Para crear ¿qué necesitan?, ¿musa inspiradora o trabajo cotidiano?
Para crear necesitamos la primera herramienta que es la imaginación, para la imaginación necesitamos ponernos a buscarla trabajando en ello, inspirándose, sin el trabajo la inspiración no existe y sin una guitarra, un piano o un instrumento de base sería difícil llegar a mostrar la idea de una precomposición, aunque a veces al grabar una idea sencilla en un teléfono móvil podemos tener un buen single. Hoy la tecnología de un celular ayuda en ciertas ocasiones a darnos de frente con la inspiración sin estar trabajando.

¿Cómo es el mundo de Estirpe?
Nuestra filosofía de vida es la música, no queremos fronteras creativas, partimos de diferentes artistas, no nos gusta ver las diferencias por estilos musicales, nos gusta hablar de música basada en artistas que es definitivamente la marca del estilo, pensamos que no ser etiquetado en un estilo de música es contraproducente pero a la vez es personal, es arriesgado, es parte de nuestra manera de ser. Hemos hecho hasta hoy una música basada en el rock, pero con ciertas atmósferas que beben de artistas como Pink Floyd, Depeche Mode, Faith no more, Prince, Led Zeppelin, Black Sabbath, Ricky Martin, Madonna, etc.

Cuando empiezas en esto quieres basarte en la música de tus bandas favoritas, pero con el tiempo aprendes que lo importante es crear filtrando la información adquirida con esa música que has ido escuchando a lo largo de los años y, de repente, puedes encontrarte con algo como Estirpe.

Musicalmente, ¿qué le ofrecen al escucha?
Ofrecemos canciones cargadas de optimismo, las letras forman parte de nuestra insignia, mandamos una terapia constructiva de nuestras experiencias y visiones en este planeta, denunciamos las injusticias en maneras poéticas cuidando las formas, con delicadeza metemos el dedo en la llaga en lo que descaradamente es patético. Musicalmente las canciones están tratadas de igual forma, escenificamos de manera sentimental, a través de nuestra música, todo lo que vemos, es lo grande que tiene el arte, utilizarlo para expresarnos y llegar a los oídos de las personas no tiene precio.

Hicieron un tema para un cortometraje, ¿cómo se dio esta oportunidad?
Sí, a través de un amigo, Juan Manuel Martínez, que está metido en este tipo de creatividad, que a su vez tenía otro amiguete, Carlos Alcázar, al que le gustaba mucho Estirpe y nos preguntó si podíamos participar en la banda sonora de su cortometraje, aun sin haberlo visionado, ya que no estaba montado, nos dio confianza y le dijimos que contara con ello. A mí, personalmente, me encantaría introducirme en el mundo de las bandas sonoras para el séptimo arte más en serio, esto fue algo rápido y a la carrera, pero en definitiva es muy bonito que alguien piense en ti cuando está poniendo toda la carne en el asador para sus proyectos y sueños.

Llevan 15 años de carrera, ¿qué les falta por recorrer?
Todo, nos falta todo. Hemos ido a México y hemos empezado de nuevo. Queremos estar mucho tiempo en México, a mí me encanta y creo que es una buena oportunidad para que nuestra música tenga un huequito en ese impresionante país. Queremos seguir haciendo discos y que directamente se editen allí y que las giras pasen por un largo tiempo para los mexicanos, dicen que es una puerta para toda Latinoamérica, incluso Estados Unidos, ¿no? Pues mire si nos quedan cosas por hacer…

Para ustedes, ¿qué representa ser músicos?
Una manera de vivir, dura, sacrificada, altruista la mayor parte del tiempo, pero sí te da lo justo para vivir y poder darle forma a tus sueños. Una forma de expresarte, es necesario expresarnos y mostrar los sentimientos, creo que es natural, si no haces por sacar tu felicidad, tu ira, tu amor, tu impotencia de alguna manera, podrías incluso enfermar, como decía al principio es realmente una terapia física y mental, te mantiene sano y joven, y si trabajas duro y tienes fe en lo que haces algún día te encuentras con la suerte de vivir de ser músico. Puede que sea la manera de ganarte el pan más bonita que yo conozca.

Finalmente, ¿qué les atrae de México?
Desde España veíamos que realmente el idioma es lo más importante, la sensación es muy directa a pesar de la distancia en kilómetros. Hoy en día, gracias a la tecnología, estamos más cerca que nunca, hemos tenido el placer de conocerles en persona y puedo decir que la gente mexicana es encantadora, nos han tratado de una manera indescriptible, gente muy llana, educada y con mucho respeto, con unas ganas de compartir cosas, de descubrir nueva música y de ser muy agradecida. La gente nos atrae mucho y es realmente lo importante, por supuesto que la cultura y la comida es algo que atrae muchísimo, la cantidad de oportunidades de actuar en miles de lugares extraños, eso nos encanta. Conocer bandas de allí y compartir escenario con ellos como con DLD (Dildo) o Salvador (La Castañeda) y Los Eones. Hemos hecho grandes amigos, hemos estado en la fiesta del Día de Muertos, hemos estado visitando las Pirámides de Teotihuacan. Mil cosas que hemos vivido y que no olvidaremos y mira que de turismo no hemos podido estar tanto. Nos queda mucho por conocer y hacer en México, ya estamos pensando en volver lo antes posible.

Mauricio Sotelo, integrante también de Cabezas de Cera, nos habla de este nuevo proyecto que estrena su primer disco homónimo.

¿Cómo nace Avant-Folk?
Yo conocí la música de Eblen Macari en Radio UNAM, hace ya mucho tiempo, y me gustó su forma de tocar, cómo abría los espacios entre los acordes. Una vez fue a presentar un disco al Museo Nacional de Culturas Populares, donde yo trabajaba como ingeniero de sonido, platicamos y yo me imaginaba sonando en la música que él hacía. Le propuse tocar algo juntos. Pasaron un par de años más y pudimos concretarlo, hicimos unas escenas de improvisación, dijimos ‘suena bien, se podría hacer algo interesante’. Empezamos a trabajar primero como dueto, montando piezas que él ya tenía armadas y yo haciendo piezas con el stick y la guitarra de doce cuerdas, y fue hasta este 2011 que pudimos editar el disco. Invitamos al hijo de Eblen, que toca las percusiones, y se adhirió de manera natural. Ahora trabajamos como trío.

¿Son las cuerdas una musa?
No es tanto como una musa, es como un vehículo para tratar de expresar algo que nos haga sentir felices. El rollo de tocar con Eblen o compartir la música es un acto de comunión y cada uno aporta su propia experiencia, en ese sentido la magia se hace cuando tocamos todo juntos. La musa está en todas partes.

La textura sonora en este proyecto, ¿cómo la defines?
Es una textura electroacústica, no hay restricción en cuanto a las sonoridades, si bien las cuerdas son como la fuente, el origen, el percutir la cuerda -en el caso del stick-, eso se transforma en sonidos que, a través de los procesos electrónicos, pueden derivar en muchas cosas y, más bien, lo vamos buscando a partir de lo que la propia pieza nos pide. Y tratando de que sean los sonidos los que nos guíen hacia dónde va la música.

Para ti, ¿qué es la música?
Es el desfogue, la forma en como tú te cosechas. Es algo que he aprendido a llevar conmigo, todos tenemos una musicalidad y la podemos desarrollar de muchas maneras, no nada más al ejecutarla, sino al escucharla. Y es justo en ese ámbito del escuchar música que últimamente lo disfruto mucho y a la hora de hacer mi música puedo tener más claro lo quiero o cómo pasar la música que escucho en mi mente al instrumento, mi acción de construir la música.

La música instrumental puede resultar un género complicado, ¿cómo hacerlo atractivo?
Primero tiene que ser atractivo para nosotros, decirnos algo. No tener una voz o una letra específica invita al escucha a dar su propia versión de las cosas. En nuestro caso, tratamos de ser claros en las estructuras que manejamos, si bien no hay una voz guía, sí hay una voz líder en cuanto a las partes: armonía, melodía, percusiones, la forma en cómo se fusionan. Son temas los que estamos haciendo y exige al escucha atención, entre más atención le ponga más lo puede entender. Todos somos capaces de disfrutar la música, nuestro trabajo es hacerlo lo mejor posible.

Tras una larga formación en Cabezas de Cera, ¿qué tan complicado resulta darle frescura a Avant-Folk, hacerlo diferente?
Es diferente desde el punto de vista de que son otras personas. Trato de desarrollar mi propio lenguaje, que ha resultado a partir de los años. Pero el simple hecho de que te encuentres con otro músico te da una apertura a tocar lo que nunca has tocado. La idea es cómo te puedes incrustar en cualquier tipo de proyecto y seguir siendo tu mismo. Yo he tratado de aprender de Eblen, de amoldarme a cómo él imagina la música, y él de igual manera, cuando montamos temas míos, es la misma forma de trabajo. Eso nos complementa como individuos y hace que podamos generar una música en conjunto.

En una breve entrevista, nos platica sobre esta nueva aventura musical.

La Buchla 200e destaca en este proyecto, ¿cómo se hizo parte de tu proceso creativo?
Naturalmente, pues es el instrumento principal con el que escribo y grabo… Tiene más sentido que otros a mis ojos.

¿Qué otros instrumentos empleaste para crear los temas que conforman Sonoio?
MachineDrum, MonoMachine, Jomox.

Desde tu perspectiva, ¿cuáles son las características que definen los discos Blue y Red?
Son simplemente colores.

¿Cuántas entregas más de Sonoio podemos esperar?
Es difícil decirlo.

Me llamó la atención que en tu página web tengas a la venta un pequeño sintetizador, ¿cómo se desarrolló este aparato? ¿Cómo funciona?
Fue desarrollado en conjunto con The Harvestman: la idea fue condensar parte de los sonidos del disco en un instrumento y usarlos como punto de partida para hacer sonidos nuevos.

