A lo largo de varios concursos, el trío fue ganando público y presencia musical. Para 2005 ganarían el premio “Best Live Act”, en el evento “Global Battle Of The Bands”.  Firmarían contrato con la comañía “Religion Music” en 2009,  para lanzar su álbum debut White Collars Lies.

Su sencillo “Cocain Chest Pains” llegó a estar en el número 25 en las listas de propularidad norteamericana y estuvo en los primeros diez lugares en Canadá.

Shane, Brad y Daniel comparten un poco de su visión, la intención de su música y lo que hay alrededor y dentro de Kopek para logar su sonido.

¿Quién es Kopek?
Tres elementos de rock provenientes de Dublín, Irlanda.

¿Cómo lo describirían?
Nos describimos como una banda que toma como influencia el rock ‘n’ roll de la vieja escuela para llevarlo a un show en vivo, así como nuestra actitud general hacia lo que creemos que debería de ser el rock ‘n’ roll hoy.

¿Qué elementos los hacen diferentes  a otras bandas de rock?
¡No hay trucos! Lo que ves es lo que obtienes. Nosotros tratamos de concentrarnos en nuestra composición y shows en vivo, y no preocuparnos por la próxima gran moda. Escribimos sobre temas que son importantes para nosotros e importantes para cualquier persona que remotamente se interesa por lo que está sucediendo en nuestro jodido mundo hoy. La mayoría de las bandas no tienen un mensaje o una historia en la escritura de la canción, sólo un revoltijo de palabras que suena bien. La escritura de la canción es un arte en extinción en el rock moderno de hoy.

¿Qué elementos atraen a su público?
Muchos elementos pueden atraer a un público, nuestro público viene a Kopek porque suena diferente a todos los demás grupos de rock moderno de hoy. Todo el mundo, incluyendo Kopek, está buscando la próxima gran cosa, algo nuevo, algo fresco, algo que representa algo y es un algo que sea creíble. ¿Tal vez nuestro público ve eso en Kopek?

¿Qué hay detrás de su sonido?
Nuestro sonido es de tres chicos que juegan con nuestros instrumentos. Duro y fuerte y tocar con nuestros corazones. Todos agregamos algo único a la banda, en el estilo de tocar y de sonido. A todos nos gusta la misma música y creemos que se debe hacer de una manera determinada. En un trío, el sonido puede ser enorme, más grande que cualquier pieza de cuatro o cinco. En un trío ocurre muy poco, sólo lo básico, entonces todos tienen que hacer lo mejor a la hora de tocar. ¡Y puedes escuchar eso! Hay una química especial que tiene tres unidades. Basta con escuchar a Nirvana, por ejemplo.

¿Cómo es la tonalidad rock de Kopek?
Somos fans del hard rock. Hemos pasado muchos días en el estudio analizando nuestro sonido y estamos siempre tratando de mejorarlo. Nunca puede saber lo suficiente y siempre se debe aprender y probar cosas nuevas en la música. No estancarte en tu sonido o será muy aburrido para ti y el público de una manera muy rápida. El tono no fue suerte, se trataba de una buena bestia pesada de rock n’ roll.

¿Cómo describirían su música?
Como un alma de hard rock n’ roll proveniente de Dublín, Irlanda.

Cuéntenos sobre su álbum White Collar Lies. 
White Collar Lies fue trabajado y grabado alrededor de tres meses. Lo grabamos en un antiguo molino de trigo hecho de piedra, que se convirtió en el estudio de grabación. La habitación  era increíble para trabajar, pasamos la mayoría del tiempo trabajando realmente en las canciones del álbum y tratando de armar algo que fuera de  principio al fin. Nuestra misión era grabar y producir un álbum que no cayera en la calidad de una sola canción, sino en el total del álbum. Nosotros, como compradores de música, encontramos que hoy puedes comprar un disco que sólo tiene dos o tres canciones buenas. En estos días parece aceptable lanzar un álbum en el que son aceptables dos sencillos y no enterarse de qué otra mierda se grabó en el disco. No podemos aceptar estas estupideces. El dinero es difícil de encontrar en estos tiempos, entonces es mejor que hagas todo el álbum grandioso. De retroalimentación con el público y la prensa, parece que hemos logrado nuestro objetivo.

¿Cuál fue el evento más significativo para lograr este disco?
Terminarlo fue el logro más increíble. Cuando lo estábamos grabando lo banda pasó por todas las emociones. Es una montaña rusa emocional cuando estás haciendo el disco. No hay mejor sensación que el escuchar las mezclas finales y darte cuenta del trabajo duro, sudor, lágrimas y sangre que pusimos en el álbum.  Fue una cosa hermosa. Estamos muy contentos en como se finalizó el disco. Nos pusimos un objetivo y creo que lo logramos.

¿Cuál mentira es la más grande a la que se han enfrentado?
Desafortunadamente vivimos en un mundo en el que nos dicen muchas mentiras masivas. Mentiras del gobierno, mentiras de los medios, mentiras de quien sea quien que esté tratando de estar sobre “el hombre pequeño” . White Collar Lies se inspiró de un montón de mentiras que nos dijeron y terminaron en guerras, pobreza y han paralizado la economía global que tiene este planeta y las manos y las rodillas de la gente. Decimos: ¡no más mentiras ni estupideces!, ¡fight the power!

¿Cómo se siente interpretar su música?
Cualquier músico te diría lo mismo. Tocar en vivo es la razón por lo que hacemos esto. Drogas o alcohol podrías tomar, pero no hay nada más adictivo que tocar en vivo. Cuando terminas un show quieres volver a hacerlo de nuevo. Tienes que pasar a través de un montón de mierda en el negocio para llegar realmente a tocar  y salir de tour para que la música llegue a la gente, pero al final vale el esfuerzo. Es el mejor trabajo del mundo si lo puedes conseguir, pero por desgracia  no hay muchas entrevistas para llegar a ello.

¿Cómo describen a su público?
Como un montón de gente alocada que le gusta involucrarse y pasar un rato increíble. En caso de que estén leyendo esto, ellos también son gente muy sexi e inteligente.

¿Cual sería una buena manera de confrontar la corrupción?
Como músicos, nuestra forma de sobrellevar esto y confrontar la corrupción es a través de nuestras letras, las que están en nuestra música, tratamos de llevar nuestro punto de vista y, por lo menos, hará que la gente se cuestione o encender una chispa para una gran necesidad de cambio en nuestra sociedad. Nosotros no somos una banda política, pero no podemos dejar de escribir acerca de lo que está ocurriendo en nuestro alrededor.

¿Cuál es su canción favorita de este álbum? ¿Por qué?
Cambia constantemente, “Love  is Dead” es increíble de tocar en vivo porque es cuando el público enloquece, no importa que tan mal pudiera resultar la tocada. Desde el punto de vista del álbum, coincidimos que “Easy Way (DB cooper)” es nuestra favorita. Pero si nos preguntas la próxima semana, cambiaría.

¿Cuál es el mejor lugar para escuchar su música?
En iTunes y otras buenas tiendas de música.

Bajo la influencia de The Cure, como el álbum Pornography, con un primer sonido de secuencia de percusiones computarizados y un bajo y guitarra con un tono muy melódico, no fue hasta que se formaron como banda que podrían catalogarse como post-gothic rock. Poderosas melodías cargadas de un ambiente en penumbras y acompañadas con grandes letras inspiradas en la literatura y la vida misma.

En entrevista, Ashley Dayour comparte toda la travesía y la música que hay alrededor de Whispers in the Shadow.

¿Cómo describirías a Whispers in the Shadow?
Se formó en 1996 como un proyecto solista que pronto se convirtió en una banda. Yo la describiría una banda de rock con un giro dark que no tiene miedo a usar arreglos e instrumentos inusuales en algunas ocasiones.

