me is a record about changes—-lots and lots of changes. A smart mix of Ray Davies and East Coast cool, Happy to See Me is a midnight run through the trials and tribulations associated with becoming comfortable in one’s own skin. Better late than never.

The LP features old friends Mike Quinn (Moontower Studio / Q Division) and Longwalls bandmate Kurt von Stetten.

IN DAN’S OWN WORDS:

I remember hearing Ben Folds’ “Underground” for the first time, realized he was singing about the American suburban experience, and thinking, “damn, he beat me to it.” The American suburban experience is where I come from, it’s where I made my bones, it’s where I cut my teeth.

When I was 13, I wrote my first song. It was the first thing I was ever really good at. I first heard a Bob Dylan song on the local classic rock station and it changed me. True stuff. The words kept coming. I bought his book of lyrics and carried it from room to room.

I grew up in New Jersey listening to Dylan, Pink Floyd, The Dead, The Stones, The Who and the Beatles. I loved Lou Reed and found it hard find other people who did that also didn’t scare me.

I went to college for songwriting. I moved to Nashville. I played in bands and went to open mic nights. I worked in bookstores and got taken out to dinner by crime fiction publishers.

I toured for a few months with a cover band. We kept getting fired, but I got to eat fried chicken in the Savanna Holiday Inn and play volleyball on a beach overlooking a nuclear power plant in Crystal River, Florida.

Sometimes I think music saved my life, other times I think it ruined it. It depends on the day. Just don’t ask me in the morning.

I moved back to Boston. I recorded a record with a band called Nag Champa. I worked in more bookstores. Eventually I went to grad school for Library Science. I started playing bass in the Longwalls. With their help I rediscovered a love of music and a desire to—finally—make my own record.

Cada producción cinematográfica, clásica o contemporánea, que vale la pena mencionar cuenta con al menos un nombre idóneo como punto de partida para crearse un juicio sobre las virtudes de la misma. En The Debt (a.k.a. Al filo de la mentira), el punto de partida es Mathew Vaughn.

Quizás la referencia más próxima al señor Vaughn entre la comunidad cinéfila medium-rare sea el clásico contemporáneo Kick-Ass, donde sirvió admirablemente como director; o para los cinéfilos empedernidos, los títulos Lock, stock & two smoking barrels (1998) y Layer cake (2004), donde tomó el papel de productor y director, respectivamente, quizás digan más sobre este personaje.

En The Debt míster Vaughn, sin renunciar a su puesto como productor, se apropió la pluma para dar vida a un trío de ex agentes del Mossad quienes tras un abrupto suceso durante una misión en la Alemania de posguerra se ven envueltos en una trama que oficialmente fue consumada en 1965, valiéndoles el respeto de su nación y la admiración de las nuevas generaciones, pero que en el presente de finales de los noventas nuevamente toma peso en la vida de los personajes cuando uno de ellos comete suicidio. O lo que es lo mismo, tres ex agentes del Mossad Al filo de la mentira, como lo plantearían los traductores del castellano desgraciando tres cuartas partes del plot y la sencilla pero sutil relación intertextual que tiene el breve título en su inglés original con el tratamiento del tópico y la trama que maneja este franco manojo de planos y secuencias decentemente acomodados.

Bajo la dirección de John Madden (Shakespeare in love, Captain Corelli’s Mandolin y otro churro americano con un Mickey Rourke post-crisis haciendo labor de antagonismo) The Debt logra ese halo de sobriedad suspensiva que en su día Spielberg logró evocar modestamente con Münich: guión y estructura dignos, subtramas justificadas, secuencias de acción (aunque en menor cantidad) verosímiles, actuaciones admirables (de apellidos Mirren, Wilkinson y Hinds; este último quien por cierto también colaboró en Münich) y una buena cinematografía a cargo de Ben Davis, fotógrafo de cabecera del señor Vaughn. Aunque, por desgracia habrá que mencionarlo, padece ciertos baches (a criterio personal) en el trabajo de caracterización que de cierta manera afectan la temporalidad de la trama, logrando incluso rosar en lo improbable dentro del universo dado, sobre todo en lo que compete al personaje interpretado por el respetable Jesper Christensen (a quién usted recordará como uno de los antagonistas en la última versión de la franquicia 007). Sin embargo, es admirable el trabajo en la dirección de arte, pendiente incluso del acento de los personajes, o al menos parcialmente exenta de sucias mañas hollywoodenses como la de imponer el inglés americano como motor verbal sin importar el contexto espacio-temporal donde se desarrolle la acción.