A lo largo de tu carrera has participado en bandas como The Mayfield Four, Modwheelmood o Blind Old Freak, ¿cómo describes cada uno de estos proyectos? ¿Qué han significado en tu trayectoria?
Fueron grandes pasos en mi vida, cada uno con sus propios pros y contras.

¿Cómo fue tu época en NIN?
Inolvidable.

¿Cómo fue que el mundo de la música electrónica te envolvió?
Progresivamente me aburrí de tocar la guitarra y los sintetizadores parecían una gran herramienta para acercarse a sonidos nuevos, estimulantes.

Actualmente, ¿en qué etapa de tu vida te encuentras?
Realmente no lo sé.

Escucha el tema “Can you hear me?”, del disco Red.

AN INTERVIEW WITH ALESSANDRO CORTINI

Alessandro Cortini, ex-NIN keyboardist, has a new solo project: Sonoio. He has recorded two albums: Blue and Red.

In an interview, he talks about this new musical adventure.

The “Buchla 200e” synthesizer is remarkable in this project. How did it become a part of your creative process?
It naturally became the main instrument i write and record with….it makes sense more than others to my eyes.

What other instruments did you use to create the themes of Sonoio?
MachineDrum, MonoMachine, Jomox.

From your perspective, what are the main features that define the albums Blue and Red?
They’re simply colors.

How many more deliveries can we expect from “Sonoio”?
Hard to say.

I was surprised to find a small synthesizer for sale on your web page. How was this contraption developed? How does it work?
It was developed in conjunction with The Harvestman: the idea was to condense part of the sounds of the record in an instrument, and to use them as a starting point to make new sounds.

Throughout your career, you have participated in bands such as The Mayfield Four, Modwheelmood or Blindold Freak, so, how do you describe each one of these projects? What have they meant for your trajectory?
They were all great steps in my life, each one with its own pros and cons.

How was your time in NIN like?
Unforgettable

How was it that you were drawn into the electronic music world?
I progressively got bored with playing guitar, and synthesizers seemed like a great tool to come up with new, stimulating sounds.

Right now, in what stage of your life are you?
I don’t really know!

Foto: Sarah Sitkin / Pic by Sarah Sitkin

¿Qué es Luz de Riada? ¿Cómo nace este proyecto?
Luz de Riada (inundación de luz o acumulación de energía es una alegoría a la generación y acumulación de ideas). Nace en tiempos de sombras y diría que es, más bien, un neo-oscurantismo por la situación política, social y cultural en que vivimos. Con este proyecto nos replanteamos el quehacer del músico en la sociedad, que no es únicamente el de entretener o divertir, sino también el de generar cambios y movimientos en la sociedad y nuestro objetivo es activar la imaginación del escucha.

Luz de Riada tiene un antecedente que data del año 2002, cuando Hugo Santos (Saena), Rasheed Durán (Los Daniels), Mamselle Ruiz (Nocturnal de Alejandro Marcovich) y yo nos juntamos para improvisar, conformando a Organismo Mecánico Sonoro y que, por razones de agendas, dicho proyecto se vio truncado dejando varias ideas en el tintero.

¿Cómo fluye la energía dentro del grupo?
De gran amistad, es satisfactorio saber que tienes como aliado y cómplice a tu compañero de trabajo, con el que se tiene la confianza de exponer y debatir ideas.

La exploración sonora, ¿cómo la trabajaron, cómo fue su proceso creativo?
Para este disco Cuentos y Fábulas fueron dos los procesos creativos; la creación de los “cuentos” se realizó dentro del campo de la composición previamente estructurada y definida, fue como ir tejiendo colectivamente un gran telar multicolor, cada uno de los integrantes fue colaborando en la propuesta sonora hasta llegar a la conceptualización de cada cuento.

Las “fábulas” son improvisaciones libres que, en el fondo, son composiciones hechas al momento sin premeditación, sólo con la idea que serían de corta duración, grabadas a dueto con un músico invitado. La dinámica fue que se registrarían tres tomas una de un minuto, otra de tres minutos y una de tiempo indefinido, y de esas tres seleccionaríamos la mejor toma, lo cual fue muy difícil pues la mayoría eran muy buenas, los músicos invitados fueron extraordinarios y reconocidos dentro de la escena mexicana del jazz, rock, vanguardia, new age, folk y de la música orquestal, entre ellos se encuentran Wilfrido Terrazas (flauta), Alejandro Otaola (guitarra), Iván Bringas (guitarra), Ernesto Mendoza (teremin), Carlos Alegre (violín), Rodrigo Frenk (acordeón), Hugo Alfredo (zurdo), Iván Tirado (zurdo), Mamselle Ruiz (voz) y el escritor brasileño Floriano Martins (poesía).

¿Cómo nace la idea de hacer de una pieza musical una imagen sonora?
Es parte de un trabajo intelectual para darle pies y cabeza y una verdadera razón de ser a la música, para esto fue necesario un trabajo previo en la discusión del cómo, por qué y hacia dónde queríamos ir, cada pieza la sustentamos en el campo de las ideas y cada una goza de una personalidad distinta, por ejemplo, “Comparsa de cronopios” es un reconocimiento que hacemos a las personas que llevan un revolucionario dentro y que trabajan por cambiar las cosas, es un pequeño homenaje a nuestros héroes vivos, Julio Cortázar fue el creador de este adjetivo al referirse de Louis Armstrong como un gran cronopio. “Por la puerta trasera” es la representación de la tragicomedia política mexicana de la toma de poder de cierto presidente, que seguramente saldrá por ahí mismo.

Si bien su música puede tener muchas etiquetas, ¿cómo se definen?
En la concertación del contenido neto de Luz de Riada lo último en que pensamos es que género abordar y nos hemos concentrado más a fondo en el discurso, nuestra música tiene que ver con el mestizaje de toda la música que estamos absorbiendo.

Hacer música instrumental es un reto, ¿qué propone Luz de Riada para capturar la atención del escucha?
El sonido articulado con el silencio suele gozar de gran poder sobre la conciencia del escucha y no hay acto más noble que dejar que la música haga su trabajo por sí sola, para activar la imaginación del escucha.

¿Por qué elegir los cuentos y las fábulas como tema de un disco?
El objetivo fue conceptualizar el disco como un libro haciendo una analogía entre la música y la literatura; en este caso la música generada a partir de la composición previa se representó con los “cuentos” y la música generada a partir de la improvisación libre la representamos con las “fábulas”.

El disco en sí es una pieza de colección, ¿cómo concibieron el arte? ¿Quién participó en el diseño?
El CD se contemplo con el objetivo de devolverle su valor al arte del disco, que la gente que lo tuviera en sus manos sintiera el peso y la calidez del papel, y no la fragilidad y frialdad del plástico. La idea fue concebir el álbum como un libro con su camisa que arropara la portada y con un prólogo (por David Cortés) que hiciera la introducción descriptiva del contenido de Cuentos y Fábulas. Hoy en día son pocas las bandas que producen sus discos pensando en una obra de principio a fin, Cuentos y Fábulas se pensó para que sea un disco redondo que se escuche sin saltarte un capítulo de la historia.

El diseño fue realizado por el artista y amigo Edgar Arrellín Caviedes, quien ha hecho un gran número de portadas -con el Angelito Editor- para Horacio Franco, Cabezas de Cera, Eugenia León, Guillermo Velázquez, entre otros.

El tema “Doméstico Depredador” habla de la condición humana, ¿para ustedes cuál es la mejor y la peor cualidad que puede tener una persona?
La peor: la soberbia; la mejor: la humildad.

¿Cuáles son los sueños de Luz de Riada?
Llegar a todos los oídos posibles.

Foto: César Pérez.

En esta entrevista, Ivonne nos habla sobre su musa, el desamor, la muerte y, por supuesto, sobre su libro.

¿Cómo nace tu poemario?
El insomnio ha sido una constante en mi vida; va y viene por temporadas, a veces es don y otras maldición. En ocasiones llega solo, pero también lo busco porque la noche es mi “hábitat” ideal para vivir, para observar, para pensar y para escribir. Para mí este poemario es la consecuencia natural de muchas noches transcurridas en comunión con la poesía, tanto al leer o repasar los textos de los autores a quienes considero mis guías y compañeros en el insomnio, como escribiendo o recreando historias propias o apropiadas, porque el libro es en cierta forma un cuaderno de apuntes: cada texto es la constancia de una vivencia que al llevarse al papel se ha vuelto eterna o ha sido exorcizada. Hablando un poco más del proceso “técnico”, no me propuse un tema ni una fecha para escribir los textos que lo integran, de hecho algunos tenían varios años, otros surgieron justo antes de enviar el libro a dictamen. Pero tampoco es algo improvisado, hay una relación entre cada poema y cada apartado, lo veo como el fruto de un proceso lento pero necesario.

¿Es difícil, hoy en día, dedicarse a la poesía?
Para mí la poesía es elemental, es parte de mi forma de encarar al mundo, la única bandera que defiendo, el ancla que me sostiene entre las tempestades. Conforme el escenario en el que vivimos se descompone, la poesía no pierde luz. Entonces lejos de volverse difícil, buscarla se vuelve todavía más necesario, más natural.

¿Dónde suele estar tu musa?
En la vida. Don Fernando Martínez Sánchez, un escritor genial a quien le debo haberme guiado cuando elegí seguir el llamado de la poesía, nos decía en su taller que se puede escribir poesía de cualquier cosa que uno desee, siempre y cuando la conozca a fondo, la experimente. Conozco a poetas que dicen “voy a escribir de tal o cual cosa” y lo hacen de maravilla; pero en mi caso la escritura viene más bien como consecuencia de lo que vivo; aunque claro, no siempre es una escritura literal. Por otro lado, la música me influye de manera tremenda para escribir. Cuando una canción me hace clic se vuelve parte de mí y puedo escribir a partir de ella; varios de los textos de “Deshojar…” nacieron así.