¿Cuál es tu párrafo favorito de Lovecraft y por qué?
¡Ésa es complicada! Hay muchas historias que me gustan. Lo que pasa con HPL es que no te puedes enganchar a muy pocas historias. Él creó todo un universo, un mito, eso es lo que me gusta de él. Es mucho más que buenas historias, es todo un mundo. Tanto en un sentido literal como en uno oculto, mágico. Pero claro, tengo mis favoritos. “La sombra fuera del espacio”, “En las montañas de la locura”, “La sombra sobre Innsmouth”. Me agradan más las historias largas.

Claramente tu inspiración proviene de la literatura, pero ¿hay alguna otra fuente?
¡Claro! De la vida misma. La vida está llena de magia y oportunidades, encuentros. Otra gran inspiración son los lugares que visito personalmente y en mi mente.

Háblanos sobre el Ep The Lightbringer, ¿cuándo inició el proyecto era un sueño, una idea?
Todo el EP, The Lightbringer, llegó muy rápido. No estaba realmente planeado; más bien, simplemente ocurrió. A excepción de la última canción que fue escrita para el lanzamiento del disco, “Moments of Hope and Despair”, la retomamos de las sesiones del disco Into The Arms of Chaos. Yo regrabé algunas partes y las volví a mezclar. Este track fue muy bien recibido por los fans y es uno de las canciones más exitosas hasta ahora. Estaba un poco sorprendido por ello, sabía que tenía una tonada muy pegajosa, pero la reacción fue mayor a la que esperaba. El concepto lírico del EP lidia con toda la leyenda de “Lightbringer”, la caída de Lucifer.

¿Cuál es tu canción favorita de Whisper in the Shadow, la que podrías tocar siempre?
Supongo que “Down by the Sea”, del álbum Into The Arms of Chaos, sigue siendo mi favorita. Pero hay algunas en el próximo álbum que realmente aprecio. Hay una llamada “Back to the Wound”, que es por mucho una de las mejores que he hecho. Cada álbum tiene 2-3 canciones que realmente amo.

En vivo, ¿cómo es el ambiente, la experiencia? ¿Cuál sería tu mejor anécdota?
Tocar en vivo es lo mejor de todo el asunto. Tal vez es la única razón por lo que sigo haciendo esto. Tengo que decir que me agradaron mucho los conciertos de este año, casi al final, uno o dos muy, muy buenos. En 2000 hubo un gran concierto del cual al gente aún sigue hablando. Fue un festival en Alemania y, junto con el público, estábamos en otro planeta. Tocamos una vieja canción, una muy vieja, “Drowning like the Moon”, y literalmente rompió con todo. Fue uno de esos momentos raros cuando sabes que estás en el momento correcto en el lugar correcto.

¿Qué otras bandas escuchas?
Their Name is Legion. Escucho muchos soundtracks de películas de horror, como los de John Carpenter. Últimamente vuelvo a escuchar Killing Joke y muchas canciones de Dead can Dance, algo de post-rock. También me agradan mucho estas nuevas bandas donde la líder es una mujer, Fever Ray, Zola Jesus y Esben and The Witch, esta última, a mi parecer, lanzó el mejor disco del año. Violet Cries, es increíble y adoro cualquier canción de Dark Ambient.

¿Tocarías otro estilo de música, uno que no fuera gothic rock?
De hecho toco otros estilos con mis demás proyectos. Coma Divine, el nuevo proyecto que tengo (con Sonja Kraushofer de L’ame Immortelle) se acerca más al heavy metal. Y están mis solos con una extraña mezcla de música ritual con un ambiente oscuro. Nosotros no decidimos tocar gothic rock, el gotich rock nos eligió a nosotros.

¿Cuál es el mejor lugar para escuchar a Whispers in the Shadow?
Junto al mar, en algún lugar en la costa de Inglaterra donde se esconde el sol.

¿Están preparando un álbum completo?
En efecto. Actualmente estamos trabajando en el estudio. Las grabaciones ya están hechas, ahora estamos mezclando. Estará listo en abril de 2012 y se llamará The Rites of Pasaje, serán diez canciones y encontrarán algunas sorpresas en el disco. Muchas percusiones, tracks inusuales y algunas de las mejores letras que he escrito y habrá tours por Europa, claro.

Desde que se formó Whispers in the Shadow en 1996 hasta 2012, ¿cómo ha sido la experiencia a lo largo de este tiempo? ¿Creciste como músico? ¿Cuáles son las metas a alcanzar? ¿Hubo una metamorfosis?
Claro que hubo una especie de metamorfosis. Creo que cambiamos mucho durante todo este tiempo, pero siempre sin perder lo que es Whispers In The Shadow. Con la experiencia en vivo y el estudio nos convertimos en mejores músicos, aprendimos a escribir mejores canciones y lograr lo que realmente queremos. No puedo decir por cuanto tiempo haremos esto, aún hay un álbum que grabar, éste es el cuarto álbum en el que estamos trabajando desde 2008. Es una verdadera locura. Muchos músicos sólo piensan en un disco en durante cierto tiempo. Yo estoy pensando en unos cuatro discos desde hace más de tres años. Pero quiero hacer algo diferente, algo más grande, algo realmente desafiante. No sabemos qué vendrá después del cuarto disco, tal vez grabemos un disco con puros sonidos, con los objetos de una casa abandonada. Siempre me he preguntado como una aspiradora se escucharía através de un amplificador de guitarra enorme.

¿Cómo describes la música?
Como un caos que se arrastra, casi como una aspiradora a través de un amplificador de guitarra gigante.

Ashley Dayour from Whispers in the Shadow

How is Whispers in the Shadow? What it is? How do you describe it?
Whispers was formed in 1996 as a solo project and soon developed to a full band. I would describe it as a rock band with a dark “twist” who is not afraid to use unusual arrangements and instruments sometimes. And mainly it is a sort of therapy place for me. It’s a cataclysm.

Which is you’re favorite Love Craft paragraph ever, and why?
That’s a tough one! There are so many stories I like. The thing with HPL is, you can’t really nail him down to a few stories. He created a whole “universe”, a myth. That’s what I like about him. It’s so much more than just good stories, it’s a whole world. Both in a literally and an occult / magical sense. But I have my favorites of course: “The Shadows out of time”, “the Mountains of Madness”, “Shadow over Innsmouth”. The longer stories I like the most.

Certainly you get your inspiration on literature, but there is any other place to get inspired?
Of course, life itself! Life is full of magic and opportunities, encounters. Big inspirations are also places I visit in person and in mind.

Talk about The Lightbrubger EP When stars the EP project? How it started? A dream? And idea?
The whole Lightbringer EP came together very quickly. It wasn’t really planned; it’s more like that it “just happened”. Except the last song all songs were written for that release. The last one “Moments of Hope and Despair” was an outtake from the “Into the Arms of Chaos” sessions. I re-recorded some parts and remixed it, but mainly it is from that period. Which you can hear I guess. The title track became a very well-liked song by our fans, and is one of our most successful tracks so far. I was a bit surprised by that, I knew we had a very catchy tune…but the reaction was more than I expected. The lyrical concept of the EP deals with the whole “Lightbringer” legend, the fall of “Lucifer”.

Which is you’re Whisper in the Shadow favorite song? The song you can play all the time?
I guess “Down by the Sea” from the “Into the arms of chaos” album is still my fave. But there are a few ones on the next album which I really like. There’s one tune called “Back to the wound” which is most certainly one of the best things we’ve done. Every album has like 2-3 songs I really love.

Being live, how is the feeling? The experience? The ambient? Which one is the best experience ever?
Playing live is of course the best part of the whole thing. Maybe it is the whole reason why I’m actually doing this. I have to say I really enjoyed our concerts this year, at least one or two were really good. And there was this gig back in 2000 everyone still keeps blathering about. It was at a festival in Germany and we were on another planet and so was the crowd. We played a very old song called “Drowning like the Moon” and it just kicked off totally. It was one of those rare moments when you know you are at the right time at the right place.

Which other band do you hear?
Their name is legion! I listen a lot to horror movie soundtracks like the ones of John Carpenter. Lately I really got into Killing Joke again, and lot’s of Dead can Dance, some Post Rock. And I adore this new female fronted projects like Fever Ray, Zola Jesus and Esben and the Witch the latter had released the album of the year for me, Violet Cries is stunning! And I love Dark Ambient stuff.