The Debt, difícilmente podrá ser considerada un must de su género, sin embargo goza de elementos que le otorgan una graduación cualitativa por encima del churro dominguero de a dos por quince. Si sus gustos son, estimado lector, los dramas post-bélicos de espías con más pluma que puños, los 113 minutos de entretenimiento comercial calificado que esta película le ofrece deberían dejarle satisfech@ sin mucha dificultad.

Más que una reseña, esto es una recomendación, un acercamiento. La nominación al Oscar sólo le dio más publicidad, y qué bueno poder ver galardonadas cintas que realmente valen la pena. Creerán que bromeo al recomendar un cortometraje animado, en dedicarle un pequeño texto completo en este espacio. Pero no es para menos.

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore (E.U.A., 2011) es un corto -con un nombre divertidamente largo- que se surte de distintas inspiraciones. Entre reminiscencias del dantesco huracán Katrina y un toque del Mago de Oz, un escritor materializado como el californiano Buster Keaton se aventura en el mundo de los libros, con un mensaje agradable y gradualmente lacrimógeno, sobre todo si te gustan la literatura en grandes dosis. Las animaciones combinan el 3D con el 2D, acompañado de una música espléndida, que lleva al breve espectador por el camino de la empatía y la ilusión. Sin necesidad de diálogos, la narrativa atrapa, conquista y fulmina.

Emocionante, por mucho. Divertida, bastante. Y si aun con todos los halagos no los convencí sobre esta pequeña obra de arte búsquenlo en Internet y déjense llevar por la magia de la animación de William Joyce y Brandon Oldenburg, realizadores de este magno corto, muy corto, pero muy bueno.

Este grupo, formado por Antonio Adamo Lauría (voz gui­tarra y acústica), Marco Salvadori (batería) y Michele Lovito (percu­sión), se presentará el sábado 24 de marzo, en el Vive Latino.

En entrevista, su vocalista nos habla sobre este proyecto.

Tamales de Chipil, ¿por qué darle ese nombre a la banda?
El nombre nació después de una experiencia intensiva de comer tamales de chipil en 1991.

Llevan más de 10 años haciendo música, ¿cómo se ven, como músicos, actualmente?
Después de diez años nos sentimos más maduros cuando tocamos y sentimos la fuerza de los años de trabajo.

¿Cómo describen su música? ¿Qué los hace diferentes?
No sé si tenemos algo diferente, la cuestión es que tenemos una mezcla musical variada y particular, cada miembro de la banda tiene experiencia musical y de vida diferente, el secreto es saberla combinar. Tenemos mucha influencia gitana pero no sólo eso, hay blues, reggae, ska, nos sentimos parte de este mundo totalmente y lo mismo con la comida y la música, todo nos pertenece, y pensar cuánta música hay en el mudo y cuántas contaminación se puede hacer, lo importante es hacerlo con gusto, amor y curiosidad. Tamales de Chipil hace música contaminada por el mundo.

Sus letras, ¿de qué hablan? ¿Cuál es el mensaje para sus escuchas?
Las canciones hablan de la vida cotidiana, de amor pasional, de protesta, de todo lo que le puede pasar a un hombre libre, un hombre anárquico que ama la vida. En las letras no se oye la protesta enojada, sino poética y suave. Decimos que la lengua no tiene hueso, pero puede romper huesos, así, cuando hablamos de amor tratamos de no ser banales. El mensaje que nos gustaría mandar al mundo es que sólo la revolución y el desarollo individual puede dar inicio a un nuevo mundo.

