Dos horas después, ahí mismo en la capilla y como un estreno nacional, se proyectará su más reciente película, La chispa de la vida, estelarizada por el actor español José Mota y la mexicana Salma Hayek.

De la Iglesia es uno de los directores más interesantes del mundo. Su trabajo ha trascendido las fronteras ibéricas. Entre su filmografía destacan Acción Mutante (1991), El día de la bestia (1995), Perdita Durango (1997), Muertos de Risa (1999), La comunidad (2000), 800 Balas (2002), Crimen ferpecto (2004), Los crímenes de Oxford (2008), Balada triste de trompeta (2010) y La chispa de la vida (2011).

Generalmente sus películas tienen anclajes importantes en la realidad, aún en su vertiente más fantasiosa, pero en La chispa de la vida los personajes son más reales, más de carne y hueso que nunca. Y en ese terreno, la parodia es mucho más difícil de llevar a cabo.

Cabe señalar que Alex de la Iglesia empezó como dibujante de cómics a los diez años y reconoce como padres espirituales a Alex Raymond, Stan Lee y Vázquez. Deseoso de abrir aún más su horizonte se licenció en la Universidad de Deusto, donde, según él, frecuentó el bar y el cineclub fundamentalmente. Decidido a introducirse en el mundo del espectáculo, trabajó en televisión como decorador y realizó la dirección artística de Todo por la Pasta, de Enrique Urbizu. A partir de ahí los acontecimientos se precipitaron. La llamada de la dirección cinematográfica acudió a su puerta.

El Festival de Letras de San Luis Potosí proyectará la cinta de Álex de la Iglesia, La chispa de la vida, el jueves 10 de mayo a las 19:00 horas en la capilla de Aranzazú. Entrada libre.

Este año participará escritores de la talla de Mario Bellatín, Guillermo Fadanelli, Luis Humberto Crosthwaite, David Ojeda, Carlos Velásquez, Jorge Fernández Granados, Tedi López Mills, Julio Patán, Hernán Bravo Varela, Luigi Amara, Claudia Posadas, Álvaro Uribe y Rocío Cerón. La programación será enriquecida con una muestra de diferentes expresiones artísticas.

La inauguración estará a cargo de la joven cantautora mexicana Ximena Sariñana, quién en esta ocasión será acompañada por la chilena Francisca Valenzuela y para clausurar vendrá el cantautor argentino Miguel Mateos. En el rubro de cine, el Festival de Letras de San Luis contará con la presencia del escritor y cineasta español Álex de la Iglesia, quién además de su charla presentará su más reciente trabajo cinematográfico, La Chispa de la vida, un estreno nacional.

En el marco de este festival se presentan Las Jornadas de Detectives y Astronautas, las cuales reúnen a los escritores mexicanos más importantes en los géneros policiaco, ciencia ficción y novela negra. Entre los participantes se encuentran Norma Yamille Cuéllar, Bernardo Esquinca, F.G. Haghenbeck, José Luis Zárate, Iván Farías, Juan Carlos Reyna, Luis Carlos Fuentes, Óscar Montero, Rodrigo Pámanes, Gerardo Porcayo, Rodolfo JM, Ronnie Medellín y Joserra Ortiz.

Durante la novena edición del Festival de Letras se realizarán 67 actividades y participarán más de cien artistas en 25 sedes, 61 escritores participantes (1 extranjero, 42 nacionales, 18 locales), 42 actividades literarias, 4 conciertos, 10 obras de teatro, 7 talleres, 1 película y 2 exposiciones.

Uno de los objetivos principales de este Festival ha sido la inclusión de todos los públicos. En el rubro de teatro se ha considerado una atractiva programación de representaciones escénicas para niños, además de contar con la presencia del dramaturgo Miguel Sabido, quién se despide de los escenarios y nos presenta su último trabajo, La Soldadera. En este Festival de Letras de San Luis Potosí 2012 también participarán reconocidas estrellas de televisión y teatro como Margarita Gralia, Pilar Pellicer, Susana González y Juan Manuel Bernal, quienes participan en el programa “Leo, luego existo”, un importante proyecto que fomenta la lectura a lo largo del año.