Do you see you´re self playing other kind of music? Why gothic rock? If we can describe like gothic rock of curse.
I actually do play other kinds of music with my other projects. Coma Divine, the new project I have (with Sonja Kraushofer from L’ame Immortelle) is far more “heavy metal”. And there is my solo stuff which is a weird mixture of dark ambient and ritual music. We didn’t choose to play Gothic Rock, Gothic Rock choose us.

Where is the best place to hear Whisper in the Shadow?
By the sea, somewhere at the coast of England, when the sun comes down.

Are you preparing a full length album soon?
Indeed we do. Actually we are currently in the studio working on it. Recordings are already done and mixing starts right now. It will be released in April 2012 and will be called “The Rites of Passage”, contains 10 songs, and there will be some surprises on it! Lot’s of percussions, some unusual tracks, and some of the best lyrics I’ve ever written, Word! Ah yeah, and there will be a European tour as well.

Trough the time when Whisper in the Shadow form, 1996, until 2011, nearly 2012, how was the experience trough that time? How do you grow as a musician? As a member of Whisper in the Shadow? Which one is the goal to achieve? Is a metamorphosis?
Of course it is some sort of metamorphosis. I think we changed a lot through the course of time, but it was always clearly “Whispers in the Shadow”. With the experience on stage and in the studio we became better musicians, we learned how to write better songs, or let’s say how to achieve what we really want. It wasn’t always easy, but after 7 studio albums and 15 years we experienced a lot. I can’t really say how long we are going to do this. There is still this one album to complete – this 4 album circle we are working on since 2008. It’s insane really. Most musicians think only about one album at a time; I’m thinking about 4 since more than 3 years now. But I wanted to do something different, something bigger, something really challenging. Don’t know what will come after the 4th album. Maybe we are going to record an album only with household objects, I always wondered how a Hoover would sound through a big guitar amp hahaha…

How do you describe music?
As a crawling chaos almost like a Hoover through a big guitar amp.

Sandy Lavallart nos platica un poco sobre Kwoon y su nuevo EP, The Guillotine Show.

En este momento, ¿Cómo describes a Kwoon? ¿Qué es Kwoon?
Kwoon es un lugar donde todo es triste y hermoso. La Melancolía es la felicidad de estar triste. Kwoon sigue ese camino.

Al escuchar The Guillotine Show, ¿qué sientes?
Es difícil decir lo que sentimos con nuestra propia música. Algo más poderoso que el otro disco, podría decir, con el mismo “toque Kwoon”.

Sobre los logros de este disco, ¿fue difícil conseguirlo? ¿Fue experimentar?
He escrito los temas alrededor de tres meses, en busca de algo más sexi e indie. El post-rock fue en nuestros primeros discos. Ahora, estamos buscando algo más potente. No me gusta mantener el mismo sonido todo el tiempo.

¿Cuál es tu canción favorita del disco y por qué?
“Bird”. Porque es una canción muy personal, tiene algunas letras que he escrito sobre mi salud, el año pasado, cuando vi la muerte acercarse. Una horrible pesadilla, pero algo real. Y por la esperanza, las cosas parecen estar mejor hoy.

¿En dónde te inspiras para obtener The Guillotine Show, el arte del disco, las canciones?
Solo en mi apartamento, al aire libre mirando las nubes con unas cervezas… Las cosas están llegan a mi cabeza. A veces, cuando estoy durmiendo, mi cerebro me dio un regalo, me levanto con unos bellos sonidos en mi cabeza. Así que me levanto a grabar una muestra para no olvidarlo.

Cuando no es Kwoon, ¿qué otras bandas te gusta escuchar?
Blonde Redhead, Mogwai, Patrick Watson, Arcade Fire, la música clásica.

¿Qué pasa con The Guillotine Show? ¿Qué hay en torno al show?
Una acción muy impactante, decapitar una cabeza con hermosas y tranquilas canciones. Hoy en día la gente está consumiendo cosas desagradables en la televisión, como programas donde se puede ver a gente teniendo sexo, ves drogas, como engañan en vivo, y todo con la esperanza de que nunca les pasará a ellos. The Guillotine Show es un reality de televisión donde se puede ver a la gente ser ejecutada en vivo. Creo que es un promocional estúpido, pero la televisión va en ese sentido, tal vez este tipo de espectáculo podría suceder un día.

Si pudieras decapitar a alguien, ¿quién será? ¿Qué sería? ¿Un sentimiento? ¿Una persona? ¿Una acción?
Alguien que perturba a un niño no debería existir. Pero como he dicho antes, The Guillotine Show es más que una imagen virtual de la estupidez humana en crecimiento. No quiero matar a nadie.

En un concierto en vivo, ¿cómo te sientes? ¿Cómo absorbe la música el público?
Cuando estamos en el escenario, estamos en un trance perfecto. La música y la multitud nos dan energía hasta que termina el espectáculo.

¿Dónde es el mejor lugar para escuchar a Kwoon?
Depende de lo que sientas, pero sobre todo con audífonos, solo, en un paisaje espectacular, en la oscuridad.

Para escuchar algunos temas visita su sitio oficial.

 

THE GUILLOTINE SHOW. SANDY LAVALLART FROM KWOON 

From France, Kwoon able to project, with great imagination and shades, a reflection of his dreams, a universe filled with melancholy, weaving stories and anecdotes. A process of metamorphosis that attracts you from the first notes. A world full off fantasy, worlds that feel very real.

Sandy Lavallart talks about Kwoon and his new EP, The Guillotine Show

How do you describe, KWOON right, now? Who is Kwoon?

Kwoon is a place where everything is sad & beautiful. Melancoly is the happiness to be sad. Kwoon follow that way.

Listening The Guillotine show, what do you feel?
Ahah, hard to say what we feel with our own music. Something more powerful than the other album i could say, with the same “Kwoon touch”

What about the achievements of this record? It was difficult to get it? Joyful? And experiment?
I’ve written the tracks in around 3 months, looking for something more sexy & indie. The “post-rock” was in our first albums. Now, we’re looking for something more punchy. I don’t like keeping the same sound all the time.

What’s you’re favorite song of the record? and why?
“Bird”. Because it’s a very personal song with some lyrics i wrote about my health last year, when I’ve seen death coming. An horrible nightmare but something real. And because of hope, things seem to be better today.

Where did you get inspired to get The Guillotine show, art and songs?
Alone in my apartment, looking at the clouds outside with some beers…Things are coming in my head.
Sometimes, when i’m sleeping, i wake up with some pretty sounds in my head, as my brain give me a gift. So i wake up and record a sample, then i don’t forget it.

When you’re not listening Kwoon, which others bands you prefer?
Actually, Blonde Redhead, Mogwaï, Patrick Watson, Arcade Fire, classical music.

What about The Guillotine show, what is around it?
A really hard action, decapitated a head, whit beautiful length songs. Today, on people are eating some disgusting things on TV, as TV reality show where they can see people having sex, drugs, cheating in live, hoping that never it would happen to them. The Guillotine Show is a TV reality show where you can see people being executed live. I think if stupid header from TV are going on that way, maybe this kind of show could happen one day…

If you have someone to decapitated, who it will be? a feeling? a person? an action?
Someone who fuck a child shouldn’t exist. But as i said before, “The Guillotine Show” is more than a virtual picture of human stupidity growing. I don’t want to kill anybody

On a live concert, how do you feel? how gets the crowd?
When we’re on stage, we’re in perfect trance. Music and crazy crowd give us energy until the end of the show.

Where is the best place to hear Kwoon?
It depends your feeling, but mostly with headphones, alone, in dramatic landscapes, in the darkness.