La mezcla Italia-México, ¿cómo se fusiona en sus creaciones musicales?
La mezcla fue muy espontánea y directa, después de vivir unos años en México me enamoré del país, de su comida y de su música y la fusión salió solita, hay cosas en común con Italia, los dos países tiene cultura de canto muy vasta. Muchas rolas las escribí cuando vivía en Zipolite y por eso están en español.

Atari Teenage Riot, formado en Berlín en 1992, combina música electrónica con voces y mensajes punks que invitan tanto al activismo político, como a la conciencia social y al anarquismo, sumergiéndonos en el tajante concepto antinazi y antifascista de la banda.

Este trío se ha consolidado como la pieza básica del Digital Hardcore, único género que puede describir su música experimental. Su propuesta sonora es tan imponente que transforma por completo el estado de ánimo de quienes la escuchan.

Después de reunirse en 2010, lanzaron su más reciente LP, en 2011, llamado Is This Hyperreal?, en el cual combinan beats y sintetizadores industriales, con la potencia vocal del hardcore, dejando en claro su postura sónica e ideológica, demostrando una vez que son un referente musical y cultural para esta generación digital.

Para San Cisco, formada por Jordi, Josh, Scarlett y Nick, ha habido poco tiempo de espera de por medio. El cuarteto ha seguido su propio camino desde que emergieron de Fremantle, en el oeste de Australia, hace algunos años. De humildes orígenes: tocadas de fin de semana; hasta ser nominados para el Unearthed J Award 2011, la banda mantiene una química natural, creciendo orgánicamente en su propia tierra fértil para crear su segundo EP, Awkward.

El sencillo, líder homónimo del disco, es una gema pop irremplazable que presenta los talentos vocales de Jordi y la baterista, Scarlett. Concebida en una tarde en el estudio, la canción se ha convertido desde entonces en una favorita de la estación de radio triple j, en Australia, incrustándose en la cabeza y corazones de los escuchas, que apoyan a la banda y votan cada semana por el sencillo, convirtiéndolo en la canción más pedida.

Sin perder el vuelo del éxito de su EP debut, Golden Revolver, San Cisco regresó al estudio de grabación con Steven Schram (Little Red, Little Birdy y Cat Empire) en Melbourne, para adentrarse más a las canciones que habían perfeccionado en el escenario y en el garage. El producto terminado es su segundo EP, Awkward, el cual presenta cinco pistas de generosidad indie pop, mostrando el modo característico de Jordi para expresarse, y las variadas influencias de Josh Biondillo en su forma de escribir música.

En su integridad, es una mezcla ecléctica de indie pop, con pizcas de rock y tintes de sintetizadores. Cada miembro de la banda trae diferentes influencias a la mesa, desde sus diversos gustos musicales.

Awkward puede conseguirse para descarga digital a través de su propia casa discográfica “Island City Records”, con apoyo de MGM.

San Cisco, an unmistakable pop gem

You hear the distinct vibration of your mobile phone. A text message from a new crush. Do you text back? Do you wait? Is it stalking or does it just show that you’re interested? Everyone has been there, taking those first steps in a new relationship. It’s, well, awkward.

For San Cisco, there has been very little waiting around. The four-piece have followed their own path since emerging from Fremantle, Western Australia a few years ago. From humble beginnings of weekend jams to being nominated for a 2011 Unearthed J Award, the band have a natural chemistry, growing organically into their own mold to create their sophomore EP, Awkward.

Lead single “Awkward” is an unmistakable pop gem featuring the vocal talents of both Jordi Davieson and drummer Scarlett Stevens. Penned in the studio one afternoon, the song has since risen to become a triple j favorite in Australia, embedding itself in the head and hearts of listeners as they respond to the band by voting it in for a week as the number one most requested song.

Following on from their success of their debut EP, Golden Revolver, San Cisco returned to the recording studio with Steven Schram (Little Red, Little Birdy and Cat Empire) in Melbourne to delve further into the songs they had perfected on stage and in the backyard shed. The finished product is their sophomore EP, Awkward, featuring five tracks of indie pop goodness, showcasing Jordi’s turn of phrase and Josh Biondillo’s varied influences in his music writing. In its entirety it is an eclectic mix of indie pop with dashes of rock and slashes of synth. Each member of the band brings a different influence to the table from their diverse and eclectic palate of indie, rap, hip-hop and jazz.