Este encuentro lúdico y académico contará con una interesante oferta de talleres impartidos por destacados escritores y enfocados a diversos públicos. Eusebio Ruvalcaba ofrecerá el taller Estrategias narrativas mientras que Vivian Abenshushan encabezará el Laboratorio de ensayo creativo. Bernardo Fernández BEF impartirá Narrativa gráfica; Maricela Guerrero un taller de poseía para niños y jóvenes; Jaime Chabaud es el encargado del taller de Dramaturgia; el escritor Pepe Rojo trabajará Géneros Limítrofes y finalmente el destacado narrador y cronista J.M. Servín dará el taller de Periodismo Charter. Todas la actividades son gratuitas.

El Festival de Letras de San Luis Potosí 2012 se realizará del 8 al 12 de mayo.

Sales de la sala de cine. Enciendes el auto. Te acomodas el cinturón y observas la calle vacía, esperándote. Pisas el acelerador lentamente, mientras tus manos se pasean por el volante. Quieres conducir a toda velocidad sorteando entre el tránsito patrullas y autos de la mafia; tu tsuru es más un mustang y tú eres solamente un conductor…

Escrita por Hossein Amini, basado en el libro del novelista James Sallis, Drive (2011) está lejos de ser la convencional historia de acción. La película dirigida por el danés Nicolas Winding Refn, quien culminada su trilogía Pusher adapta la novela de Sallis, posee grandes virtudes técnicas que son definitivamente lo que realza el nivel de este filme. Las primeras escenas dan seña de un ritmo espacioso y contemplativo que paulatinamente se va consolidando gracias a una impecable edición, que aunada al trabajo del experimentado cinefotógrafo Newton Thomas Sigel (The usual suspects, 1995; Three kings, 1999), le exprime a las escenas el dramatismo de los colores, las texturas y los entornos. Finalmente la música y la mezcla de sonido se vuelven fundamentales para imprimirle la otra mitad del sabor a la película integrando fuertes cargas de música electro que acompañan la belleza de las tomas nocturnas de la ciudad.

La trama adquiere diversas tonalidades, mientras el espectador reconoce en el personaje principal (gran interpretación del canadiense Ryan Gosling) las señas de un verdadero héroe. La bondad, el carisma, la aparente parsimonia benévola de este simple conductor, Terminan por congeniar en un personaje bien estructurado. Es orquestal la entrada de los distintos protagonistas de la cinta, que a lo largo de 100 minutos se van desarrollando con éxito. Uno de los aciertos principales fue sin duda la química natural entre los actores principales (Ryan Gosling y Carey Mulligan), quienes permean un romance sin excesos o exageraciones y que en la austeridad se vuelve tangible. Las referencias podrían ser muchas dentro de Drive, la influencia de Scorsese o De palma son bastante marcadas, no obstante la historia no se ve afectada por ello, ya que no se sostiene bajo esa premisa.

Drive es recomendable por ser una cinta de acción de calidad, sin duda prospecto al culto moderno y una propuesta fresca, de esas que se agradecen en las carteleras de enero.

Por: Adrian Ibelles
parismaul@hotmail.com

En cada escena, escondida entre las coreografías, detrás de cada movimiento, debajo de una sombra que sirve como escenografía, en la música que se libera, en la soga que se sujeta. En todas partes está ella. Baila, baila Pina.

No te pierdas.

Como homenaje a la vida y obra de la coreógrafa y bailarina alemana Pina Bausch, llega a las pantallas una exitosa interacción entre la danza y el cine. La expresión física y la intervención de un lenguaje ajeno, permiten al prolífico cineasta Win Wenders jugar con los aspectos visuales y narrativos en su faceta como documentalista (Invisibles, 2007; The soul of a man, 2003; Buena Vista Social Club, 1999) a través de Pina.

Por sí mismo, el trabajo expresivo de la danza impresiona por la fuerza contenida en cada uno de los movimientos, para encontrar una potencialización por parte de las opciones que esa movilidad de géneros permiten. Los recorridos por la ciudad permiten observar una interacción con la danza, creando una impresión hiperrealista, sacando las expresiones del escenario en la representación de algunas coreografías que habían seleccionado el cineasta y la maestra, antes de la repentina muerte en 2009 de la creadora de Café Müller.