Con su anterior grupo, Dums Dums, Josh Doyle compartió escenario con bandas como Flaming Lips, Bon Jovi y Supergrass. Su primer EP The End of Fear -totalmente independiente-, escrito, producido y creado por Josh Doyle y Sam Shacklock, fue lanzado a través de su sitio web. Ahora, este artista folktrónico, como productor, compositor, músico y escritor, comparte las nuevas experiencias que hay alrededor de su nueva producción musical titulada Songs for the Nuclear War.

¿Cómo describirías este álbum? ¿Cómo te sentiste cuando estaban listas las canciones?
Con Songs from the Nuclear War decidí pasar el tiempo haciendo el disco afuera y grabar las canciones en casa, aquí en mi estudio. Yo describiría este disco como Bob Dylan conoce a Green Day que conoce a Cat Stevens que conoce a Radiohead. Soy muy apasionado cuando toco estas canciones. Fue un logro para mí, porque tuve que aprender a grabar y me tomó algo de tiempo, así que me sentí feliz de haber aprendido a utilizar el estudio por mi cuenta y también tener nuevas canciones.

¿En que lugar te imaginas cuando escuchas este álbum?
Me veo en un mundo postapocalíptico pensando sobre mi vida pasada y preguntándome cuál es el significado de la vida.

Escuchando algunas de tus canciones, no puedo dejar de sentirme nostálgico, un tanto deprimido. Siento este álbum arenoso, rocoso, muy intenso. Un verdadero mundo devastado por la energía nuclear. ¿En qué te inspiraste para encontrar estas tonalidades?
Son sensaciones muy vívidas. Mi objetivo, con mi música, es llevar a las personas a un lugar donde encuentren la verdad, que se vean a sí mismas, que vean sus vidas para saber a dónde van y con quién están.

Si fueras un fantasmas, ¿qué harías?, ¿intentarías cambiar algo?, ¿te gustaría cambiar algo en las personas que escuchen tu álbum?
Si fuera un fantasma, probablemente iría a los lugares que yo no iría. Me gustaría ver a los amigos y seres queridos, ver realmente la forma en la que viven cuando nadie está mirando y me encantaría ir a Hollywood y ver cómo es realmente la vida de los ricos y famosos. Me gustaría cambiar a la gente, lo que cargan en sus vidas para que miren el mundo y se miren a sí mismos, cambiar para bien, para alcanzar todo su potencial.

¿Cómo te sientes al tocar en vivo?
Disfruto mucho la reacción de la gente cuando me ven tocar mis canciones y se identifican con ellas. Me apasiono mucho interpretando mis temas.

En tu tiempo libre, ¿qué otros discos o bandas escuchas?
Últimamente he estado escuchando mucho a Bob Dylan, The Replacements, Keith Green, Soundgarden, Ryan Adams, Jimmy Eat World, Johnny Cash, John Prine, The Killers, Oasis…

Si una bomba nuclear estallara en este preciso momento, ¿cuáles serían las cinco cosas que llevarías contigo?
Yo tomaría a mi familia, también mi guitarra, mi laptop, mi libro de canciones, mi iPod, el celular, son cosas nada glamorosas, lo sé, pero podría llevar una vida normal con estas pocas cosas.

SONGS FOR THE NUCLEAR WAR . JOSH DOYLE

Josh Doyle, folktronic artist as producer, composer, musician and writer share the new experiences about his new album, Songs from the Nuclear War.

How would you describe this album? How do you feel when  Songs from the Nuclear War was ready?

With Songs from the Nuclear War I decided to spread out making the album over months and record the songs at home here in my studio. So every few months, new songs are ready and that week i will put them up for sale, its really cool to make something and have it available so soon! I would describe this album as Bob Dylan meets Green Day meets Cat Stevens meets Radiohead. I am very passionate when I play this music. It was an achievement for me when the first songs were ready because I had to learn how to record in my studio and that took some time, so I felt happy to have learned how to use the studio by myself and also to have new songs that were as good as any other songs I have written.

In witch place you imagine when you hear this record?

I see myself in a post apocalyptic world in this album, thinking over my past life and wondering what the meaning of life is.

Listening to some of your songs I feel some nostalgic and somewhat depressed. I feel the record sandy, rocky an intense. A really nuclear devastated world. Where do you get inspired to find this color?

Those are very vivid feelings. I aim to bring people to a place of truth with my music, that they will look at their lives and figure out where they are going and who they are. I get.

If you were a ghost, what would you do? Would you try to change something? You would like to change something in people when they hear your record?

If I were a ghost I would probably go to the places that I shouldn’t. I would see friends and loved ones and how they really live when no one is looking and I would love to go to holly wood and see what the rich and famous lives are really like. I would like to change people in that they would not just carry on with their lives but would look at the world and look at themselves and change for the better, to reach their potential.

 How do you feel when you play live you’re songs?

I enjoy the reaction people give me when I play my songs and they identify with them. I really get passionate playing the songs.

In you’re free time, witch records or bands you usually hear?

Lately I have been listening to a lot of Bob Dylan, The Replacements, Keith Green, Soundgarden, Ryan Adams, Jimmy Eat World, Johnny Cash, John Prine, The Killers, Oasis…

If a nuclear bomb exploded in this moment, and you have some few time, what five things would you will take with you?

I would take my family, also my guitar, laptop, my lyric books, my ipod, cellphone — not very glamourous I know… but i could live a normal life with just those things.

Pero tu también ya las puedes escuchar, lo único que tienes que hacer es registrarte en su sitio oficial, http://edguy.net, con una dirección de correo electrónico en su sección Hellfire Club en donde podrás escuchar fragmentos de las canciones: Robin Hood, Nobody’s Hero, Rock of Cashel y Pandora’s Box. Sin duda suenan a el clásico Edguy rocker que disfrutamos de escuchar, claro está, tendremos que esperar al disco completo para sorprendernos o tal vez regresar a escuchar los primeros discos.

El álbum contendrá once canciones que compilan más de una hora de producción. La edición limitada “Digipack” contendrá un disco bonus con seis canciones adicionales.

El tracklist de Age Of The Joker:

1. Robin Hood
2. Nobody’s Hero
3. Rock Of Cashel
4. Pandora’s Box
5. Breathe
6. Two Out Of Seven
7. Faces In The Darkness
8. The Arcane Guild
9. Fire On The Downline
10. Behind The Gates To Midnight World
11. Every Night Without You

La edición limitada contendrá las siguientes canciones:

1. God Fallen Silent
2. Aleister Crowley Memorial Boogie
3. Cum On Feel The Noize (Slade-Cover)
4. Standing In The Rain
5. Robin Hood (single version)
6. Two Out Of Seven (single version)

Fuente: http://edguy.net/

Kwoon, vía su boletín digital, lanza el segundo videoclip oficial de su más reciente producción discográfica, “When The Flowers Were Singin”

-Estamos orgullosos de presentar nuestro nuevo videoclip “Memories of a Commander”, del álbum “When the flowers were singing” El segundo videoclip del álbum “When the flowers were singing”

Todas las imágenes fueron hechas en 1918 por Winsor McCay, el autor e Inventor de las tiras cómicas animadas, que decidió dibujar el hundimiento trágico del Lusitania. 25,000 dibujos fueron hechos y han sido fotografiados de uno en uno.

El video original fue animado para el video para que concordara perfectamente con la letra de canción de Kwoon

¡McCay, fue un Genio!
Kwoon-

We’re proud to present you our new videoclip “Memories of a commander”, from “When the flowers were singing” album.
Kwoon 2nd videoclip from “When the flowers were singing” album.

All visuals were made in 1918 by Winsor McCay, originator & Inventor of Animated Cartoons, who decided to draw the tragic sinking of the Lusitania.
25.000 drawings have been made and photographed one at a time.