Schoolmates Josh and Jordi bonded over their love for skateboarding and the water, but what brought them together was their passion for music. While Josh is the music man coming to the table with the arrangement and melody, Jordi will talk over the top delivering a slew of words that grows into his in-depth lyrics fantasizing about the world. Add fellow schoolmates, bassist Nick Gardner and Scarlett Stevens on drums and San Cisco came to fruition.

The five-track EP is a statement of intent for a band on the cusp of something big. The energetic and upbeat “Rocket Ship” plays out Jordi’s dreams about leaving everything behind that you know and trust to uncover and discover what may become.

The irresistible ‘Lover’ shows off their buoyant and bright song-writing with each verse following the progression of a relationship. A rousing cover of the Arctic Monkey’s “505″ adds a new dimension to the EP, played out like a science experiment between Schram and the band one afternoon in the studio. Taking the tempo a little more downbeat is the closing and emotively powerful song, “Reckless,” true to its lyrical content that “Reckless is fun when you are not the one that gets hurt.”

Penning tunes for some time, as well as amassing an assortment of instruments, band mates Josh and Nick have accumulated numerous instruments that they repair, rebuild and add to their collection. The intricacies of these instruments that they repair and play become more a part of their knowledge and growth as musicians, experimenting with new sounds.

Having already graced the stages of Big Day Out, Laneway, Fuse Festival and Big Sound as well as airwaves around the world gaining airplay on triple j, community radio in Australia, London’s XFM station, college radio across the USA and Flux FM in Germany. San Cisco have set themselves apart from their counterparts with the depth of their song-writing and their bright catchy hooks.

With all this in place, it is Awkward EP is slated for release in February 2012, through their own record label Island City Records independently through MGM.

Sales de la sala de cine. Enciendes el auto. Te acomodas el cinturón y observas la calle vacía, esperándote. Pisas el acelerador lentamente, mientras tus manos se pasean por el volante. Quieres conducir a toda velocidad sorteando entre el tránsito patrullas y autos de la mafia; tu tsuru es más un mustang y tú eres solamente un conductor…

Escrita por Hossein Amini, basado en el libro del novelista James Sallis, Drive (2011) está lejos de ser la convencional historia de acción. La película dirigida por el danés Nicolas Winding Refn, quien culminada su trilogía Pusher adapta la novela de Sallis, posee grandes virtudes técnicas que son definitivamente lo que realza el nivel de este filme. Las primeras escenas dan seña de un ritmo espacioso y contemplativo que paulatinamente se va consolidando gracias a una impecable edición, que aunada al trabajo del experimentado cinefotógrafo Newton Thomas Sigel (The usual suspects, 1995; Three kings, 1999), le exprime a las escenas el dramatismo de los colores, las texturas y los entornos. Finalmente la música y la mezcla de sonido se vuelven fundamentales para imprimirle la otra mitad del sabor a la película integrando fuertes cargas de música electro que acompañan la belleza de las tomas nocturnas de la ciudad.

La trama adquiere diversas tonalidades, mientras el espectador reconoce en el personaje principal (gran interpretación del canadiense Ryan Gosling) las señas de un verdadero héroe. La bondad, el carisma, la aparente parsimonia benévola de este simple conductor, Terminan por congeniar en un personaje bien estructurado. Es orquestal la entrada de los distintos protagonistas de la cinta, que a lo largo de 100 minutos se van desarrollando con éxito. Uno de los aciertos principales fue sin duda la química natural entre los actores principales (Ryan Gosling y Carey Mulligan), quienes permean un romance sin excesos o exageraciones y que en la austeridad se vuelve tangible. Las referencias podrían ser muchas dentro de Drive, la influencia de Scorsese o De palma son bastante marcadas, no obstante la historia no se ve afectada por ello, ya que no se sostiene bajo esa premisa.