¿Por qué son la muerte y el desamor temas recurrentes en tu obra?
Por un lado, es parte de ver todo como una dualidad: todo lo que nace muere, y eso incluye también al amor. Por otra parte, hablando de la muerte en particular, de por qué la incluyo tanto, quizá se debe a que la transición de la muerte siempre ha ejercido sobre mí una cierta fascinación, por tratarse de una certeza y a la vez ser imprevisible. No suelo hacer planes a futuro y, sin embargo, hace tiempo que elegí mi epitafio, me lo tatué y compré un servicio de cremación. Y no es que esté deseando morir, sino que de cierta forma es para lo único que creo estar lista desde hace muchos años, porque he disfrutado la vida. Al mismo tiempo, desde niña, me he peleado con la idea de ver morir a quienes quiero, es uno de mis más grandes miedos. Supongo que traer tanto a la muerte entre mis letras es una forma de tener presente lo que espero y lo que temo, para reconocerlo cuando llegue. En cuanto al desamor, los poemas de “Deshojar…” que tienen ese tono fueron, como dice uno de los textos, mi manera de decir adiós a un amor que fue grandioso, pero al mismo tiempo comparable a una creatura de varias cabezas; concluyó y en su momento parecía insuperable, escribir sobre ello fue parte de mi proceso de reconstrucción.

Desde tu punto de vista, ¿qué se requiere para ser poeta?
Leer. Eso también nos lo decía siempre don Fernando y, en concreto, si quieres escribir poesía, lee poesía. Abundan las personas que escriben lo que sienten, pero si no toman la lectura del género como parte de su quehacer, se refleja en la pobreza de los textos, en el abuso de lugares comunes, en la falta de un estilo propio, o de las bases “ritmo-imagen-emotividad”.

¿Cómo deshoja Ivonne Ledezma el insomnio?
Con literatura y con música. Para la primera, en los últimos meses me ha dado por escuchar con luz apagada discos de autores leyendo algo de su obra: Cortázar, Enriqueta Ochoa, Rubén Bonifaz Nuño, Alí Chumacero, Eduardo Lizalde, Fabio Morábito. Mi otro “deshojador” (y el más constante si sumo todos mis insomnios) es la música; más allá de todo lo que me gusta siempre tengo muy a la mano ciertos discos de The Doors, PJ Harvey, Radiohead, The White Stripes y The Kills.

Tienes un colectivo llamado Nit, platícame un poco de este proyecto.
Estamos por cumplir 9 años con el colectivo, en marzo, y a la vez atravesamos un periodo de transición. Nit (“noche” en catalán) nació con un tríptico del mismo nombre que publicamos de manera periódica, mensual, hasta el año pasado; cerramos el ciclo con la edición número 100, nos pareció una manera correcta de hacerlo porque en cierta forma fue volver al número 1. Otra constante del grupo ha sido la organización de lecturas de poesía sonorizadas, aunque el año pasado fueron mínimas principalmente por la inseguridad: siempre hemos hecho eventos por la noche y la gente no quería o no podía salir de noche, ya fuera por temor, precaución, o la dificultad para conseguir transporte. Incluso un par de veces pospusimos, o más bien suspendimos, el plan de algún evento porque acercándose la fecha pasaba algo y la gente se “guardaba”, salía para lo básico. Por otro lado una de las cabezas del colectivo, Paulo Gaytán, se fue a vivir a otra ciudad, y desde que supimos que se mudaría empezamos a plantear la manera de continuar con el proyecto, que después de todo siempre ha estado integrado por gente de todas partes. Así, empezamos a trabajar más en proyectos audiovisuales. No estamos sacando el tríptico pero arrancamos la edición de pequeñas calcomanías para promover la poesía de nuestros autores favoritos. Queremos lanzar una serie de carteles también con poesía e imagen; estamos trabajando en audios y videos con obra propia, y además llevamos algunos meses trabajando en un proyecto videográfico del que sólo se ha enterado la gente que va participando, no queremos decir más pero es algo que teníamos años queriendo hacer y esperamos que tenga un buen resultado. Y claro, siempre que se pueda seguiremos haciendo presentaciones en vivo, pero de momento serán más bien esporádicas. Para contactarnos nos pueden buscar en: Facebook.com/colectivonit.

¿Qué crees que le falta a México para crecer en el ámbito cultural?
Uff… si entramos en detalles son muchísimas cosas… De entrada hay un impactante sector de la población que sobrevive con carencias terribles, y si la gente no tiene con qué comer o dónde dormir, difícilmente va a mostrar interés por la cultura, ni por nada. Pero muchos otros no enfrentan ese panorama y aun así no muestran un interés de forma activa, que es lo que más hace falta. Muchos se quejan de la falta de apoyo o de presupuestos oficiales, de la apatía o el cinismo de los políticos y sí, claro que afecta; pero quien se interesa por algo, logra llegar a ello. Es algo de lo que la experiencia de Nit me ha enseñado: el interés, la voluntad propia, son el motor para que se mueva la cultura. Si quieres acercarte a alguna rama del arte como espectador, siempre encontrarás opciones porque hay mucha gente llevando su propuesta, difundiéndola de algún modo. Si como creador quieres que la gente sepa lo que estás haciendo no te sientas a esperar que alguien te diga “yo te apoyo”, buscas los caminos para acercar a los demás lo que haces, para poner tu aporte y tratar de que las personas puedan acercarse a tu propuesta.

Sandy Lavallart nos platica un poco sobre Kwoon y su nuevo EP, The Guillotine Show.

En este momento, ¿Cómo describes a Kwoon? ¿Qué es Kwoon?
Kwoon es un lugar donde todo es triste y hermoso. La Melancolía es la felicidad de estar triste. Kwoon sigue ese camino.

Al escuchar The Guillotine Show, ¿qué sientes?
Es difícil decir lo que sentimos con nuestra propia música. Algo más poderoso que el otro disco, podría decir, con el mismo “toque Kwoon”.

Sobre los logros de este disco, ¿fue difícil conseguirlo? ¿Fue experimentar?
He escrito los temas alrededor de tres meses, en busca de algo más sexi e indie. El post-rock fue en nuestros primeros discos. Ahora, estamos buscando algo más potente. No me gusta mantener el mismo sonido todo el tiempo.

¿Cuál es tu canción favorita del disco y por qué?
“Bird”. Porque es una canción muy personal, tiene algunas letras que he escrito sobre mi salud, el año pasado, cuando vi la muerte acercarse. Una horrible pesadilla, pero algo real. Y por la esperanza, las cosas parecen estar mejor hoy.

¿En dónde te inspiras para obtener The Guillotine Show, el arte del disco, las canciones?
Solo en mi apartamento, al aire libre mirando las nubes con unas cervezas… Las cosas están llegan a mi cabeza. A veces, cuando estoy durmiendo, mi cerebro me dio un regalo, me levanto con unos bellos sonidos en mi cabeza. Así que me levanto a grabar una muestra para no olvidarlo.

Cuando no es Kwoon, ¿qué otras bandas te gusta escuchar?
Blonde Redhead, Mogwai, Patrick Watson, Arcade Fire, la música clásica.

¿Qué pasa con The Guillotine Show? ¿Qué hay en torno al show?
Una acción muy impactante, decapitar una cabeza con hermosas y tranquilas canciones. Hoy en día la gente está consumiendo cosas desagradables en la televisión, como programas donde se puede ver a gente teniendo sexo, ves drogas, como engañan en vivo, y todo con la esperanza de que nunca les pasará a ellos. The Guillotine Show es un reality de televisión donde se puede ver a la gente ser ejecutada en vivo. Creo que es un promocional estúpido, pero la televisión va en ese sentido, tal vez este tipo de espectáculo podría suceder un día.

Si pudieras decapitar a alguien, ¿quién será? ¿Qué sería? ¿Un sentimiento? ¿Una persona? ¿Una acción?
Alguien que perturba a un niño no debería existir. Pero como he dicho antes, The Guillotine Show es más que una imagen virtual de la estupidez humana en crecimiento. No quiero matar a nadie.

En un concierto en vivo, ¿cómo te sientes? ¿Cómo absorbe la música el público?
Cuando estamos en el escenario, estamos en un trance perfecto. La música y la multitud nos dan energía hasta que termina el espectáculo.

¿Dónde es el mejor lugar para escuchar a Kwoon?
Depende de lo que sientas, pero sobre todo con audífonos, solo, en un paisaje espectacular, en la oscuridad.

Para escuchar algunos temas visita su sitio oficial.

 

THE GUILLOTINE SHOW. SANDY LAVALLART FROM KWOON 

From France, Kwoon able to project, with great imagination and shades, a reflection of his dreams, a universe filled with melancholy, weaving stories and anecdotes. A process of metamorphosis that attracts you from the first notes. A world full off fantasy, worlds that feel very real.

Sandy Lavallart talks about Kwoon and his new EP, The Guillotine Show

How do you describe, KWOON right, now? Who is Kwoon?

Kwoon is a place where everything is sad & beautiful. Melancoly is the happiness to be sad. Kwoon follow that way.

Listening The Guillotine show, what do you feel?
Ahah, hard to say what we feel with our own music. Something more powerful than the other album i could say, with the same “Kwoon touch”

What about the achievements of this record? It was difficult to get it? Joyful? And experiment?
I’ve written the tracks in around 3 months, looking for something more sexy & indie. The “post-rock” was in our first albums. Now, we’re looking for something more punchy. I don’t like keeping the same sound all the time.

What’s you’re favorite song of the record? and why?
“Bird”. Because it’s a very personal song with some lyrics i wrote about my health last year, when I’ve seen death coming. An horrible nightmare but something real. And because of hope, things seem to be better today.

Where did you get inspired to get The Guillotine show, art and songs?
Alone in my apartment, looking at the clouds outside with some beers…Things are coming in my head.
Sometimes, when i’m sleeping, i wake up with some pretty sounds in my head, as my brain give me a gift. So i wake up and record a sample, then i don’t forget it.