The original animated video has been rearanged to fit perfectly with the lyrics of Kwoon song

McCay, you were a Genius !
Kwoon

En la más amplia acepción del término, el lugar desde el que se mira; edificio ideado para la creación y representación escénica es el proyecto de El Rinoceronte Enamorado que como compañía se encuentra involucrado durante los últimos años. La construcción no sólo se concibe en su sentido físico, material, sino que sobretodo se entiende desde el terreno de los contenidos que nutren al espacio, lo que sucede dentro del edificio teatral, y que es su corazón, el de los “Rinos”

Con el propósito de vincular la producción escénica de otras latitudes con el quehacer artístico local, El Rino plantea el ciclo “Las (compañías) Invitadas del Rino”. Las agrupaciones que lo conforman son: El Milagro, Estípite, Línea de Sombra, Contradanza y Karla Constantini. En su conjunto actores, bailarines, creativos, directores, dramaturgos, productores y técnicos que involucra a 46 artistas, para realizar, en principio, quince presentaciones en la que buscan el discurso estético de destacadas agrupaciones del país incida en los procesos de producción escénica del estado mediante una actividad múltiple en su espacio: presentaciones, encuentros, talleres, etc. La experiencia estética, la creación de públicos y el desarrollo artístico; todo esto en una convivencia de orden humano que resalte los vínculos de la solidaridad gremial y consolide relaciones para proyectos a mediano y largo plazo que tengan sustento en el intercambio creativo.

Como segundo término, luego de la presencia de la agrupación El Milagro del D.F. con la obra Trabajando un día particular que contó con las actuaciones de Daniel Giménez Cacho y Laura Almela en noviembre pasado, llega la ocasión de presenciar Escenas de una mentirosa y su perro una obra para niñas y niños (que los papás no se deben perder).

Escenas de una mentirosa y su perro, es un montaje escénico adaptado de la novela Notes from a liar and her dog de Gennifer Choldenko,  dirgida por Daniel Constantini, originalmente escrita para niños de 9 años en adelante; sin embargo, los creadores de esta puesta decidieron que este montaje estuviera dirigido a los adultos en primera instancia,  pues consideran que son los adultos quienes tienen la responsabilidad de reflexionar en tanto a las relaciones emocionales que se establecen con los niños.  Son los adultos quienes hacen acuse de recibo de la voz de Antonia.  Ella es una mentirosa, una niña problema que esta siendo segregada por su entorno familiar y social.

Para Antonia MacPherson (Ant), interpretada por Karla Constantini, mentir es una forma de vida. Si no fuese por su mejor amigo Harrison, y una pequeña bola de pelusa llamada Pistacho, sería miserable. No importa lo que  Ant haga, su madre piensa que no está bien.

Pero cuando una profesora toma a Ant bajo su tutela, su forma de vida puede tener posibilidades de cambiar. A Solo Carol (la maestra) le gusta la verdad y  no aceptará menos que eso.

Como en el país, ¿a posesión de la cantina…sólo se resuelve a balazos?

Ya más de dieciséis años en la creación teatral con una contundente y creativa creación artística. Un espacio para hacer discurso con el espectador, más allá de la riqueza visual, la intención es contar algo que es necesario, contra arrestar el falso interés por las cosas que logran llegar a ser completamente inútiles.

Ahora, en la presentación del ciclo De Repertorio, Edén Coronado, miembro de la compañía de teatro El Rinoceronte Enamorado comparte un poco de lo que trata la puesta en escena de Cantina La Conquista del dramaturgo Enrique Ballester.

Cantina La Conquista, surge como un homenaje a su padre catalán que a la espera de la caída de Franco para poder regresar a su patria, descubre que México era su nueva nación, claro está, que en cada festejo de la independencia, tenía que permanecer refugiado en su casa por el temor a las burlas y represarías de los vecinos mexicanos, y Cantina La Conquista habla de las contradicciones que aun pertenecen en nuestro tiempo, una incapacidad por comprender nuestros procesos históricos.

Edén comenta que si nos tardamos cuatrocientos años en terminar el proceso de la independencia, nos tardaremos seguramente otros cuatrocientos años para apenas terminar con el proceso de la revolución mexicana, es la esencia de esta puesta en escena, una anécdota sencilla de una cantina que la tiene un dueño español que decide regresar a su patria, en donde ofrece la cantina a todos sus trabajadores lo cual ocasiona la apertura de la caja de pandora de todo aquello que aparenta estar en orden dentro del grupo de trabajadores, las envidias y los rencores, “y es lo que creemos que ocurre en el país, esta condición de la mexicanidad, la incapacidad de ponernos de a cuerdo, la incapacidad de hacer colectivo y de hacer grupo que nos lleva a la situación que vivimos actualmente, parece que la única posibilidad de resolver los conflictos es a balazos, y en palabras de Sicilia: parece que sólo tenemos imaginación para la violencia”

Cantina La Conquista, en temporada hasta el 29 de Mayo, Jueves y Viernes a las 8:00pm, Sábados y Domingos a las 7:00pm en el Teatro del Rinoceronte Enamorado, Carlos Tovar #315 Zona Centro, y recuerden que todos los universitarios tienen 50% de descuento.

Novela ganadora del PREMIO GRAN ANGULAR 2003-México te hace pasar un rato muy agradable, lleno de sorpresa, comentarios que se defienden a las palabras burlonas de los demás, como de una anecdota de vida muy similar a la de cualquier “mutante” adolescente; una narrativa que te envuelve, un relato que narra una fluida y agradable aventura de genios locos que en un principio no podían ni siquiera verse en la misma habitación. La fantástica narrativa de la vida contada a través de un tablero de ajedrez, ¿Qué moviemto sigue?, ¿Cómo voy a ganar? ¿Cuando voy a ganar? ¿Qué hacer?, ¿Qué hago? un proceso de madurez personal y de conocimiento universal, ¿Qué quiero de mi vida?  no es sólo jugar, o tener la duda de perder, es el ganar en una partida, en dos, en tres o simplemente en otro juego, pero ganar.

Título Original: Let’s Go Play at the Adams’ (1974)

Pobre Bárbara, tan inocente,  tan inmadura pese a su grado de universitaria. Es sólo un juego, uno en el que todos participan, el grupo estrella, Los Cinco de la Libertad,  cinco adolescentes,  cinco monstruosos pequeños que juegan a encarcelar, a torturar,   con golpes, con ataduras con un sentido tan complejo de la libertad y lo que con lleva todo ello,  todos ellos carcelarios de la joven Bárbara quien espera el juego termine pronto.

Al despertar, Bárbara se encuentra atada y sin poder hablar, con la boca reseca por el trapo que tenía metido casi hasta la garganta. Inmovilizada de pies y manos empezaría lo que sería una semana de torturas más allá de las que cualquiera puede ser acreedor a merecer, donde comienza esta terrible y grandiosa historia.

Un libro que hay que leer con detenimiento, un libro que desnuda a los pequeños como son,  con sus más oscuras perversiones aun cuando ellos no son conscientes de ellos,  nos revela el lado más humano de las personas, el de la auto destrucción, el ser violento sexual que buscar placer y  gozo, ese ser que no discrimina edad, sexo o religión.  De igual forma, revela de lo que es capaz de realizar un adolescente, y lo peor, salir impune de ello, porque “es sólo un niño”

La inocencia no nos priva de los demonios, ni las perversiones, sólo ciega y esconde las capacidades de lo que es posible que haga cualquier ser humano, es decir, que sea lo más humano posible.

Una semana de tortura, una semana de aprendizaje, un asesinato.  Un libro no apto para niños, podrían aprender cosas escalofriantes y terribles.

Háblanos de tu taller La improvisación como composición. ¿A qué se refieren los términos improvisación y composición?
La improvisación y la composición son la misma cosa. Si se hablan de cursos de talleres o cursos de composición y otros de improvisación como si fueran cosas separadas, es como si los compositores fueran una cosa y los improvisadores fueran otra. La improvisación es composición en tiempo real y la composición es improvisación selectiva como dijo Stravinsky (Ígor Fiódorovich Stravinski compositor y director de orquesta ruso) el que está componiendo está tarareando hasta que encuentra algo que le gusta y entonces lo va desarrollando con su técnica, pero es una improvisación, lo que pasa el que improvisa en escenario no puede parar, no puede retractarse de nada, y si la regó, la regó, y si fue brillante la idea todo está pasando el momento, entonces no tiene tiempo para considerar nada, pero en realidad son la misma cosa, ¿por qué? porque es un producto del mismo proceso intelectual, obviamente que la selección que se hace en la composición es racional, es a posteriori, entonces le va dando forma artística a algo, la improvisación es un poco más efímera, no se pretenda que tenga las cualidades de un producto terminado que tiene la composición.