Drive es recomendable por ser una cinta de acción de calidad, sin duda prospecto al culto moderno y una propuesta fresca, de esas que se agradecen en las carteleras de enero.

¡Tenemos 3 discos para nuestros lectores!

Si quieres saber más sobre esta agrupación da clic en la imagen.

Los ganadores son:

Emmanuel Juárez, Roberto Castillo y Jaime Díaz.

Kitty Clementine comenzó en el mundo de los espacios artísticos desconocidos de Sidney, Australia, así como en bodegas y foros públicos. Ella podía estar cantando una balada de jazz en un momento, un aria barroca al siguiente y gritando ruidos indeterminados para la ovación. Fue conocida por dar conciertos compuestos de canciones, poemas y performance. Dirigió bandas centradas en instrumentos híbridos, percusiones “basura” y coros. Aunque muchos la conocen por estas producciones fuera de lo común, pocas fueron realizadas en su lugar de origen.

En su cumpleaños número seis, su familia se mudó de Sudáfrica. Para ese entonces, ella había declarado que cuando creciera sería una cantante y escritora. La niña escribió su primera canción a los ocho años, y nunca se detuvo. Estudió canto barroco y ópera durante la preparatoria; actuación, musicología y composición cuando terminó; finalmente fue aceptada en la Carrera de Música de Jazz en el Conservatorio de Sidney. “Fue ahí donde mi mentor me enseñó algo que cambió mi vida: para poder dominar realmente tu forma artística, debe ser vivida, no sólo estudiada”. Siendo apoyada por su mentor, dejó el Conservatorio y se adentró en la vida musical.

“No tenía nada que perder.”

“Tomé un riesgo en un momento de capricho y me embarqué en mi sueño”.

La aventura comenzó con un boleto de avión a Nueva Orleans. Tenía dos meses en Estados Unidos, poco dinero y ningún plan, excepto absorber cada experiencia y usarla para escribir suficiente material para un álbum. El viaje la llevó de bares de mala muerte y negocios de tatuajes en la colonia francesa, en un camino de “aventón” por Alabama, Carolina del Norte, hacia Seattle, a través de San Francisco y, eventualmente, de regreso a Los Angeles.

Kitty Clementine llegó a Los Angeles en la caja de una camioneta pickup, con un libro lleno de nuevas canciones, a una inesperada semana en el estudio de Jeff Bova. Juntos, lograron producir un álbum en siete días.

“Soy Kitty Clementine. Hago la realidad mágica y corro velozmente sobre las ruedas de la rebeldía. Soy aguda, estoy furiosa y tengo historias que no me creerías. Así que, arréglate las plumas y corre el camino. Se valiente y salvaje junto a mí”.

KITTY CLEMENTINE
DEBUT SELF-TITLED ALBUM DUE MARCH 6, 2012

Sydney’s unique soul-pop vocalist Kitty Clementine will release her debut self-titled album via Clumpty Records on March 6th. But, who is Kitty Clementine?

She began in the underworld of Sydney’s artist-run spaces, warehouses and speakeasies. She could be singing a jazz ballad one moment, a baroque aria the next, and screaming indeterminate noise for the encore. She was known for giving performances comprising of song, spoken word poetry, and performance art. She directed bands built out of hybrid instruments, junk percussion, and choirs. Though many knew her for these off-the-wall productions, few realized where she came from.

On her sixth birthday the family left South Africa. By this time she had already declared that when she grew up she was going to be a singer and a writer. The girl wrote her first song at eight, and never stopped. She studied baroque and opera through high school; performance, musicology and composition when she left; and finally was accepted into Sydney Conservatorium of Music’s Jazz Degree. “It was there that my mentor taught me something life-changing: In order to truly master your art form, it must be lived, not just studied.” So, supported by her mentor, she left the Conservatorium and took on the musical life.

“I had nothing to lose”.

“I took a chance on whim and embarked on my dream”.