When you’re not listening Kwoon, which others bands you prefer?
Actually, Blonde Redhead, Mogwaï, Patrick Watson, Arcade Fire, classical music.

What about The Guillotine show, what is around it?
A really hard action, decapitated a head, whit beautiful length songs. Today, on people are eating some disgusting things on TV, as TV reality show where they can see people having sex, drugs, cheating in live, hoping that never it would happen to them. The Guillotine Show is a TV reality show where you can see people being executed live. I think if stupid header from TV are going on that way, maybe this kind of show could happen one day…

If you have someone to decapitated, who it will be? a feeling? a person? an action?
Someone who fuck a child shouldn’t exist. But as i said before, “The Guillotine Show” is more than a virtual picture of human stupidity growing. I don’t want to kill anybody

On a live concert, how do you feel? how gets the crowd?
When we’re on stage, we’re in perfect trance. Music and crazy crowd give us energy until the end of the show.

Where is the best place to hear Kwoon?
It depends your feeling, but mostly with headphones, alone, in dramatic landscapes, in the darkness.

Con su anterior grupo, Dums Dums, Josh Doyle compartió escenario con bandas como Flaming Lips, Bon Jovi y Supergrass. Su primer EP The End of Fear -totalmente independiente-, escrito, producido y creado por Josh Doyle y Sam Shacklock, fue lanzado a través de su sitio web. Ahora, este artista folktrónico, como productor, compositor, músico y escritor, comparte las nuevas experiencias que hay alrededor de su nueva producción musical titulada Songs for the Nuclear War.

¿Cómo describirías este álbum? ¿Cómo te sentiste cuando estaban listas las canciones?
Con Songs from the Nuclear War decidí pasar el tiempo haciendo el disco afuera y grabar las canciones en casa, aquí en mi estudio. Yo describiría este disco como Bob Dylan conoce a Green Day que conoce a Cat Stevens que conoce a Radiohead. Soy muy apasionado cuando toco estas canciones. Fue un logro para mí, porque tuve que aprender a grabar y me tomó algo de tiempo, así que me sentí feliz de haber aprendido a utilizar el estudio por mi cuenta y también tener nuevas canciones.

¿En que lugar te imaginas cuando escuchas este álbum?
Me veo en un mundo postapocalíptico pensando sobre mi vida pasada y preguntándome cuál es el significado de la vida.

Escuchando algunas de tus canciones, no puedo dejar de sentirme nostálgico, un tanto deprimido. Siento este álbum arenoso, rocoso, muy intenso. Un verdadero mundo devastado por la energía nuclear. ¿En qué te inspiraste para encontrar estas tonalidades?
Son sensaciones muy vívidas. Mi objetivo, con mi música, es llevar a las personas a un lugar donde encuentren la verdad, que se vean a sí mismas, que vean sus vidas para saber a dónde van y con quién están.

Si fueras un fantasmas, ¿qué harías?, ¿intentarías cambiar algo?, ¿te gustaría cambiar algo en las personas que escuchen tu álbum?
Si fuera un fantasma, probablemente iría a los lugares que yo no iría. Me gustaría ver a los amigos y seres queridos, ver realmente la forma en la que viven cuando nadie está mirando y me encantaría ir a Hollywood y ver cómo es realmente la vida de los ricos y famosos. Me gustaría cambiar a la gente, lo que cargan en sus vidas para que miren el mundo y se miren a sí mismos, cambiar para bien, para alcanzar todo su potencial.

¿Cómo te sientes al tocar en vivo?
Disfruto mucho la reacción de la gente cuando me ven tocar mis canciones y se identifican con ellas. Me apasiono mucho interpretando mis temas.

En tu tiempo libre, ¿qué otros discos o bandas escuchas?
Últimamente he estado escuchando mucho a Bob Dylan, The Replacements, Keith Green, Soundgarden, Ryan Adams, Jimmy Eat World, Johnny Cash, John Prine, The Killers, Oasis…

Si una bomba nuclear estallara en este preciso momento, ¿cuáles serían las cinco cosas que llevarías contigo?
Yo tomaría a mi familia, también mi guitarra, mi laptop, mi libro de canciones, mi iPod, el celular, son cosas nada glamorosas, lo sé, pero podría llevar una vida normal con estas pocas cosas.

SONGS FOR THE NUCLEAR WAR . JOSH DOYLE

Josh Doyle, folktronic artist as producer, composer, musician and writer share the new experiences about his new album, Songs from the Nuclear War.

How would you describe this album? How do you feel when  Songs from the Nuclear War was ready?

With Songs from the Nuclear War I decided to spread out making the album over months and record the songs at home here in my studio. So every few months, new songs are ready and that week i will put them up for sale, its really cool to make something and have it available so soon! I would describe this album as Bob Dylan meets Green Day meets Cat Stevens meets Radiohead. I am very passionate when I play this music. It was an achievement for me when the first songs were ready because I had to learn how to record in my studio and that took some time, so I felt happy to have learned how to use the studio by myself and also to have new songs that were as good as any other songs I have written.

In witch place you imagine when you hear this record?

I see myself in a post apocalyptic world in this album, thinking over my past life and wondering what the meaning of life is.

Listening to some of your songs I feel some nostalgic and somewhat depressed. I feel the record sandy, rocky an intense. A really nuclear devastated world. Where do you get inspired to find this color?

Those are very vivid feelings. I aim to bring people to a place of truth with my music, that they will look at their lives and figure out where they are going and who they are. I get.

If you were a ghost, what would you do? Would you try to change something? You would like to change something in people when they hear your record?

If I were a ghost I would probably go to the places that I shouldn’t. I would see friends and loved ones and how they really live when no one is looking and I would love to go to holly wood and see what the rich and famous lives are really like. I would like to change people in that they would not just carry on with their lives but would look at the world and look at themselves and change for the better, to reach their potential.

 How do you feel when you play live you’re songs?

I enjoy the reaction people give me when I play my songs and they identify with them. I really get passionate playing the songs.

In you’re free time, witch records or bands you usually hear?

Lately I have been listening to a lot of Bob Dylan, The Replacements, Keith Green, Soundgarden, Ryan Adams, Jimmy Eat World, Johnny Cash, John Prine, The Killers, Oasis…

If a nuclear bomb exploded in this moment, and you have some few time, what five things would you will take with you?

I would take my family, also my guitar, laptop, my lyric books, my ipod, cellphone — not very glamourous I know… but i could live a normal life with just those things.

En entrevista, Pascual nos platica sobre la evolución del grupo y su presentación en tierras potosinas.

Luego de 3 LP y cambios en los integrantes, ¿cómo definen su sonido actualmente?
Es un sonido más sólido, robusto, sin duda es el disco más fuerte que hemos hecho y estamos muy satisfechos con ello.

¿Cómo evolucionar sin perder su esencia?
Creo que al final tiene que ver con que todos los arreglos giran alrededor de la canción y de su esencia. Es decir, la canción existe aún si se toca sólo con voz y una guitarra acústica y ahí puedes darte cuenta entonces que es un bolero o una canción ranchera o, tal vez, tan sólo una canción honesta.

SPR va por un Grammy, por el tema “Salgamos de aquí”. Platícame sobre esta nominación.
Fue algo sorpresivo saber que nos logramos colar a las nominaciones, de verdad no lo esperábamos. Sin embargo, el hecho que haya llegado a las manos de la academia es un trabajo de nuestra disquera, Terrícolas Imbéciles, y de la oficina de Management.

¿Qué esperan de su presentación en SLP?
Estamos muy emocionados de tocar por primera vez en SLP. Desde hace tiempo, por medio de las redes sociales o correos, sabemos que hay gente ahí que nos conoce y aprecia nuestro trabajo. Afortunadamente se dio la invitación a la gira que haremos con Pastilla y Boxer, “Promoviendo la paz a través de la música”. Estoy seguro será una noche mística y a la vez enérgica.

¿Lo más gratificante para SPR en todos estos años de carrera?
Pues el subirnos al escenario y escuchar a la gente corear y cantar con nosotros, cada vez ver más gente en más lugares, y en lugares donde nunca habíamos tocado, es una gran satisfacción y un estímulo para seguir trabajando y seguir siendo honestos.

Alex Otaola se presentó en la  Cineteca Alameda, en San Luis Potosí, con su proyecto El Hombre de la Cámara. Antes de su presentación nos otorgó unos minutos para platicar sobre su presentación  y los planes que se aproximan.

Como grupo, ¿qué esperan de la gente que escucha su música?

La gente encontrará en nuestra música lo que ella es en sí, por lo que sólo nos resta esperar apertura de quien nos escucha. Esperamos ser una manifestación artística digna y tener la suficiente fuerza para alcanzar los sentires de propios y extraños. De hecho, lo hemos visto ya, cuando nuestros fans expresan un gran gusto por nuestra música.

¿Cuál ha sido su mayor reto como parte del rock nacional?

Por ahora, el mayor reto que vemos dentro del rock nacional es mantenerse, pero en todos los sentidos: mantenerse unidos, perseverantes, comunicados, constantemente educados en la música, con algo de infraestructura y equipo humano dedicados a PARABÓLICA, en la búsqueda de foros y medios. Así, te das cuenta que el mayor reto son varios retos, pero que, al final, se resume en estar ahí.

¿Cómo se definen?

Somos multifacéticos, procedentes de distintas influencias. Nos gusta presentar varias caras, por lo que andamos en constante reinvención. Tal vez, por eso mismo, a nuestra música proponemos llamarle rock-fusión, si bien dejamos a elección de cada persona donde nos quiera clasificar. Nuestra base es rock, retomando los géneros que mejor le vayan a la canción que estemos creando. Si la letra, las imágenes que nos proyectamos en la mente para crear, los colores, las sensaciones, los sonidos nos llevan a la psicodelia, hacia allá vamos, si van hacia el funk, bienvenido. No nos restringimos.