¿Es una ilusión el separar la improvisación y la composición? Mucha gente dice que componer es una cosa y palomear es otra.
Estar palomeando quizá no sea componer, en tiempo real ni en tiempo de nada, una especie de masturbación exhibicionista con público, medio perversa, hay formas de improvisación que no apuntan a un fenómeno de improvisación. Pero el asunto es que lo trascendente de esto, no es ni el producto final ni la motivación, sino el mostrar que los mecanismos, como dice el título del taller, que son armónicos y melódicos, lo que tienes que hacer tú para componer o para improvisar, es estudiar esos mecanismos, y los aplicas para componer delante de la gente, improvisando, tratando que tu improvisación tenga forma, tenga temática, un discurso. Mi aspiración con el curso es mostrar esos mecanismos e inspirar a los que toman ese taller, a modificar su óptica y enriquecer su improvisación con más sentido, como dices, los palomazos es un término degradado de lo que puede ser la improvisación, es hacerse tonto a veces.

Cuando termine el taller, quienes lo tomen ¿qué van a prender?
Se van hacer de herramientas conceptuales y claridades acerca de armonía y la melodía, sobre todo impulsarlos a que investiguen, que busquen muchas más cosas que han encontrado, abrirles el panorama.

De todos los talleres que has realizado, ¿has encontrado alguien muy talentoso?
Pues no, porque no lo he buscado, no ha habido la oportunidad de darles chance de estar tocando y demostrar sus habilidades. Mucho de lo que estamos viendo se aplica a cosas muy simples que no llaman al exhibicionismo de nadie y entonces no me doy cuenta de quienes son en cuanto a su talento, su arte, cuando doy la clase no estoy buscando talento, busco que se entienda.

Entonces lo principal del taller se refiere a la teoría de ¿cómo mezclar la armonía, el cómo entender y crear la música?
Sí, también analizar, porque muchas veces los músicos se avientan a improvisar y a palomear y eso, pero no hacen suficiente análisis y usan las cosas de una manera a la ligera, sin reflexionar, que es a lo que yo invito.

Es la reflexión de ¿por qué debería de ir aquí cierta nota?
No, yo no hago eso, eso es arte. Eso no lo puedes enseñar, ni quisieras enseñarlo. El motivo para mí de poner un Do, pude ser totalmente irrelevante para ti, el problema es aprender que Do es Do y si lo usas tú o lo use yo, va a sonar a lo mismo, entonces hay que canalizar el uso de las cosas y la comprensión de los contextos. Es imposible y poco deseable decir qué hacer, lo que le debes de decir es que ésas son las herramientas, se usan así, se comprenden así, el decir o callar es problema de cada quien.

Hablando de tu carrera, de todos los discos que has producido, ¿cuál ha sido el más rico?, ¿la experiencia más interesante?
La verdad que todos, porque todos son retos diferentes, en lo musical, en lo humano y en todos aporte mucho, aprendí mucho. ¿No hay un favorito? No, no lo hay, porque para mi la vida es así, todos los momentos son favoritos, y todos los artistas son chingones y no me gusta estar favoriteando nada.

Al estar componiendo para películas, ¿cómo fue adentrarte a esos proyectos?
Pues nada, es dependiendo del director, hay directores que son muy castrantes y que quieren exactamente una cosa como la habían escuchado y a veces quieren que les copies una música que ya les había funcionado. Y hay otros que son mucho más flexibles, “haz lo que quieras, dicen”, la última película que hice, el director casi no se metió y yo hice lo que quise, y le gustó.

¿Cómo te ves cómo artista?, ¿qué has aprendido?, ¿qué no te gusta de lo que haces?
Todo me gusta. Siempre me pongo en situaciones de aprender. Y a veces aprender de golpe y a la fuerza. La primera vez que me propuse a dar un taller, nunca lo había hecho y entonces aprendí y sigo aprendiendo, cada clase que doy es única, irrepetible, porque no doy con forme a un temario preciso, y no hablo de memoria, hablo de experiencia, treinta años de carrera, de estudios, entonces voy sacando cosas de mi memoria, y en todas las clases aprendo, y así me gusta estar así, siempre improvisando.

Dentro de tus próximos proyectos, ¿qué tienes ganas de hacer?
Pues sigo explorando en cuestiones educativas, he estado componiendo canciones, comienzo a grabarlas, he estado haciendo conciertos donde improviso, así solito, me subo y a darle, a lo que salga.

Los seguidores se preguntan ¿vas a regresar con Caifanes?
No tengo ni idea si se vaya a dar, o cuando, no hay nada sobre la mesa, ni depende de mí, ni lo ando buscando. No puedo estar pendiente de eso porqué empezaría con pesadillas toda la noche. Es mucho más activa la imaginación del público que la de uno, ¿no? Y si se da, pues espero estar ahí.

Foto: Óscar Ramírez

Luego de una carrera punk/pop llena de experiencias alrededor de la producción de cuatro discos con los Dum Dums, compartiendo escenario con bandas como Flaming Lips, Bon Jovi y Supergrass, el ex vocalista de la banda británica, comparte con Rockat Radio su travesía como músico solista y sus nuevas expectativas como persona.

¿Quién es Josh Doyle?, ¿cómo te ves a ti mismo?
Me veo como un hombre que trata de hacerla en el mundo, poder pagar mis cuentas y hacer alguna clase de declaración sobre qué soy y lo que es mi música.

¿Cuándo decidiste ser solista?, ¿cómo fue el proceso?
Estuve en una banda en Inglaterra llamada Dum Dums y tuvimos mucho éxito, sin embargo, parecía no haber oportunidad de llevar lejos nuestro estilo sin perder a nuestra audiencia. Muchos de ellos nos siguieron como si fuera una moda. Entonces decidí ir solo, así podría tocar rock, ponerme pesado, punk, podría escribir baladas, acústico, electrónico, y a las personas que les gustara mi estilo y mi música seguirían conmigo.

¿Qué es la música para ti?
La música viene a mí más naturalmente que otra cosa, pienso en ella inmediatamente. ¿Por qué la música y no otra forma de expresión? En las películas te tienes que concentrar, pero en la música es sólo un conjunto de sentidos donde puedes hacer otras cosas y todavía ser afectado por ella. Me gusta el medio de la música y escribir canciones porque lo siento natural, por desgracia, perfeccionar las canciones es más difícil.

De tus influencias musicales, ¿qué te marcó más? ¿Cuál es tu camino como músico?
Me gusta Pearl Jam y como ellos rechazaron la distribución de sus videos, rechazaron tocar para compañías de juegos aun cuando perderían una gran cantidad de dinero. Ellos también me influenciaron con su música porque se vuelven tan personales con una canción rock como una balada muy íntima, y las dos suenan realmente poderosas.

¿Cómo es que desarrollaste el tu primer EP, The End of Fear?, ¿cuál fue la sensación al terminarlo?
El primer EP, The End of Fear, surgió de la frustración de trabajar con un exitoso productor ganador del grammy, y él no me facilitaba las cosas, entonces me decidí porque no podía esperar a la lenta máquina de la industria musical para lánzalo como producto, necesitaba sacarlo y lanzar las canciones fuera de mi mente hacia el mundo y ver qué efecto tenía en la gente. Mientras trabajaba en el EP, con un joven estudiante en su estudio casero, surgieron más oportunidades de grabarlo con él en el estudio de su padre (quien es un reconocido productor de los 80 y 90), lo cual le dio acceso ser galardonado con el grammy en la categoría de mastering engineer, entonces al final lo hice en “pequeño”, pero tuve acceso a “grandes” personas con las que logré tener un gran sonido.