The journey began with a plane ticket to New Orleans. She had two months in North America with little money, and no plans except to embrace every experience and use it to write enough material for an album. The trip took her from the bawdy bars and tattoo parlors of the French quarter, on a journey that had her hitching through Alabama, North Carolina, up to Seattle, through San Francisco and eventually back to Los Angeles.

Kitty Clementine arrived in LA off the back of a pickup truck, with a book full of new songs, to a serendipitous week in Jeff Bova’s studio. Together they laid down an album in seven days.

“I am Kitty Clementine. I make reality magical and I run hot on the heels of revelry. I am sharp, I am fierce, and I have stories you won’t believe. So fluff up your feathers and run the road. Be brave and wild with me”.

El Retorno del Poeta Vagabundo… ¿Cómo surge este nombre?
Hace tiempo que veníamos manejando la idea del continuo retorno, de lo cíclico (a partir de la lectura del libro El Mito de Sísifo, de Albert Camus); se fueron desarrollando otras ideas pero, y sonará trillado, fue a través de un sueño que el nombre surgió: en este sueño un personaje misterioso, ataviado con una capa, entraba a una especie de taberna antigua y la gente inmediatamente se sentaba en torno a él, para escuchar lo que tenía que contar después de mucho viajar –a la vieja usanza de los trovadores medievales–. Siempre viajando y siempre regresando, traficante de historias y vivencias. Así, con ideas superpuestas, el nombre de El Retorno del Poeta Vagabundo representa la idea de que siempre se tiene algo que contar, en nuestro caso a través de la música; pero el Poeta Vagabundo no somos exclusivamente nosotros, los que formamos el grupo, es todo aquél que se tenga algo que decir, algo que expresar, sin miedos, sin prejuicios.

En su música resaltan los ambientes, ¿qué pretenden lograr en el escucha a través de este recurso?
La presencia de largos episodios musicales en nuestras canciones puede ser atribuido a la influencia del rock progresivo en nuestra música; sin embargo, también consideramos que nos gusta dar tiempo a que cada tema se desarrolle, se vaya construyendo poco a poco, fusionando las ideas que se expresan en las líricas con las armonías. Los ambientes, atmósferas, nos permiten generar un vínculo con el escucha, generarle sentimientos, pulsiones, y uno que otro bostezo, potenciando así el aterrizaje de las ideas que buscamos compartir.

La literatura los inspira, ¿qué autores o libros influyeron en su disco?
Vaya, difícil pregunta. ¿No se vale responder que la Biblia azul o el libro aquél de Carlos Krauze, verdad? Las canciones de este primer disco oficial se desarrollaron a lo largo de muchos años, tal vez la más vieja se compuso por allá de 2001. Por lo tanto, tendría que decirte que fueron muchas las lecturas y autores que nutrieron este material, como síntesis vivencial de estos años. Podríamos mencionar autores como Henry Miller, Isabel Allende, Milan Kundera, Octavio Paz, Juan Rulfo, José Saramago, Balzac, Bukowski, Leonora Carrington, J. Emilio Pacheco, Julio Cortázar. En la beta poética, en este proceso creativo, nos hemos sentido más asimilados y cercanos a la vertiente latinoamericana: Pablo Neruda, Mario Benedetti, Rubén Darío, Gabriela Mistral, entre otros.

¿Cómo combaten la “prostitución artística”?
Hablemos de nuestro contexto. No es un misterio que el medio comercial musical de nuestro país obedece a ciertos intereses, generalmente vinculados a la masificación y la ganancia. Dichos intereses establecen parámetros (estereotipos) a los que los grupos o intérpretes deben ajustarse: música digerible y pegajosa, mensaje superficial, imagen por encima de talento. El Poeta Vagabundo, como muchos otros grupos a lo largo de los años, más que pelear con esta escena que nos parece altamente plástica (sin generalizar, por supuesto), busca aportar su grano de arena a la consolidación de una escena alternativa, en donde las ideas y propuestas, el arte en sí y no el dinero, sean las que vertebren el proceso creativo. Una escena que busque reivindicar el valor del rock en todas sus expresiones y vertientes, pero que, además, busca dar valor justo a la tarea de los músicos, productores, medios y demás actores que componen esta escena. Dejar atrás actitudes de “tocamos por un trago”. Ésa es nuestra humilde lucha: no asimilarnos a la maquinaria y perder nuestra esencia a costa de reflectores, aunque el mantenernos en la escena nos cueste inevitablemente más trabajo y esfuerzo.