Sus canciones, ¿de qué hablan? ¿Qué pretenden transmitir con sus letras?

PARABÓLICA transmite experiencias y sentimientos propios y ajenos. Las letras hablan de esas marcas que se quedan en las personas: el inolvidable deseo de una noche; un amor que ha partido, pero lo creemos presente y hasta hablamos con él; la transición a cierta madurez; cuando te das cuenta de que tienes todo para ser libre, pero tienes “líneas” a vencer en el camino; o, incluso, la experiencia de una mujer que combate en la guerra, aunque su nombre venía a ser una contradicción en su vida.

Las personas terminan por identificarse con lo que hacemos, pues transmitimos lo que ellas han vivido y viven. Nuestros mensajes pueden ser directos o metafóricos, o  mezclar un poco de ambas tendencias. A fin de cuentas, la propia pregunta nos da la clave: como PARABÓLICA, transmitimos.

Si pudieran cambiar algo en el ámbito musical mexicano, ¿qué sería?

A nivel de bandas, hemos visto que la mayoría no se esfuerza por ser atrevida. En lo musical, por ejemplo, es cierto que ya existen estructuras musicales establecidas, pero nos parece ver una toma de estructuras poco propositiva. Además, buena parte de la industria musical se vuelve cómplice del poco atrevimiento, al ver cómo funciona la música prefabricada, que garantiza las ventas. Otro aspecto es el de la difusión, que muchas agrupaciones no toman en cuenta; al final, todo depende del objetivo que se trace la banda: si quiere ser una banda para las fiestas de los cuates o tiene la necesidad de expresarse en todas partes. De esto también hay que decir que tu música puede ser muy buena, pero eso no te garantiza difusión. Si quieres trascender, hay que hacer esa labor.

Su material, ¿dónde puede conseguirse?

En Puebla puede conseguirse en el ya famoso Rockutla, en Musa Cultura Visual – Café y en el Museo José Luis Bello y Zetina. Los miembros de la banda también lo vendemos y lo podemos mandar a cualquier parte de la República. Quien guste nos puede buscar como parabolicamx en facebook y dejarnos un mensaje de que quiere su disco para ponernos de acuerdo. Se llama Señal: Día y Medio y es nuestro primer EP, que consta de cinco canciones y un videoclip dirigido por Carlo Corea.

Me llamó la atención que en su press kit manejan misión, visión, ¿ven a la banda como una empresa?

En parte, a esto nos referimos con difusión. Con el press kit nos presentamos como lo que somos: una agrupación seria y profesional. Así como vemos, en nuestros fans, que creen que nosotros somos una buena banda, queremos que medios y organizadores de eventos vean que eso somos desde donde ellos ven las cosas. De esta forma, hemos incorporado cierta visión empresarial, sólo con el ánimo de hacer notar que somos un proyecto formal.

Claro, no vamos a desconocer otra cuestión: cada uno de los miembros se sostiene de diferente forma, pero le estamos apostando a que este proyecto sea el proyecto de nuestras vidas. PARABÓLICA no nació con la idea inmediata de ganar dinero, pues en ese caso hubiéramos hecho una banda de covers para bares y antros, y no nos importaría proponer. Nosotros queremos hacer la diferencia, proponiendo.

¿Cómo se dio la oportunidad de traer este evento a SLP?
Cuando se presentó el CD El Hombre de la Cámara en la Cineteca Nacional (diciembre 2010) había entre el público personas de la Cineteca Alameda, a quienes les gustó muchísimo el espectáculo e inmediatamente surgió la idea de llevarlo a SLP.

¿A qué se enfrentará el público que asista a la Cineteca Alameda?
A un clásico del cine mudo, el primer documental experimental de la historia, musicalizado en vivo por un ensamble de 11 músicos que emplean 20 diferentes instrumentos musicales. El público en algún momento se vuelve también un miembro del “Ensamble de Cámara/Acción”, por lo que el evento es más que una proyección de cine o un simple toquín de rock.

¿Cuál fue el mayor reto al que te enfrentaste al musicalizar El hombre de la cámara?
Organizar la película en capítulos y luego definir musicalmente lo que pasaría en estos capítulos fue relativamente fácil; el CD que se grabó en vivo en la Cineteca es un “objeto de colección” (de distribución gratuita que NO se consigue en tiendas comerciales) y resolver el financiamiento de un proyecto así requirió de mucha más chamba… obviamente, todas las personas que asistan a la función del 29 en la Cineteca Alameda obtendrán una copia del disco.

Como músico y creador, ¿qué representó para ti esta experiencia?
La parte que más disfruto es compartir esto con 10 de los músicos que más quiero y admiro; pensando en ellos es que hay secciones en el score donde el Ensamble es dirigido con señales. El público entiende que en estas secciones lo que tocan las músicos no está en una partitura, sino es una “interpretación lúdica” de alguna indicación mía, por lo que cuando el público tiene que intervenir y volverse parte del Ensamble el chiste es que se diviertan y echen desmadre como nosotros. Por lo tanto, en esas secciones del show suceden cosas que no se podrían repetir de la misma manera en otra función. Digamos que para mí representa un balance ideal entre las partes escritas, las partes que se improvisan y la manera de involucrar al público en el proceso.

Si pudieras definirte, actualmente, en una palabra, ¿cuál sería?
Huatabampo.

El próximo 25 de junio Ágora participará en “Sinfonía Metallica”, en San Luis Potosí, al lado de la Orquesta Sinfónica. El evento se llevará a cabo en el Teatro de la Ciudad, en el Parque Tangamanga a las 19:00 hrs. El costo del boleto es de $150 y $250.

¿Cómo definen a Ágora?

E. Carrillo: Es un grupo que tiene la meta de mandar un mensaje diferente. Es una banda que trae muchos sueños, que está concretando algunos, poquito a poquito, y que tiene su propuesta. Ágora cree en el Heavy Metal.

E. Contreras: Somos una banda de metal 100% mexicana y traemos esa bandera.

¿En qué se inspiran para componer?

E. Contreras: Cualquier situación es buena, por lo regular el metal está asociado a cosas fantasiosas, a veces, si recurrimos a la fantasía para escribir, pero es un rollo más de alguna situación que te haya causado un sentimiento negativo y hacerlo positivo, para desahogarte.

¿Es difícil ser una banda de metal en México?

Manuel: Evidentemente en México en metal no es el mainstream, pero siento que es como en cualquier lugar, hay que estar trabajando constantemente y buscar puertas, sí las hay.

¿Cómo ven la escena musical actual?

Daniel: Estamos en un tiempo de cambio, la gente se está haciendo un poquito más crítica, ya no es nada más lo que les venden la radio y la tele. Nosotros venimos de una generación en la que no había conciertos, ahorita un chavito ya puede ver a grandes leyendas.

Manuel: Eso tiene mucho que ver con Internet, la gente escucha lo que quiera. En YouTube puedes buscar lo que quieres, antes quería ver el concierto de una banda y tenía que meterme en el chopo y buscar el VHS pirata. Ahora si tienes el chance de ver una cosa de calidad, buscas calidad, escuchas mejor el mercado.

¿Cuál es su mayor satisfacción?

Sergio: La más importante es saber que la banda sigue junta, que sigue trabajando, con una agenda bastante apretada, con planes a futuro. Y de eventos especiales, pues cuando tocamos con Deep Purple, Iron Maiden… nuestros discos que están rolando bastante bien.

Manuel: Para nosotros es bien padre que llegue un chavo y te diga que eres un modelo a seguir para la música, para lo que quieren hacer, es algo que no tiene precio.

E. Contreras: Los cóvers, que nos hagan cóvers está increíble. Y nos ponemos en contacto con ellos y se prenden mucho porque ven que la banda está pendiente de todo ese tipo de cosas. Nos encanta, lo tomamos con toda la humildad y lo agradecemos muchísimo.

¿Cómo nace este proyecto?
Nace entre quimioterapias y tratamientos médicos. De pronto me encontré con mucho tiempo para crear. Sin embargo, contra lo que se pueda pensar, mi estado de salud no fue la inspiración para las canciones, aunque si permeó de una nueva visión las diferentes temáticas que  suelo tocar en mis discos. La ilusión es la esencia de Un Mundo Frágil. Ahora el disco es una realidad y yo vencí al cáncer.

¿A qué se enfrentará el escucha con esta nueva producción?
Toco temas que van de la reflexión a la fantasía. Hablo del amor y el desamor, del árbol que está frente a mi ventana, de la forma tangencial en la que vemos la vida los mexicanos, de la felicidad y la fiesta, de nostalgias y deseos. Todo esto enmarcado en un mundo cambiante y por ende, frágil. Entendido esto como un proceso natural de continuo cambio más que destructivo.
En cuanto a la producción, suena muy bien. Quedé orgulloso del resultado sonoro.

¿Quiénes participan en Un Mundo Frágil?
Los Cuates de la Chamba, que en esta ocasión son Santiago Ortiz, Fratta, Alex Otaola, Eduardo Dyer, María Urtusuástegui, Adrián López, Leonel Pérez, Karina Cortés, Laura Vázquez, Armando Vega-Gil, Juan Cristobal Pérez Grobet, Francisco Barrios, Moisés Palacios, Robert Santamaría, María Emilia, Alejandro Tello, Chatrán, Enrique Castro, Fernando Rivera Calderón, Víctor González, Natalia González Colmenares, Margarita Díaz del Castillo, Ulises Hadjis, Malena Durán y Mike Nieto.

¿Cómo defines tu mundo, hoy en día?
Es un renacer en muchos sentidos. Una experiencia como la que me tocó vivir te marca y pone muchas cosas en su lugar. Vivo agradecido por cada minuto. Trato de hacerlo sin rencores e intento la difícil labor de ser justo. Soy un afortunado y vivo agradecido con tanta gente que estuvo cerca en los peores momentos.