Hablando de tu crecimiento como artista, ¿qué cambios notables sientes desde tu primer EP al Values and Virtues?
The End of Fear is un EP totalmente positivo, se trata de aquel tiempo en tu vida cuando te acercas a tu propio mundo, libre de la escuela, de tu casa y de toda su seguridad. El EP dice “haz tu mejor esfuerzo y no tengas miedo”. Values and Virtues es una grabación oscura, se trata de empezar en el mundo y preguntarte a ti mismo “¿para qué hacer todo esto? ¿Qué quiero hacer con mi vida?”

¿Qué tan complejo es enfrentarse a otros músicos en cuanto a competencia?, ¿cómo confrontar la cultura de los mass media?
Muchos de los músicos en Nashville son mercenarios. Yo prefiero tocar con gente que está interesada en la música y no en la recompensa monetaria que se puede lograr. Es difícil ser independiente mientras te expones a los medios masivos, sin embargo, recientemente programas de TV como “Criminal Minds” y “Ghost Whisperer” tocan mis canciones.

¿Crees en la libre distribución de la cultura, como lo sería regalar música a través de Internet?
Claro que sí, es una gran forma de hacer que la gente se interese en tu música, de hecho, si visitas http://www.joshdoyle.com/fans encontrarás mucha música gratis, cuarenta canciones, incluyendo cosas de mi antigua banda y conciertos en vivo, acústicos y demás, todo gratis cuando te conviertes en mi fan.

¿Cuál ha sido tu mejor experiencia como solista?
Me gusta colaborar con Imogen Heap, en Knoxville. Ella me habla y yo meto a mis hijos y a mi esposa en el carro y manejo dos horas para tocar y ¡hacer muchos nuevos fans!

¿Que sorpresas habrá en el futuro?
La próxima cosa que haré es un doble EP, un lado con una temática de ciencia ficción y del otro una forma de vida real; un lado con una base acústica, y del otro una base punk. Lo estoy escribiendo ahora mismo y las preguntas son: “¿qué es importante en la vida? y ¿qué ocurre en el mundo detrás del bastidores?”

Me encuentro atrapado en los primeros párrafos que descubren la culpa, el ir moribundo por la vida y no esperar nada de ella, lo último que logras ahí terminó, a nadie más le importa, y sienes culpa por la muerte de otros, por ser necio y no dejar pasar el curso. Atrapado en la fría narración en donde quisiera estar ahogado en licor, humo de cigarro, recostado en un desgastado cuarto con un colchón amarillento flotando en drogas, esperando el absurdo llame a la puerta y todo cambie súbitamente. Correr hacia la respuesta. ¿Un arma en mi cabeza cambiaría todo?

El 28 de agosto de 2009 se realizó la presentación del proyecto generado por el Gobierno del Estado de Jalisco dentro de su programa JALISCO ES UNO y 3er piso Records: El Mariachi Rock-o, Sonidos de Jalisco. Un tributo a los grandes éxitos del Rock clásico y moderno a través del romance del mariachi.

Entre los artistas figuran los mariachis más famosos de México como el Mariachi Vargas, el Mariachi Gallos de México el Mariachi Nuevo Tecalitlán y, entre los cantantes, Ugo Rodríguez (azul violeta, yoyo breakers), Jaffo (Plastiko) y Fabián Loza (Wish).

Un disco que hay que escuchar con todos los cuates. Hasta aquellos que aseguran que escuchar música para “drogadictos” y todo lo “altenativo e indie” es una pérdida de tiempo, no podrán decir que no a Mariachi Rock-O. Alejandro Pérez, “Orko”, de 3er Piso es el productor artístico de este disco el cual contiene adaptaciones de éxitos de Coldplay, The Killers, The Cure, John Lennon, Andy Williams, The Eagles, Enrique Bunbury, Carlos Santana, Charle Daniels, Coldplay, The Killers, Nacha Pop, Marvin Gaye, Annie Lennox y Michale Jackson.

TRACK LIST
.-No Surprises (Radio Head) Mariachi Nuevo Tecalitlán/Paco Aguayo
.-Viva la Vida (Coldplay) Juvenil Zapotiltic/Memo Andrés
.-No More I Love You´s (Annie Lennox) Mariachi Nuevo Tecalitlán/Juan Son
.-Close To Me (The Cure) Nuevo Tecalitlán/Fabián de Loza
.-Jealous Guy (John Lennon) Mariachi Sol de América/Ugo Rodríguez
.-Al Final (Enrique Bunbury) Mariachi Gallos de México/Jose Riaza
.-Europa (Carlos Santana) Mariachi Vargas
.-Hotel California (The Eagles) Mariachi Garibaldi/Robert Murray
.-Can´t Take My Eyes Off You (Andy Williams) Mariachi Embajador/Sheila Ríos
.-Lucha de Gigantes (Nacha Pop) Mariachi Gallos de México/Jaffo
.-The Devil Went Down To Georgia (Charlie Daniels) Mariachi Sol de México/José Hernández
.-All This Things That Me Done (The Killers) Nuevo Tecalitlán/Fernando Martínez
.-Whats Going On (Marvin Gaye) Mariachi Vargas/Ugo Rodríguez
.-Ben (Michael Jackson) Mariachis Internacional, Sol de América y Nuevo Tecalitlán/Zyanya Santillane

Expresión en Corto y Avon Cosmetics presentan la tercera convocatoria de cortometraje: “ALZA LA VOZ CONTRA LA VIOLENCIA DOMÉSTICA” 2009. Desde el inicio del lanzamiento han recibido más de 150 trabajos de 45 países alrededor del mundo.

La convocatoria quedó abierta a partir del 15 de Mayo del 2009 y cerró el 1 de Octubre del 2009. Los cortometrajes realizados representaron la visión abstracta llevada al video del mensaje: ¡Alza la voz contra la violencia doméstica! La ceremonia de premiación se llevó a cabo en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM el pasado 24 de noviembre obteniendo como resultado la  respuesta de 33 países con una participación de 209 trabajos en competencia con el tema específico de la violencia doméstica.

La selección de los trabajos estuvo a cargo de Avon y el Festival Internacional de Cine Expresión en Corto, así como representantes de la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión México, INMUJERES y UNIFEM.

Jurado:

.-Nina Rodríguez: Expresión en Corto.
.-Myrna Díaz Infante: Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión.
.-José Antonio Armas: Avon.
.-Araceli Becerril: Avon.
.-Gabriela Gatica: Avon.
.-Carlos Vargas Cisneros: INMUJERES.

El primer fue otorgado al cortometraje Leaving de los directores Richard Penfold y Sam Hearn, del Reino Unido,  quienes nos narran la historia de Helen, una mujer que intenta liberarse de su irascible esposo. La trama muestra lo que no es fácil salir de una relación enfermiza. El segundo lugar lo recibió  Ponys, cortometraje español del director David Planell. The finding (El descubrimiento)  del director mexicano Alonso Álvarez Barred logró el tercer lugar.

El Jurado otorgó dos menciones honoríficas por la gran calidad de las producciones a “Zingen in het Donker” Cantando en la oscuridad, de los holandeses Martie Dekkers y Ed van Otterwijk y“Honour Me” (Hónrame) de Alex Tweddle del Reino Unido. Asimismo, se entregó una mención especial para “Ring the Bell”, campaña publicitaria realizada en la India.

FOTOS DE LOS CORTOMETRAJES GANADORES

1° Lugar: Leaving

2° Lugar: Ponys

3° Lugar: The Finding

Chow y Su se entrelazan una narrativa en donde repiten sus acciones para llevar a cabo la mejor escena de romántica que pudieran protagonizar, miden sus palabras, sus pasos, la postura y juegan el amor.

Los protagonistas nunca dicen claramente lo que piensan ni lo que sienten y, sin embargo, Wong Kar-Wai logra trasmitirlo de la forma más bella y poética posible.