¿Cómo describirían el espectáculo sonoro que ofrecen?
Sin duda alguna, podemos decirte que no somos unos virtuosos musicales. Tratamos de hacer canciones que caminen en esa delgada línea entre lo experimental y lo altamente digerible, por ello en alguna ocasión un amigo nos vacilaba diciéndonos que nosotros tocábamos pop-gresivo (el término, si habláramos de nuestras finanzas también podría ser pobrecivo). Intentamos cierto grado de complejidad y que éste se perciba tanto en las armonías como en las letras. Buscamos decir algo. Sin embargo, creemos que lo que mejor describiría al grupo en el escenario es energía, compromiso y mucha honestidad y amor por la música.

¿Qué propone la banda para darle un giro a la escena musical en México?
Cuando surgió el grupo (aprox. hace 7 años) no estábamos aún en presencia de un gran fenómeno: el exponencial crecimiento del mundo de las comunicaciones y la red, lo cual ha generado una increíble y positiva apertura de medios, de alternativas al duopolio de las comunicaciones a nivel nacional. El intercambio a nivel local y global de ideas y propuestas es avasallante y altamente motivante. Creo que la consolidación de este medio para el posicionamiento de un escena alternativa, en donde no quepa la intolerancia, la discriminación ni los prejuicios, en donde el arte y la creación marquen el camino, en donde es necesario que se generen opiniones que se trasladen de lo musical a otros ámbitos de la vida cotidiana (política, educación, economía), ésta es la tarea que todos los grupos que conformamos esa escena tenemos. Y esa tarea sería francamente estéril sin la labor de medios electrónicos como ustedes, que brindan valioso espacios de expresión y difusión. Creemos que se ha hecho mucho, pero que aún hay un largo y sinuoso camino por andar. El Poeta Vagabundo camina sin parar.

¿Cuáles son las tendencias artísticas que influyen en su música?
Siempre hemos buscado ser individuos receptivos a cualquier expresión artística, aunque en determinados momentos o contextos nos inclinemos por alguna expresión en sus diferentes tendencias o corrientes. Creemos que el disco que estamos presentando en estos momentos tiene mucho de reflexión existencialista, mucho introyección y una grano de locura. Sin embargo, los temas que estamos montando buscan de alguna forma romper un poco el caparazón, poner en la mesa propuestas vinculadas a la situación real que acontece en nuestro entorno, alzar la voz. Consideramos esto es parte de la condición polifacética del ser humano, por ello cualquier vertiente artística es bien recibida.

En términos de géneros musicales, reconocemos ampliamente influencias que van desde el rock clásico y del metal de los 60 y 70 (Beatles, Led Zeppelin, Queen, Sabbath, Iron Maiden), pasando por los grandes exponentes del rock progresivo inglés e italiano (Génesis, Yes, Pink Floyd, Le Orme, Banco del Mutuo Socorsso), bandas contemporáneas como Radiohead, Rage Against the Machine, Screaming Headless Torsos, hasta llegar a géneros como la trova y el canto nuevo. Nuestros puntos de referencia en México son grupos como Real de Catorce, Cabezas de Cera o intérpretes de la talla de Rockdrigo González, entre otros.

Para ustedes, ¿qué es la música?
No sólo es un medio de expresión y catarsis, un canal por el cual dejamos fluir todo aquello que nos conforma como personas, como miembros de una cultura y una sociedad. También es una responsabilidad, una bandera que debemos cargar por pesada que sea, que así como busca simplemente entretener, también tiene la obligación de comunicar, denunciar, ayudar a aliviar el dolor, dar voz. La música es una forma de vida, en todos sentidos. No nos imaginamos sin música, es el aire que respiran nuestros intoxicados pulmones.