Además de músico, estás explorando una etapa como escritor, platícame de tu libro.
Pues como te comentaba, me encontré con mucho tiempo libre. Y, además de crear un disco, me puse a escribir un libro. Todo comenzó como un simple deseo de contarle a mis hijas algunas anécdotas personales y motivado por Elena Santibañez, editora de Rhythm & Books, me metí en escribir crónicas autobiográficas aderezadas por los sucesos de la cultura pop que paralelamente sucedían en México y el mundo. El libro se llamará Mi Vida Pop y estamos promoviendo su preventa para ayudar a financiar su edición. Si les interesa apoyar este proyecto, pueden obtener información en rhythm.books@yahoo.com.

Como productor, ¿qué le recomendarías a todos los jóvenes que quieren ser músicos?
Que sólo se pueden dedicar a esto si hay pasión. Que definan bien sus prioridades porque no es una carrera sencilla y, por lo demás, que la disfruten porque da muchas satisfacciones.

¿Cómo nace esta idea de musicalizar películas en la Cineteca?
El ciclo de ‘Bandas Sonoras’ consistió en la musicalización en vivo de clásicos del cine mudo; para la primera función de El Hombre de la Cámara (julio 2009) se agotaron los boletos tan temprano que se abrió una segunda función que también se agotó. La Cineteca me habló para repetir el espectáculo en octubre, de ahí mi intención de registrarlo en un CD. A la Cineteca Nacional le encantó la idea ya que nunca antes una de sus salas se había transformado en un estudio de grabación.

¿Por qué elegiste El Hombre de la Cámara?
Debido a que es el primer ‘documental experimental’ que se hizo, aunque para la época no existía ese término. En realidad la intención de Vertov era generar una película donde el cine se divorciara del teatro y la fotografía para crear un lenguaje expresamente cinemático. Por eso no es una película con el arco dramático tradicional (con protagonistas, antagonistas y final feliz) y la transforma en una serie de imágenes que pueden relacionarse de muchas maneras con el acompañamiento musical. En 1929 las tomas de una película duraban en promedio 11 segundos y las tomas de El Hombre de la Cámara duran menos de 3, lo cual quiere decir que cuando se hizo nadie había hecho ni visto nada remotamente similar. De ahí que me prendiera más emplear la peli como acompañamiento de un nuevo discurso musical.

¿Cómo seleccionaste a los músicos que participarían contigo?
La película comienza en una sala de cine en la cual se va a proyectar El Hombre de la Cámara y se muestra el foso de la orquesta donde están los músicos que acompañaran la proyección, me prendía más la idea de emplear los instrumentos de la época (alientos, contrabajo, batería, piano) que la misma peli te muestra. Por lo que la onda fue seleccionar amigos que tocaran esos instrumentos: Chema Arreola que toca batería en la versión en vivo de ‘Fractales’, mi primer disco solista; Carlos Maldonado y Daniel Zlotnik de ‘Los Dorados’, en el contrabajo y saxofones; Adrián Terrazas de Mars Volta, en el clarinete bajo; María Emilia Martínez de Monocordio, Klezmerson, Natalia LaFourcade, en la flauta & Luca Ortega de San Pascualito Rey, quien además de tocar flauta se volvió co-productor del CD e hicimos la mezcla y postproducción juntos.

¿Qué fue lo más complicado de realizar, en este proyecto?
Escribir el score, ensayar, grabar/mezclar y todo lo relacionado con la parte musical fluyó sin ningún problema. Debido a que fue un disco que no tenía proyectado hacer y que la grabación se realizó mediante patrocinios (Shure, Nexo, Pro-Tools), después se extendió esto a buscar benefactores para maquilar 10 mil copias del disco pero para ser distribuidas de manera gratuita. De esta manera el CD se vuelve un ‘objeto de colección’ en lugar de ‘uno más en el mercado’, buscando generar una manera alternativa de promover y distribuir la música para hacerla llegar al público en lugar de estar batallando contra la piratería y todos los obstáculos que la industria musical antepone entre el músico y el escucha. Resolver la parte financiera del proyecto fue otro tipo de trabajo, pero que finalmente logró llevarse a cabo.

¿Cómo fue tu proceso creativo?
Las primeras tomas de la película son una serie de objetos (que veremos cargados de movimiento y energía a lo largo de la película) completamente inmóviles… donde lo único que circula a través de las imágenes es el aire, de ahí surgió la idea de emplear a un cuarteto de alientos para ‘colorear’ esta sección de la película y esto definió la instrumentación que se emplearía. Luego, la música fue recortada y colocada en otro orden; además de que se le agregaron tornamesas (DJ Rayo de Troker), theremin (DraMolina de Los Esquizitos), bandoneón (Raúl Vizzi de la Orquesta Mexicana de Tango), marimba y vibráfono (Gustavo Nandayapa). El resultado le gustó tanto a la Cineteca que ya anunciaron que comprarán al British Film Institute los derechos del film para hacer una edición en DVD para Latinoamérica de la película con este nuevo score.

Platícame sobre esta experiencia, musicalizar en vivo, dirigir a otros músicos…
Es sumamente emocionante poder tener una pantalla de cine y a tus amigos músicos sonando a todo volumen; para llegar a eso hay que empezar con un piano & una laptop para organizar las secciones de la película y definir la música que las acompañaría. Algunas de las secciones más caóticas visualmente se prestaban para que la música que sucediera sobre ellas fuera creada a partir de señales, de manera que hay diferentes indicaciones para los músicos del ensamble, que pueden ser interpretadas como el músico desee mientras sienta que lo que hace tiene alguna conexión con lo que sucede en la pantalla. Esto hace que el público se dé cuenta de que en cada función suceden cosas irrepetibles o accidentes afortunados; además de que en una parte estratégica de la película el público también se transforma en un músico más del ensamble y esto le inyecta vida a la visión cinematográfica que tuvo alguien hace más de 80 años.

¿Qué le hace falta a Alex Otaola, como músico y creador, para sentirse pleno?
Pos en realidad ése es un estado de la materia muy volátil y que sólo sucede por breves espacios de tiempo, por lo que en realidad el trabajo musical y personal busca siempre llevar las cosas a contextos en los que vuelva a aparecer, de manera fugaz, ese sentimiento… tssss… hasta se me salió la laglimita…

Eres un hombre multifacético, ¿cuál de todas tus facetas es la que más disfrutas?
En realidad, cualquier cosa que haga intento situarla en un contexto que presente nuevas incógnitas y por lo mismo genere resultados que vayan en diferentes direcciones, esto se aplica a procesar con efectos la guitarra eléctrica, componer con el piano, hacer secuencias electrónicas o videoarte, escribir arreglos para un cuarteto de alientos, acompañar a Iraida Noriega… cualquier situación contiene las semillas de la siguiente y la vez contiene los resultados de lo que se hizo previamente.

Foto: Rebeca Martell.

El grupo, integrado por Konrad Blendl (guitarra), Octavio Franco (bajo), Raúl González (voz) y Ramón Guinovart (batería), ya cuenta con un primer disco, totalmente independiente. Al final de este post podrás escuchar su primer sencillo titulado “Ven”.

¿Qué los motivó a crear esta banda?

Nuestra principal motivacion siempre ha sido la musica, creemos en lo que hacemos y sabemos que es bueno y puede funcionar.

¿En qué sentido se consideran anormales, raros?

En el sentido en el que nos consideramos anormales es como individuos, cada uno de nosotros tiene un rasgo muy definido en cuanto a la personalidad que nos hace un poco raros.

¿Cómo se hace una letra sencilla, pero no simple?

Nos gusta que las letras sean concretas, sin muchas metaforas ni demasiadas palabras, pero sin embargo, que puedan decir lo que queremos de una manera directa y a la vez sencilla y honesta, que no caigan en lo simple en cuanto al contenido.

¿Qué creen que le haga falta a la escena de rock nacional?

A la escena del rock nacional le hace falta disciplina y organizacion, tambien mas entrega por parte de los musicos, creo que hasta que la gente no se de cuenta de que deben de entregarse por completo a la musica, es muy dificil lograr algo interesante.

¿Qué esperan como banda? ¿Cuál es su sueño?

Como banda siempre hemos querido vivir completamente de lo que hacemos.

¿Se puede vivir de la música, como integrante de una banda?

Vivir de la musica, requiere mucho trabajo y paciencia, al principio se tiene que invertir mucho dinero y tiempo, pero si se logra el objetivo de sonar en radio, tener la suficiente prescencia en medios y buenos eventos es posible lograrlo.

Sobre su disco, ¿qué encontrará en él quien lo escuche?

En este disco se puede encontrar una fusion de estilos como pop, surf y stone rock, todo combinado con la escencia de la banda, la gente que lo escuche podra disfrutar de esta mezcla de estilos sin aburrirse ni un segundo.

Más info en www.myspace.com/losdeviant

Actualmente es Secretario Académico de la Preparatoria Emiliano Zapata. Produce y conduce el programa de radio por internet “Las Cartas de Ricardo Cartas” en www.radiofunk.co.mx, así como su columna semanal en Radio BUAP que lleva el mismo nombre.

¿Por qué ser escritor?
Podría decir que soy escritor porque es una actividad que me hace sentir bien. Bueno, debo de aclarar que es de las pocas actividades en donde puedo experimentar un mundo en donde puedo hacer todo lo que se venga en gana.

¿Cómo nace este movimiento denominado Ultracostumbrismo?
Realmente no sé muy bien cómo nace, pero todos los que conformamos el grupos (muyyyy extenso: Rodrigo Durana, Óscar Alarcón, Othon Barberena) compartimos muchos puntos de vista acerca de la literatura y la vida. En pocas palabras nos gusta cruzar las fronteras de los géneros y los estereotipos que se imponen en la atmósfera de la cultura en México.