Conviene reflexionar sobre la existencia de un diálogo “imaginario” entre los bailarines y la cámara, en distintos momentos, dentro de las entrevistas y fuera de ellas. Pina es un experimento que maravilla, convence y conecta con el espectador, en un documento visual que no se enajena en el personaje de Pina Bausch, sino que involucra su trabajo y su legado para funcionar. Con este film el director alemán vuelve a trasgredir muchas de las reglas, creando una obra única y que ofrece las variantes suficientes para creer que el cine está lejos de quedarse sin propuesta en su sentido y forma.

Nominada al Oscar 2012 como mejor documental, Pina es una cinta hermosa que vale muchísimo la pena explorar.

Por: Khalil Gibran G.

Basada en una historia real, Miss Bala, del guanajuatense Gerardo Naranjo (Voy a Explotar, Drama/Mex), retrata sin anteponer juicios la vida lacerada de un país fracturado bajo la mirada inocente de Laura, una joven de veinticuatro años, clase media baja, sin traza alguna de apresto académico, pero con grandes aspiraciones a ser reina de belleza.

La trama sigue la escabrosa odisea en la que se enfrasca Laura al ir en busca de su compañera y amiga quien tras un violento incidente desaparece. La mecánica trabaja en función del modelo the wrong time in the wrong place, dando pie a una serie de eventos dantescos que, similar pero no igual a los hechos en que se basa, arrastran a la protagonista por los recovecos más lóbregos de un país políticamente corrompido y económicamente desproporcionado a causa de un sistema capitalista en el que unos cuantos controlan la propiedad.

Miss Bala, a diferencia de su hermana en materia El Infierno (México, 2010) de Luis Estrada, se mantiene dentro de un realismo radical, tanto en fondo como en forma, evitando incluso adornar la trama con cualquier elemento narrativo que no se justifique con lo visualmente manifiesto. Y es quizás ahí donde radica la peculiaridad de este trabajo, ya que el lenguaje narrativo (planos medios y primeros planos, en su mayoría) está construido específicamente a partir de lo mucho o poco que logra percibir el personaje de Laura (quien casi nunca sale de cuadro), admirablemente interpretado por Stephanie Sigman, dando especial importancia al uso, magistral, del plano sonoro para evocar la vida y la muerte alrededor de nuestra entrañable protagonista a la vez que encarna la parcialidad perceptiva y de entendimiento que padece un pueblo cegado por intereses banales y encantos inmediatos.

Seleccionada oficial del Festival de Cannes durante 2011, distribuida uniformemente en salas mexicanas (hoy día un logro aplaudido) y bien recibida por la crítica internacional y, en su defecto, la nacional (todo sea por cuestiones de mercado), Miss Bala pasa a formar parte de una tradición en diligencia que redacta, entona y filma la realidad amarga de un pueblo sosegado a conveniencia por el interés mal habido de unos cuantos que ha terminado por desembocar en un baño de sangre. Y no solo pasa a serlo, sino que pasa y deja una marca que exige a quien apenas emerge e, incluso, al mismo Naranjo para futuros proyectos.

Con más de 15 años de trayectoria, Cabezas de Cera es considerada una de las bandas más vanguardistas de la escena musical contemporánea. Tomando como fuente sonora el metal, los hermanos Francisco y Mauricio Sotelo combinan sonidos acústicos y electrónicos a partir de instrumentos inventados por ellos mismos. A la fecha cuentan con seis discos y dos dvd’s que registran su paso por algunos de los festivales más importantes de América, Europa y Medio Oriente.

CDC ha compuesto una selección de temas que integran diversos instrumentos como el piano, Chapman Stick y percusiones electrónicas que armonizarán las tortuosas escenografías pintadas sobre telones de El Gabinete del Doctor Caligari. El filme protagonizado por Werner Krauss, Conrad Veidt y Friedrich Feher, considerado un referente ineludible del Expresionismo Alemán, se sirve de la historia de un mentalista que insta a un sonámbulo a cometer asesinatos, para denunciar los actos criminales perpetrados por el gobierno germano durante la Primera Guerra Mundial.

La presentación será el sábado 3 de diciembre, en función doble, 17:00 y 20:30 horas.

¿Cómo se dio la oportunidad de traer este evento a SLP?
Cuando se presentó el CD El Hombre de la Cámara en la Cineteca Nacional (diciembre 2010) había entre el público personas de la Cineteca Alameda, a quienes les gustó muchísimo el espectáculo e inmediatamente surgió la idea de llevarlo a SLP.