“Ahora tengo dinero en el bolsillo. Ahora tengo una maleta con química suficiente para hacer mucho más. Ahora puedo vivir los días, uno tras otro, y olvidarlos, uno tras otro, para que no estorben. Ahora sé que mañana, pase lo que pase, no habrá pasado nada”.

Ray Loriga, seudónimo de Jorge Loriga Torrenova, nacido en Madrid en 1967, es escritor, guionista y director de cine, escribe en un futuro muy cercano, los primeros años del siglo XXI, TOKYO YA NO NOS QUIERE, en dónde un vendedor, uno de muchos, recorre el mundo ofreciendo el último milagro de la industria farmacológica: una droga capaz de borrar la memoria. Por desgracia, ese vendedor ha cometido el mayor error de su profesión: usar la droga que vende, y se ve obligado a vivir en un universo efímero en el que mucha gente parece conocerle, pero en el que él, misericordiosamente, no recuerda a nadie.

Y ya está. No hay más.

Escrita la novela para la forma y no para la trama. A lo largo de sus páginas no ocurre nada que nos hile unas historias con otras o que transporte a nuestro protagonista de un lugar a otro, el resultado de la fabulosa droga farmacéutica que nos hace olvidar todo lo que antes pasó. ¿La habrá tomado?, ¿no la habremos tomado? Un mundo en el que es posible conservar a una madre muerta dentro de un televisor o borrar de la faz de tu memoria tantas neuronas como pastillas ingeridas.

“Nací para robar rosas en la autopista de la muerte”

Hacia los años 50, entre el humo de cigarro y el denso aroma que desprende la literatura creada en las cafeterías, se formaba un nuevo término para los pensadores bienaventurados en la inmensa tranquilidad de las palabras: la Generación Beat, la cual en su estado inmóvil y en su estática felicidad, abriría el camino a una nueva corriente que pasaría de las cómodas charlas de café a las inmensas aventuras, erecciones, eyaculaciones, exhibiciones ahogadas en alcohol y lo mundano de la vida, es decir, el Realismo Sucio.

El dirty realism surgió en los años 70 y pretende reducir la narración a sus elementos fundamentales, basándose en la insecable manía de contar todo y nada, los espacios, el número de azulejos y las botellas vacías en el piso o, al contrario, las acciones desentrañadas del estilo de vida americano, el bodrio hastío de la vida terminada por el alcohol, los placeres sexuales y los complementos alucinógenos que dan ese amargo pero suave sabor de vida. Tristemente deja una resaca que sólo la misma muerte puede apaciguar. Los escritores sucios escribirían de todo lo que hay, de todo lo que pasa, en la pestilente forma de vida americana.

El realismo sucio se derivó del minimalismo, pero esto no lo hace minimalista. Este estilo tiene sus propias reglas y parámetros, lo caracteriza su constante tendencia a la sobriedad, la precisión y al uso de las palabras que, simplemente, podemos definir como puercas. En todo lo que se refiere a los objetos, las situaciones, sus personajes y sus mismas citaciones deben hallarse caracterizados de la manera más concisa y superficial posible. El contexto será el sentido profundo de la obra.

El primer escritor al que se le consideró parte de esta corriente, no es sólo un Realista Sucio, sino también un verdadero Bastardo de la literatura norteamericana –a pesar de a ver nacido el 16 de Agosto de 1920 en Andernach, Alemania­–:  Heinrich Karl Bukowski.

Cuando la economía, después de la Primera Guerra Mundial, azotara a la familia de Bukwski, su padre norteamericano tomaría la decisión de mudarse a Baltimore en 1923, para luego mudarse a un suburbio de Los Ángeles, dónde empezaría toda la travesía e historias de Charles, narradas en sus libros y en sus primeros cuentos inéditos que desaparecieron por el maltrato de su padre, pero que logró rescatar en su novela La senda del Perdedor, en 1982.

Karl Bukowski tenía marcas en la cara, debido a una enfermedad que sufrió de muy joven, lo cual acrecentaba el rechazo de la gente hacia él lo que, aunado a su timidez, hizo que se refugiara en la lectura. Siempre escribió para sobrevivir y nunca por dinero.

Al cumplir los 24 años, Bukowski publicó en la revista Store Magazine “Aftermath of Lenfthy”, escrito que lo impulsó a publicar 20 Tanks From Kasseldow. Desilusionado del proceso de publicación dejó de escribir por más de una década dedicándose a trabajos temporales que no tardaba en dejar, permanecía en pensiones baratas y la mayor parte del tiempo se la pasaba vagando en búsqueda de alcohol. Esta epoca veinteañera de Bukowski marcaría su estilo, ya que la mayor parte de sus historias cuentan lo acontecido en esas décadas y las incontables veces que casi murió por intoxicación alcohólica.

Al comienzo de los años 50 trabajó como cartero en el servicio postal de los Estados Unidos. En 1955 fue hospitalizado por una úlcera que no dejaba de sangrar, dando así vida a nuevos párrafos llenos de odio, nostalgia, mundicia, sexo y vino. Sus experiencias le sirvieron también para una incontable lista de poemas y novelas publicadas sobre su mundano presente, sus amoríos pasajeros, el cigarro, las mentiras, la blasfemia y sus apasionados romances encarnados de la vida misma.

Bukowski murió de leucemia en 1994, a la edad de 73 años. Sus más ruines historias ganaron esta vez, ya no pudo contar su última aventura con la muerte. Hoy en día es considerado uno de los grandes escritores americanos y símbolo del “realismo sucio”, la literatura independiente, el aborrecido y odiado bastardo de la literatura.

Éste es el momento en que la entrevista finaliza

A veces me siento orgulloso cuando miro las fotografías

Ahí estoy yo, ahí está mi gato, hemos sido

Retratados juntos

Él también comprende que son pendejadas,

Pero que de alguna manera te ayudan.

Referencias:

• Charles Bukowski, Erections, ejaculations, exhibitions and general tales of ordinary madness, 1972
• Charles Bokowski, Una de las Más Ardientes y otros Poemas. 2006, Poema, La Historia de un Sufrido Hijo de Puta.

En un día normal de trabajo en la planta en plena descarga de toneladas de sal, aparece el cuerpo mutilado de una mujer que da cabida al antecedente de la desaparición de varias jovencitas en la región, cuyos cadáveres han empezado a aparecer.

Bajo la sal es un excelente thriller mexicano que mucho antes de su estreno comenzó a despertar el interés de productoras estadunidenses, interesadas en  hacer su versión gringa. Como si ni les gustará hacer remakes.

Interpretada por Humberto Zurita (Comandante Trujillo), Plutarco Haza (Prefecto Domínguez), Emilio Guerrero (Jefe Salazar), Irene Azuela (Isabel), Ricardo Polanco (Víctor Zepeda), Moisés Arizmendi (Cabo Montoya), Julio Bracho (Profesor Magaña), Blanca Guerra (Guadalupe Calva) y Juan Carlos Barreto (Sr. Zepeda), Bajo la Sal es una película bien lograda que te mantiene al borde del asiento y ha dejado de un lado lo que ya muchas veces se ha retratado en el tan criticado y sobrevalorado cine mexicano. Sin duda, es una de las pocas excepciones a la definición de “que buena película no ma…”  que dan apertura a producciones cinematográficas que logran tener un peso artístico fuera del país como dentro del mismo.

No es una película palomera ni taquillera en donde los personajes son ricachones con problemas de la vida cotidiana, o un filme en donde se critica de forma salvaje y cruda la realidad mexicana. Al contrario, es una verdadera pieza cinematográfica en toda la extinción de la definición. Aunque claro, no ha dejado del todo alejada a la realidad mexicana que ocurre en muchas partes del país o como lo ocurrido en Juárez.

Datos Curiosos:

• El equipo de filmación tardó en trasladarse cuatro días hasta la salinera, debido a lo inhóspito del camino y a que tuvieron que viajar por tierra, mar y aire para llegar.
• De acuerdo a Mario Muñoz la película demoró dos años en comenzar porque se eligieron minuciosamente los actores que interpretarían los personajes principales de la trama.