¿Qué características posee tu narrativa, como para considerarla ultracostumbrista?
Creo que es una narrativa con mucho ritmo, es como si estuvieras escuchando a Daft Punk con Rayito Colombiano. Creo que si pudiera hacer un paralelisto entre literatura y música los ejemplos perfectos serían Nortec y el IMS.

En México, ¿se puede vivir de escribir?
Al contrario de toda la banda pesimista, yo creo que sí se puede vivir de la literatura. Sólo debes de tener muy afinado tu instinto literario y comercial; y desde luego ser altamente creativo. Pero quiero dejar en claro que no es nada fácil. No cualquiera lo logra, pero no es nada imposible. Si te bajas del banquito de “señor escritor” puedes ver un mundo divertidísimo y que además te da para vivir bien.

¿De qué trata Wherewer?
Es una novela que tiene como centro la paternidad vista por un hombre. No quisiera platicarte mucho de esa historia porque quisiera dejarlo para cuando salga el libro. Pero lo que sí te puedo decir es que es la novela más triste que he escrito, fue una especie de fantasma al que quise matar, re matar, descuartizar y hacerlo polvo para siempre.

¿Cuento o novela?
Voy empatado. Aunque he escrito más novela, no me olvido del cuento, ando publicando muy seguido en revistas y diarios, los releo, corrijo y ya de ahí veo qué hago con ellos. De hecho estoy a punto de terminar un libro de cuentos que llevará por nombre Héroes.

¿Cuál es tu perspectiva del panorama literario en México?
Pues hay mucho. La verdad me da una hueva terrible pasar lista por todos los grupos. Hay tanta producción literaria que es imposible ver ese panorama.

Háblanos de tu taller La improvisación como composición. ¿A qué se refieren los términos improvisación y composición?
La improvisación y la composición son la misma cosa. Si se hablan de cursos de talleres o cursos de composición y otros de improvisación como si fueran cosas separadas, es como si los compositores fueran una cosa y los improvisadores fueran otra. La improvisación es composición en tiempo real y la composición es improvisación selectiva como dijo Stravinsky (Ígor Fiódorovich Stravinski compositor y director de orquesta ruso) el que está componiendo está tarareando hasta que encuentra algo que le gusta y entonces lo va desarrollando con su técnica, pero es una improvisación, lo que pasa el que improvisa en escenario no puede parar, no puede retractarse de nada, y si la regó, la regó, y si fue brillante la idea todo está pasando el momento, entonces no tiene tiempo para considerar nada, pero en realidad son la misma cosa, ¿por qué? porque es un producto del mismo proceso intelectual, obviamente que la selección que se hace en la composición es racional, es a posteriori, entonces le va dando forma artística a algo, la improvisación es un poco más efímera, no se pretenda que tenga las cualidades de un producto terminado que tiene la composición.

¿Es una ilusión el separar la improvisación y la composición? Mucha gente dice que componer es una cosa y palomear es otra.
Estar palomeando quizá no sea componer, en tiempo real ni en tiempo de nada, una especie de masturbación exhibicionista con público, medio perversa, hay formas de improvisación que no apuntan a un fenómeno de improvisación. Pero el asunto es que lo trascendente de esto, no es ni el producto final ni la motivación, sino el mostrar que los mecanismos, como dice el título del taller, que son armónicos y melódicos, lo que tienes que hacer tú para componer o para improvisar, es estudiar esos mecanismos, y los aplicas para componer delante de la gente, improvisando, tratando que tu improvisación tenga forma, tenga temática, un discurso. Mi aspiración con el curso es mostrar esos mecanismos e inspirar a los que toman ese taller, a modificar su óptica y enriquecer su improvisación con más sentido, como dices, los palomazos es un término degradado de lo que puede ser la improvisación, es hacerse tonto a veces.

Cuando termine el taller, quienes lo tomen ¿qué van a prender?
Se van hacer de herramientas conceptuales y claridades acerca de armonía y la melodía, sobre todo impulsarlos a que investiguen, que busquen muchas más cosas que han encontrado, abrirles el panorama.

De todos los talleres que has realizado, ¿has encontrado alguien muy talentoso?
Pues no, porque no lo he buscado, no ha habido la oportunidad de darles chance de estar tocando y demostrar sus habilidades. Mucho de lo que estamos viendo se aplica a cosas muy simples que no llaman al exhibicionismo de nadie y entonces no me doy cuenta de quienes son en cuanto a su talento, su arte, cuando doy la clase no estoy buscando talento, busco que se entienda.

Entonces lo principal del taller se refiere a la teoría de ¿cómo mezclar la armonía, el cómo entender y crear la música?
Sí, también analizar, porque muchas veces los músicos se avientan a improvisar y a palomear y eso, pero no hacen suficiente análisis y usan las cosas de una manera a la ligera, sin reflexionar, que es a lo que yo invito.

Es la reflexión de ¿por qué debería de ir aquí cierta nota?
No, yo no hago eso, eso es arte. Eso no lo puedes enseñar, ni quisieras enseñarlo. El motivo para mí de poner un Do, pude ser totalmente irrelevante para ti, el problema es aprender que Do es Do y si lo usas tú o lo use yo, va a sonar a lo mismo, entonces hay que canalizar el uso de las cosas y la comprensión de los contextos. Es imposible y poco deseable decir qué hacer, lo que le debes de decir es que ésas son las herramientas, se usan así, se comprenden así, el decir o callar es problema de cada quien.

Hablando de tu carrera, de todos los discos que has producido, ¿cuál ha sido el más rico?, ¿la experiencia más interesante?
La verdad que todos, porque todos son retos diferentes, en lo musical, en lo humano y en todos aporte mucho, aprendí mucho. ¿No hay un favorito? No, no lo hay, porque para mi la vida es así, todos los momentos son favoritos, y todos los artistas son chingones y no me gusta estar favoriteando nada.

Al estar componiendo para películas, ¿cómo fue adentrarte a esos proyectos?
Pues nada, es dependiendo del director, hay directores que son muy castrantes y que quieren exactamente una cosa como la habían escuchado y a veces quieren que les copies una música que ya les había funcionado. Y hay otros que son mucho más flexibles, “haz lo que quieras, dicen”, la última película que hice, el director casi no se metió y yo hice lo que quise, y le gustó.

¿Cómo te ves cómo artista?, ¿qué has aprendido?, ¿qué no te gusta de lo que haces?
Todo me gusta. Siempre me pongo en situaciones de aprender. Y a veces aprender de golpe y a la fuerza. La primera vez que me propuse a dar un taller, nunca lo había hecho y entonces aprendí y sigo aprendiendo, cada clase que doy es única, irrepetible, porque no doy con forme a un temario preciso, y no hablo de memoria, hablo de experiencia, treinta años de carrera, de estudios, entonces voy sacando cosas de mi memoria, y en todas las clases aprendo, y así me gusta estar así, siempre improvisando.

Dentro de tus próximos proyectos, ¿qué tienes ganas de hacer?
Pues sigo explorando en cuestiones educativas, he estado componiendo canciones, comienzo a grabarlas, he estado haciendo conciertos donde improviso, así solito, me subo y a darle, a lo que salga.

Los seguidores se preguntan ¿vas a regresar con Caifanes?
No tengo ni idea si se vaya a dar, o cuando, no hay nada sobre la mesa, ni depende de mí, ni lo ando buscando. No puedo estar pendiente de eso porqué empezaría con pesadillas toda la noche. Es mucho más activa la imaginación del público que la de uno, ¿no? Y si se da, pues espero estar ahí.

Foto: Óscar Ramírez

Luego de una carrera punk/pop llena de experiencias alrededor de la producción de cuatro discos con los Dum Dums, compartiendo escenario con bandas como Flaming Lips, Bon Jovi y Supergrass, el ex vocalista de la banda británica, comparte con Rockat Radio su travesía como músico solista y sus nuevas expectativas como persona.

¿Quién es Josh Doyle?, ¿cómo te ves a ti mismo?
Me veo como un hombre que trata de hacerla en el mundo, poder pagar mis cuentas y hacer alguna clase de declaración sobre qué soy y lo que es mi música.

¿Cuándo decidiste ser solista?, ¿cómo fue el proceso?
Estuve en una banda en Inglaterra llamada Dum Dums y tuvimos mucho éxito, sin embargo, parecía no haber oportunidad de llevar lejos nuestro estilo sin perder a nuestra audiencia. Muchos de ellos nos siguieron como si fuera una moda. Entonces decidí ir solo, así podría tocar rock, ponerme pesado, punk, podría escribir baladas, acústico, electrónico, y a las personas que les gustara mi estilo y mi música seguirían conmigo.

¿Qué es la música para ti?
La música viene a mí más naturalmente que otra cosa, pienso en ella inmediatamente. ¿Por qué la música y no otra forma de expresión? En las películas te tienes que concentrar, pero en la música es sólo un conjunto de sentidos donde puedes hacer otras cosas y todavía ser afectado por ella. Me gusta el medio de la música y escribir canciones porque lo siento natural, por desgracia, perfeccionar las canciones es más difícil.

De tus influencias musicales, ¿qué te marcó más? ¿Cuál es tu camino como músico?
Me gusta Pearl Jam y como ellos rechazaron la distribución de sus videos, rechazaron tocar para compañías de juegos aun cuando perderían una gran cantidad de dinero. Ellos también me influenciaron con su música porque se vuelven tan personales con una canción rock como una balada muy íntima, y las dos suenan realmente poderosas.

¿Cómo es que desarrollaste el tu primer EP, The End of Fear?, ¿cuál fue la sensación al terminarlo?
El primer EP, The End of Fear, surgió de la frustración de trabajar con un exitoso productor ganador del grammy, y él no me facilitaba las cosas, entonces me decidí porque no podía esperar a la lenta máquina de la industria musical para lánzalo como producto, necesitaba sacarlo y lanzar las canciones fuera de mi mente hacia el mundo y ver qué efecto tenía en la gente. Mientras trabajaba en el EP, con un joven estudiante en su estudio casero, surgieron más oportunidades de grabarlo con él en el estudio de su padre (quien es un reconocido productor de los 80 y 90), lo cual le dio acceso ser galardonado con el grammy en la categoría de mastering engineer, entonces al final lo hice en “pequeño”, pero tuve acceso a “grandes” personas con las que logré tener un gran sonido.