¿A qué se enfrentará el público que asista a la Cineteca Alameda?
A un clásico del cine mudo, el primer documental experimental de la historia, musicalizado en vivo por un ensamble de 11 músicos que emplean 20 diferentes instrumentos musicales. El público en algún momento se vuelve también un miembro del “Ensamble de Cámara/Acción”, por lo que el evento es más que una proyección de cine o un simple toquín de rock.

¿Cuál fue el mayor reto al que te enfrentaste al musicalizar El hombre de la cámara?
Organizar la película en capítulos y luego definir musicalmente lo que pasaría en estos capítulos fue relativamente fácil; el CD que se grabó en vivo en la Cineteca es un “objeto de colección” (de distribución gratuita que NO se consigue en tiendas comerciales) y resolver el financiamiento de un proyecto así requirió de mucha más chamba… obviamente, todas las personas que asistan a la función del 29 en la Cineteca Alameda obtendrán una copia del disco.

Como músico y creador, ¿qué representó para ti esta experiencia?
La parte que más disfruto es compartir esto con 10 de los músicos que más quiero y admiro; pensando en ellos es que hay secciones en el score donde el Ensamble es dirigido con señales. El público entiende que en estas secciones lo que tocan las músicos no está en una partitura, sino es una “interpretación lúdica” de alguna indicación mía, por lo que cuando el público tiene que intervenir y volverse parte del Ensamble el chiste es que se diviertan y echen desmadre como nosotros. Por lo tanto, en esas secciones del show suceden cosas que no se podrían repetir de la misma manera en otra función. Digamos que para mí representa un balance ideal entre las partes escritas, las partes que se improvisan y la manera de involucrar al público en el proceso.

Si pudieras definirte, actualmente, en una palabra, ¿cuál sería?
Huatabampo.

¿Cómo nace esta idea de musicalizar películas en la Cineteca?
El ciclo de ‘Bandas Sonoras’ consistió en la musicalización en vivo de clásicos del cine mudo; para la primera función de El Hombre de la Cámara (julio 2009) se agotaron los boletos tan temprano que se abrió una segunda función que también se agotó. La Cineteca me habló para repetir el espectáculo en octubre, de ahí mi intención de registrarlo en un CD. A la Cineteca Nacional le encantó la idea ya que nunca antes una de sus salas se había transformado en un estudio de grabación.

¿Por qué elegiste El Hombre de la Cámara?
Debido a que es el primer ‘documental experimental’ que se hizo, aunque para la época no existía ese término. En realidad la intención de Vertov era generar una película donde el cine se divorciara del teatro y la fotografía para crear un lenguaje expresamente cinemático. Por eso no es una película con el arco dramático tradicional (con protagonistas, antagonistas y final feliz) y la transforma en una serie de imágenes que pueden relacionarse de muchas maneras con el acompañamiento musical. En 1929 las tomas de una película duraban en promedio 11 segundos y las tomas de El Hombre de la Cámara duran menos de 3, lo cual quiere decir que cuando se hizo nadie había hecho ni visto nada remotamente similar. De ahí que me prendiera más emplear la peli como acompañamiento de un nuevo discurso musical.

¿Cómo seleccionaste a los músicos que participarían contigo?
La película comienza en una sala de cine en la cual se va a proyectar El Hombre de la Cámara y se muestra el foso de la orquesta donde están los músicos que acompañaran la proyección, me prendía más la idea de emplear los instrumentos de la época (alientos, contrabajo, batería, piano) que la misma peli te muestra. Por lo que la onda fue seleccionar amigos que tocaran esos instrumentos: Chema Arreola que toca batería en la versión en vivo de ‘Fractales’, mi primer disco solista; Carlos Maldonado y Daniel Zlotnik de ‘Los Dorados’, en el contrabajo y saxofones; Adrián Terrazas de Mars Volta, en el clarinete bajo; María Emilia Martínez de Monocordio, Klezmerson, Natalia LaFourcade, en la flauta & Luca Ortega de San Pascualito Rey, quien además de tocar flauta se volvió co-productor del CD e hicimos la mezcla y postproducción juntos.

¿Qué fue lo más complicado de realizar, en este proyecto?
Escribir el score, ensayar, grabar/mezclar y todo lo relacionado con la parte musical fluyó sin ningún problema. Debido a que fue un disco que no tenía proyectado hacer y que la grabación se realizó mediante patrocinios (Shure, Nexo, Pro-Tools), después se extendió esto a buscar benefactores para maquilar 10 mil copias del disco pero para ser distribuidas de manera gratuita. De esta manera el CD se vuelve un ‘objeto de colección’ en lugar de ‘uno más en el mercado’, buscando generar una manera alternativa de promover y distribuir la música para hacerla llegar al público en lugar de estar batallando contra la piratería y todos los obstáculos que la industria musical antepone entre el músico y el escucha. Resolver la parte financiera del proyecto fue otro tipo de trabajo, pero que finalmente logró llevarse a cabo.

¿Cómo fue tu proceso creativo?
Las primeras tomas de la película son una serie de objetos (que veremos cargados de movimiento y energía a lo largo de la película) completamente inmóviles… donde lo único que circula a través de las imágenes es el aire, de ahí surgió la idea de emplear a un cuarteto de alientos para ‘colorear’ esta sección de la película y esto definió la instrumentación que se emplearía. Luego, la música fue recortada y colocada en otro orden; además de que se le agregaron tornamesas (DJ Rayo de Troker), theremin (DraMolina de Los Esquizitos), bandoneón (Raúl Vizzi de la Orquesta Mexicana de Tango), marimba y vibráfono (Gustavo Nandayapa). El resultado le gustó tanto a la Cineteca que ya anunciaron que comprarán al British Film Institute los derechos del film para hacer una edición en DVD para Latinoamérica de la película con este nuevo score.

Platícame sobre esta experiencia, musicalizar en vivo, dirigir a otros músicos…
Es sumamente emocionante poder tener una pantalla de cine y a tus amigos músicos sonando a todo volumen; para llegar a eso hay que empezar con un piano & una laptop para organizar las secciones de la película y definir la música que las acompañaría. Algunas de las secciones más caóticas visualmente se prestaban para que la música que sucediera sobre ellas fuera creada a partir de señales, de manera que hay diferentes indicaciones para los músicos del ensamble, que pueden ser interpretadas como el músico desee mientras sienta que lo que hace tiene alguna conexión con lo que sucede en la pantalla. Esto hace que el público se dé cuenta de que en cada función suceden cosas irrepetibles o accidentes afortunados; además de que en una parte estratégica de la película el público también se transforma en un músico más del ensamble y esto le inyecta vida a la visión cinematográfica que tuvo alguien hace más de 80 años.

¿Qué le hace falta a Alex Otaola, como músico y creador, para sentirse pleno?
Pos en realidad ése es un estado de la materia muy volátil y que sólo sucede por breves espacios de tiempo, por lo que en realidad el trabajo musical y personal busca siempre llevar las cosas a contextos en los que vuelva a aparecer, de manera fugaz, ese sentimiento… tssss… hasta se me salió la laglimita…

Eres un hombre multifacético, ¿cuál de todas tus facetas es la que más disfrutas?
En realidad, cualquier cosa que haga intento situarla en un contexto que presente nuevas incógnitas y por lo mismo genere resultados que vayan en diferentes direcciones, esto se aplica a procesar con efectos la guitarra eléctrica, componer con el piano, hacer secuencias electrónicas o videoarte, escribir arreglos para un cuarteto de alientos, acompañar a Iraida Noriega… cualquier situación contiene las semillas de la siguiente y la vez contiene los resultados de lo que se hizo previamente.

Foto: Rebeca Martell.

Ante una estupenda adaptación del cuento escrito e ilustrado por Maurice Sendak en 1963, con la dirección y guión de Spike Jonze -a.c.a. maestro de los dilemas emocionales- y sazonado con un soundtrack a cargo Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeahs, en Where the wild things are encontramos la historia desde el punto de vista de Max, un chico que empieza a resentir los cambios en su vida, tales como saber que algún día vamos a morir, el enfrentar la ausencia de su padre, la desatención de su hermana o, bien, asumir que su madre cuenta con ocupaciones aparte de él, llevándolo a no encontrar cómo comunicar el desacuerdo al que se enfrenta en cada una de las situaciones que lo llevan a escapar de su casa, adentrándose así en un mundo mágico del tamaño de la imaginación de este niño donde se encuentra con unos monstruos que reflejan los mismos dilemas de los que escapó, impregnados en la personalidad de cada uno de estos.