Hablando de tu crecimiento como artista, ¿qué cambios notables sientes desde tu primer EP al Values and Virtues?
The End of Fear is un EP totalmente positivo, se trata de aquel tiempo en tu vida cuando te acercas a tu propio mundo, libre de la escuela, de tu casa y de toda su seguridad. El EP dice “haz tu mejor esfuerzo y no tengas miedo”. Values and Virtues es una grabación oscura, se trata de empezar en el mundo y preguntarte a ti mismo “¿para qué hacer todo esto? ¿Qué quiero hacer con mi vida?”

¿Qué tan complejo es enfrentarse a otros músicos en cuanto a competencia?, ¿cómo confrontar la cultura de los mass media?
Muchos de los músicos en Nashville son mercenarios. Yo prefiero tocar con gente que está interesada en la música y no en la recompensa monetaria que se puede lograr. Es difícil ser independiente mientras te expones a los medios masivos, sin embargo, recientemente programas de TV como “Criminal Minds” y “Ghost Whisperer” tocan mis canciones.

¿Crees en la libre distribución de la cultura, como lo sería regalar música a través de Internet?
Claro que sí, es una gran forma de hacer que la gente se interese en tu música, de hecho, si visitas http://www.joshdoyle.com/fans encontrarás mucha música gratis, cuarenta canciones, incluyendo cosas de mi antigua banda y conciertos en vivo, acústicos y demás, todo gratis cuando te conviertes en mi fan.

¿Cuál ha sido tu mejor experiencia como solista?
Me gusta colaborar con Imogen Heap, en Knoxville. Ella me habla y yo meto a mis hijos y a mi esposa en el carro y manejo dos horas para tocar y ¡hacer muchos nuevos fans!

¿Que sorpresas habrá en el futuro?
La próxima cosa que haré es un doble EP, un lado con una temática de ciencia ficción y del otro una forma de vida real; un lado con una base acústica, y del otro una base punk. Lo estoy escribiendo ahora mismo y las preguntas son: “¿qué es importante en la vida? y ¿qué ocurre en el mundo detrás del bastidores?”

¿Qué pasó con los miembros de Radio Kaos luego de la separación de la banda?
Claudio: Desde la separación de la banda hemos estado en diferentes proyectos de vida. Nos casamos, unos han tenido hijos, otros hemos seguido trabajando en el rock and roll. Tito está trabajando en el arte y en la música en San Luis Potosí. Tu servidor, roqueando en el DF.

Tito: Claudio tiene su banda, un nuevo disco con su proyecto Botas Negras. Después de un buen rato, volvimos a tener contacto, debido a los medios electrónicos, y se da el proyecto de empezar a juntarnos.

¿Cómo lidian con la nostalgia de un proyecto que sigue presente, aunque ya no tocan, y sus nuevos proyectos?
Claudio: Nostalgia yo no siento, porque vivo siempre el momento, para mí la música de Radio Kaos sigue estando presente en mi vida, obviamente nos marcó este proyecto. No siento nostalgia porque aquí estoy con él [Tito] tocando, si no están los demás, es por razones de fuerza mayor, pero si pudieran estarían aquí con nosotros.

Tito: Sí hemos tenido chance de tocar con otros elementos del grupo, pero ya es difícil porque cada uno tiene su rollo. Pero la idea es juntarse y es lo que hacemos normalmente, juntarnos con los músicos que conocemos y pasar un buen rato tocando.

En San Luis Potosí se juntaron para tocar un tributo a Radio Kaos, ¿es posible que esto se repita en otras ciudades?
Claudio: No podemos hablar por los demás, porque todos tienen sus proyectos y es un poco difícil juntarlos a todos, pero al menos, como yo estoy con mi banda Botas Negras y saco disco, voy a empezar a hacer gira y le comentaba a Tito que si hay oportunidad se suba al barco y que toque conmigo todas las veces que se pueda. El rollo que trae la banda ahorita es, cosa que le pasó a Caifanes, un conflicto de nombre, de autoría, no es tan fácil usar el nombre de “Radio Kaos” por un conflicto legal. Lo que vamos a hacer es adoptar el nombre de Botas Negras para poder llevar la música de Radio Kaos y con los elementos que estén disponibles.

Como veteranos de la escena musical, ¿cómo ven a las bandas nuevas, a los jóvenes músicos?
Tito: Hay muchísimos músicos, muchas bandas, hay mucha comunicación que años atrás no había, el poder tener la página de tu banda de forma gratuita y conectarte todo un círculo de gente que se puede ir extendiendo, pues está bien chido. Lo que queda es ser crítico con lo que estás haciendo, tener buena calidad.

¿Qué falta al rock nacional?
Claudio: Apoyo. La crisis de las discográficas y la piratería quebró el negocio definitivamente, pero lo que hace falta es apoyo, más lugares para tocar. Los empresarios deberían apoyar un poquito más, porque talento hay. Hay millones de bandas ahorita en México, por desgracia todas se parecen a todas, porque salió Strokes y todos les quisieron copiar, a mí me ha tocado, en mi opinión crítica que muchas se parecen… que le trabajen un poquito la originalidad.

Claudio, platícame, ¿cómo va Botas Negras?
Claudio: Botas Negras no es un banda, es tu servidor, va a haber siempre una rotación de músicos. Eso es lo bueno de Botas Negras, tiene las puertas abiertas para la gente que se quiera ir sumando en el camino. El disco ya está en Mixup a nivel nacional. Si buscas Botas Negras en YouTube vas a tener la oportunidad de ver un corto que se hizo con la historia de la grabación, con los productores, estuvo Paco y Tito de Molotov, Leonel de Sin Bandera, que también produjo unas canciones; el baterista de La Ley tocó un par de canciones, Leonardo de Lozanne, de Fobia… Fue un apoyo muy chido por parte de ellos, todos se pusieron la camiseta. También tengo que agradecer al Celtics, el bar donde yo toco en el DF y ellos se mocharon con la producción del disco, me dieron el presupuesto, le entraron de corazón.

Más información en el sitio oficial de Botas Negras.

Carmen Costa

Gracias a la magia de Internet, que rompe las barreras de la distancia, Rockat entrevistó a Manú Charritton, quien nos platicó un poco sobre este proyecto musical.

¿Cuál fue el elemento que los conquistó de ese emblemático personaje llamado Carmen Costa, como para basar en él su concepto como agrupación?
El nombre de la banda combina lugares y personas: una mujer, una costa y varios países. Carmen Costa es nuestro álter ego. Hubo dos datos curiosos a la hora de elegir el nombre. El primero, ella falleció justo cuando pusimos el nombre a la banda y, el segundo, la primera canción que cantó Carmen fue una versión de “Cielito Lindo” adaptada al portugués. Yo viajé muchísimo a Brasil antes de venir aquí, y estuve a muy poco de vivir allá. Nuestro bajista si vivió en Brasil.

Carmen Costa es su álter ego como banda, ¿cómo se expresa ese álter ego?
Carmen Costa nos representa como grupo. Es el término en el cual confluyen las canciones.

Al combinar nacionalidades crean un sello distinto, musicalmente hablando ¿cómo definen dicho sello?
Rock en español, con tintes de rock inglés, algunas influencias argentinas y un sonido entre los años noventas y setentas. Quien dice que hasta destellos de música italiana, ya que nuestro guitarrista tiene descendencia napolitana.

¿De qué hablan sus canciones?
De experiencias extremas, buenas y malas. Todos estamos frente a esas situaciones a diario y hay quienes eligen evitarlas y otros vivirlas. Carmen Costa vive las experiencias extremas, para luego transformarlas en sonido.

Desde su perspectiva, ¿qué es lo mejor y lo peor del rock nacional?
Lo mejor es que está en crecimiento. Han nacido muchas bandas en los últimos años con tendencias bien diferentes. Eso empieza a dar opciones al público, que cada día es más exigente. Lo peor, que las tendencias de afuera afectan demasiado a los grupos y se pierde un poco la identidad y originalidad, aunque creo que con los años eso podría mejorar.

Al escuchar su primer sencillo “Fuera de Estación” pensé, irremediablemente, en Cerati, ¿esta similitud es incidental o planeada?
Esa canción a mí me remite más a grupos ingleses que a él, pero tanto Cerati, Charly García y los Babasónicos son referentes musicales argentinos de la banda, por lo que es normal escuchar cercanías musicales con ellos.

Su sangre nueva, como banda, ¿de qué manera nutre al rock ya existente?
Tenemos una forma única de ver las cosas, letras y metáforas con un buen contenido y profundidad, y hay un interés artístico en la música. Carmen Costa tiene algo que decir, y eso siempre es un aporte que tarde o temprano es apreciado.

Si el surgimiento de Carmen Costa fuera un cuento, ¿de qué género sería? ¿Horror? ¿Fantástico? ¿Drama?
Sería algo así como la Historia sin fin, menos naïve y un poco más violento.

A futuro, dentro de la historia del rock, ¿cómo les gustaría que la banda fuera recordada?
Como una banda que dio representación a una generación joven que no se conforma, ni siente que no todo da igual.

Finalmente, ¿qué podemos encontrar en Carmen Costa que no encontraríamos en ningún otro grupo?
El disco te puede atrapar y llevarte a un estado alterado fuera del aquí y ahora. En vivo, una experiencia de trance adrenalínico.

Más información sobre este grupo en www.carmencosta.net y myspace.com/carmencostaband.

Escucha su primer sencillo “Fuera de Estación”:

Fotos: Guille Prat.