Por diversas razones, Max es proclamado rey de este mágico lugar, lo que lo lleva a enfrentarse con sus incongruencias, incongruencias que se atraviesan cuando se pasa de niño a adolescente, es como el viaje al país de las maravillas desde los ojos de un niño.

Altamente recomendable, ya que a pesar de que al ver la película se nota el hecho de que el cuento en el que se basaron no comprende más que 7 páginas, Spike Jonze nos invita a ver qué sentimiento guardan todos y cada uno de los monstruos a lo largo de la película, dándonos un recorrido por la increíble mente de un niño.

It’s hard being a family.

Sigue a Daniel en Twitter @danhonorat

Existen películas de terror y ésta, genialmente dirigida por Taylor Hackford quien ya ha sido galardonado con un Oscar por la cinta Ray y, quien, dicho, sea de paso, se ha atrevido a actuar para asumir las penas de los actores. El abogado del diablo es una obra inmejorable en donde se delata la existencia de entidades diabólicas encarnadas en seres tan humanos como cualquiera. Por fortuna, debemos agradecerlo, no tiene ese oscurantismo de las películas en donde se recurre a la superstición, a la ignorancia o a la imposición religiosa para darle poder a demonios cuyo actuar es totalmente iracisble.

De hecho, muchas películas de terror exageran a tal grado la nota que sus protagonistas parecen chocantes y tontos en su proceder, lo que no sucede en esta película. Es más, quién no sentiría codicia por obtener todo o alguna parte de los beneficios a disposición de Kevin Lomax (Keanu Reeves): desde el simple amor de la que parece su noviecita de escuela, hasta los inacabables placeres (Connie Nielsen en el papel de Cristabella) con los cuales le tienta día a día quien más tarde sabremos es su padre.

Por supuesto, muchos habrían asumido el riesgo hasta sus últimas consecuencias tal como sucedió con Eddie Barzoon (Jeffrey Jones), sin importar no sólo la perdición de su alma sino la ineludible corrupción total de su ser. Es entonces cuando la muerte no resulta la solución final, sino la condena eterna. Mientras tanto, para Lomax, y cualquiera que acepte, el trabajo será defender a los lujuriosos, a los asesinos, a los ladrones confesos, descarados pero cubiertos de oro e influencias para pagar por su inocencia. No obstante, John Milton (Al Pacino) es un jefe demandante pero honesto, comprensivo, frontal, quien pide de manera sutil, persuasiva y eficaz. Sin duda resulta tan perturbadora su habilidad de convencimiento, incluso tanto como sus métodos.

Quién podría olvidar esa escena de la piscina en la azotea del rascacielos donde se sitúa la firma de Milton. Inolvidable resulta también una frase contundente del parlamento: “Hay quienes cuando se les presiona se concentran, otros sucumben…” Quizá pocos se lo hayan preguntado, pues bien detrás de la respuesta está el secreto hacia el éxito. ¿De cuál tipo de persona eres?

La historia inicia en un pueblecito de E.U.A. con un caso controversial de abuso sexual por parte de un maestro a quién se le imputan múltiples acusaciones, sin embargo Kevin Lomax consigue demostrar que la mayoría de éstas forman parte de un círculo de mentiras. Con ello consigue obtener un veredicto favorable para su cliente y llamar la atención de un importante bufete jurídico de Nueva York, la gran ciudad de las oportunidades para quien nunca ha perdido un caso. En ese nuevo mundo abunda el dinero, las ocupaciones, las nuevas amistades, pero sobre todo las intrigas e infidelidades. Por eso, pese al amor que siente hacia su esposa Mary Ann (Charlize Theron) el mundo de tentaciones en donde se desenvuelve empieza a corroerlo.

En un punto de la película debe elegir entre los valores familiares y la gloria. En ese instante de la película se evidencia su insaciable necesidad de fama. Será entonces cuando todo se derrumbará ante sus pies. En consecuencia deberá enfrentar a su empleador, y además progenitor, para dejar en prenda tanto la vida como el alma. Por supuesto, como era de esperarse, Milton, el mítico Diablo encarnado, encontrará la manera de restituirle la vida a su hijo, sólo para volverle a tender la trampa, cuyo cebo, como bien podría imaginarse es esa terrible debilidad por la cual han sucumbido tantos: la vanidad.

Al respecto de este proyecto, Reznor escribió: