Háblanos de tu taller La improvisación como composición. ¿A qué se refieren los términos improvisación y composición?
La improvisación y la composición son la misma cosa. Si se hablan de cursos de talleres o cursos de composición y otros de improvisación como si fueran cosas separadas, es como si los compositores fueran una cosa y los improvisadores fueran otra. La improvisación es composición en tiempo real y la composición es improvisación selectiva como dijo Stravinsky (Ígor Fiódorovich Stravinski compositor y director de orquesta ruso) el que está componiendo está tarareando hasta que encuentra algo que le gusta y entonces lo va desarrollando con su técnica, pero es una improvisación, lo que pasa el que improvisa en escenario no puede parar, no puede retractarse de nada, y si la regó, la regó, y si fue brillante la idea todo está pasando el momento, entonces no tiene tiempo para considerar nada, pero en realidad son la misma cosa, ¿por qué? porque es un producto del mismo proceso intelectual, obviamente que la selección que se hace en la composición es racional, es a posteriori, entonces le va dando forma artística a algo, la improvisación es un poco más efímera, no se pretenda que tenga las cualidades de un producto terminado que tiene la composición.

¿Es una ilusión el separar la improvisación y la composición? Mucha gente dice que componer es una cosa y palomear es otra.
Estar palomeando quizá no sea componer, en tiempo real ni en tiempo de nada, una especie de masturbación exhibicionista con público, medio perversa, hay formas de improvisación que no apuntan a un fenómeno de improvisación. Pero el asunto es que lo trascendente de esto, no es ni el producto final ni la motivación, sino el mostrar que los mecanismos, como dice el título del taller, que son armónicos y melódicos, lo que tienes que hacer tú para componer o para improvisar, es estudiar esos mecanismos, y los aplicas para componer delante de la gente, improvisando, tratando que tu improvisación tenga forma, tenga temática, un discurso. Mi aspiración con el curso es mostrar esos mecanismos e inspirar a los que toman ese taller, a modificar su óptica y enriquecer su improvisación con más sentido, como dices, los palomazos es un término degradado de lo que puede ser la improvisación, es hacerse tonto a veces.

Cuando termine el taller, quienes lo tomen ¿qué van a prender?
Se van hacer de herramientas conceptuales y claridades acerca de armonía y la melodía, sobre todo impulsarlos a que investiguen, que busquen muchas más cosas que han encontrado, abrirles el panorama.

De todos los talleres que has realizado, ¿has encontrado alguien muy talentoso?
Pues no, porque no lo he buscado, no ha habido la oportunidad de darles chance de estar tocando y demostrar sus habilidades. Mucho de lo que estamos viendo se aplica a cosas muy simples que no llaman al exhibicionismo de nadie y entonces no me doy cuenta de quienes son en cuanto a su talento, su arte, cuando doy la clase no estoy buscando talento, busco que se entienda.

Entonces lo principal del taller se refiere a la teoría de ¿cómo mezclar la armonía, el cómo entender y crear la música?
Sí, también analizar, porque muchas veces los músicos se avientan a improvisar y a palomear y eso, pero no hacen suficiente análisis y usan las cosas de una manera a la ligera, sin reflexionar, que es a lo que yo invito.

Es la reflexión de ¿por qué debería de ir aquí cierta nota?
No, yo no hago eso, eso es arte. Eso no lo puedes enseñar, ni quisieras enseñarlo. El motivo para mí de poner un Do, pude ser totalmente irrelevante para ti, el problema es aprender que Do es Do y si lo usas tú o lo use yo, va a sonar a lo mismo, entonces hay que canalizar el uso de las cosas y la comprensión de los contextos. Es imposible y poco deseable decir qué hacer, lo que le debes de decir es que ésas son las herramientas, se usan así, se comprenden así, el decir o callar es problema de cada quien.

Hablando de tu carrera, de todos los discos que has producido, ¿cuál ha sido el más rico?, ¿la experiencia más interesante?
La verdad que todos, porque todos son retos diferentes, en lo musical, en lo humano y en todos aporte mucho, aprendí mucho. ¿No hay un favorito? No, no lo hay, porque para mi la vida es así, todos los momentos son favoritos, y todos los artistas son chingones y no me gusta estar favoriteando nada.

Al estar componiendo para películas, ¿cómo fue adentrarte a esos proyectos?
Pues nada, es dependiendo del director, hay directores que son muy castrantes y que quieren exactamente una cosa como la habían escuchado y a veces quieren que les copies una música que ya les había funcionado. Y hay otros que son mucho más flexibles, “haz lo que quieras, dicen”, la última película que hice, el director casi no se metió y yo hice lo que quise, y le gustó.

¿Cómo te ves cómo artista?, ¿qué has aprendido?, ¿qué no te gusta de lo que haces?
Todo me gusta. Siempre me pongo en situaciones de aprender. Y a veces aprender de golpe y a la fuerza. La primera vez que me propuse a dar un taller, nunca lo había hecho y entonces aprendí y sigo aprendiendo, cada clase que doy es única, irrepetible, porque no doy con forme a un temario preciso, y no hablo de memoria, hablo de experiencia, treinta años de carrera, de estudios, entonces voy sacando cosas de mi memoria, y en todas las clases aprendo, y así me gusta estar así, siempre improvisando.

Dentro de tus próximos proyectos, ¿qué tienes ganas de hacer?
Pues sigo explorando en cuestiones educativas, he estado componiendo canciones, comienzo a grabarlas, he estado haciendo conciertos donde improviso, así solito, me subo y a darle, a lo que salga.

Los seguidores se preguntan ¿vas a regresar con Caifanes?
No tengo ni idea si se vaya a dar, o cuando, no hay nada sobre la mesa, ni depende de mí, ni lo ando buscando. No puedo estar pendiente de eso porqué empezaría con pesadillas toda la noche. Es mucho más activa la imaginación del público que la de uno, ¿no? Y si se da, pues espero estar ahí.

Foto: Óscar Ramírez

Luego de una carrera punk/pop llena de experiencias alrededor de la producción de cuatro discos con los Dum Dums, compartiendo escenario con bandas como Flaming Lips, Bon Jovi y Supergrass, el ex vocalista de la banda británica, comparte con Rockat Radio su travesía como músico solista y sus nuevas expectativas como persona.

¿Quién es Josh Doyle?, ¿cómo te ves a ti mismo?
Me veo como un hombre que trata de hacerla en el mundo, poder pagar mis cuentas y hacer alguna clase de declaración sobre qué soy y lo que es mi música.

¿Cuándo decidiste ser solista?, ¿cómo fue el proceso?
Estuve en una banda en Inglaterra llamada Dum Dums y tuvimos mucho éxito, sin embargo, parecía no haber oportunidad de llevar lejos nuestro estilo sin perder a nuestra audiencia. Muchos de ellos nos siguieron como si fuera una moda. Entonces decidí ir solo, así podría tocar rock, ponerme pesado, punk, podría escribir baladas, acústico, electrónico, y a las personas que les gustara mi estilo y mi música seguirían conmigo.

¿Qué es la música para ti?
La música viene a mí más naturalmente que otra cosa, pienso en ella inmediatamente. ¿Por qué la música y no otra forma de expresión? En las películas te tienes que concentrar, pero en la música es sólo un conjunto de sentidos donde puedes hacer otras cosas y todavía ser afectado por ella. Me gusta el medio de la música y escribir canciones porque lo siento natural, por desgracia, perfeccionar las canciones es más difícil.

De tus influencias musicales, ¿qué te marcó más? ¿Cuál es tu camino como músico?
Me gusta Pearl Jam y como ellos rechazaron la distribución de sus videos, rechazaron tocar para compañías de juegos aun cuando perderían una gran cantidad de dinero. Ellos también me influenciaron con su música porque se vuelven tan personales con una canción rock como una balada muy íntima, y las dos suenan realmente poderosas.

¿Cómo es que desarrollaste el tu primer EP, The End of Fear?, ¿cuál fue la sensación al terminarlo?
El primer EP, The End of Fear, surgió de la frustración de trabajar con un exitoso productor ganador del grammy, y él no me facilitaba las cosas, entonces me decidí porque no podía esperar a la lenta máquina de la industria musical para lánzalo como producto, necesitaba sacarlo y lanzar las canciones fuera de mi mente hacia el mundo y ver qué efecto tenía en la gente. Mientras trabajaba en el EP, con un joven estudiante en su estudio casero, surgieron más oportunidades de grabarlo con él en el estudio de su padre (quien es un reconocido productor de los 80 y 90), lo cual le dio acceso ser galardonado con el grammy en la categoría de mastering engineer, entonces al final lo hice en “pequeño”, pero tuve acceso a “grandes” personas con las que logré tener un gran sonido.

Hablando de tu crecimiento como artista, ¿qué cambios notables sientes desde tu primer EP al Values and Virtues?
The End of Fear is un EP totalmente positivo, se trata de aquel tiempo en tu vida cuando te acercas a tu propio mundo, libre de la escuela, de tu casa y de toda su seguridad. El EP dice “haz tu mejor esfuerzo y no tengas miedo”. Values and Virtues es una grabación oscura, se trata de empezar en el mundo y preguntarte a ti mismo “¿para qué hacer todo esto? ¿Qué quiero hacer con mi vida?”

¿Qué tan complejo es enfrentarse a otros músicos en cuanto a competencia?, ¿cómo confrontar la cultura de los mass media?
Muchos de los músicos en Nashville son mercenarios. Yo prefiero tocar con gente que está interesada en la música y no en la recompensa monetaria que se puede lograr. Es difícil ser independiente mientras te expones a los medios masivos, sin embargo, recientemente programas de TV como “Criminal Minds” y “Ghost Whisperer” tocan mis canciones.

¿Crees en la libre distribución de la cultura, como lo sería regalar música a través de Internet?
Claro que sí, es una gran forma de hacer que la gente se interese en tu música, de hecho, si visitas http://www.joshdoyle.com/fans encontrarás mucha música gratis, cuarenta canciones, incluyendo cosas de mi antigua banda y conciertos en vivo, acústicos y demás, todo gratis cuando te conviertes en mi fan.

¿Cuál ha sido tu mejor experiencia como solista?
Me gusta colaborar con Imogen Heap, en Knoxville. Ella me habla y yo meto a mis hijos y a mi esposa en el carro y manejo dos horas para tocar y ¡hacer muchos nuevos fans!

¿Que sorpresas habrá en el futuro?
La próxima cosa que haré es un doble EP, un lado con una temática de ciencia ficción y del otro una forma de vida real; un lado con una base acústica, y del otro una base punk. Lo estoy escribiendo ahora mismo y las preguntas son: “¿qué es importante en la vida? y ¿qué ocurre en el mundo detrás del bastidores?”

Me encuentro atrapado en los primeros párrafos que descubren la culpa, el ir moribundo por la vida y no esperar nada de ella, lo último que logras ahí terminó, a nadie más le importa, y sienes culpa por la muerte de otros, por ser necio y no dejar pasar el curso. Atrapado en la fría narración en donde quisiera estar ahogado en licor, humo de cigarro, recostado en un desgastado cuarto con un colchón amarillento flotando en drogas, esperando el absurdo llame a la puerta y todo cambie súbitamente. Correr hacia la respuesta. ¿Un arma en mi cabeza cambiaría todo?

El 28 de agosto de 2009 se realizó la presentación del proyecto generado por el Gobierno del Estado de Jalisco dentro de su programa JALISCO ES UNO y 3er piso Records: El Mariachi Rock-o, Sonidos de Jalisco. Un tributo a los grandes éxitos del Rock clásico y moderno a través del romance del mariachi.

Entre los artistas figuran los mariachis más famosos de México como el Mariachi Vargas, el Mariachi Gallos de México el Mariachi Nuevo Tecalitlán y, entre los cantantes, Ugo Rodríguez (azul violeta, yoyo breakers), Jaffo (Plastiko) y Fabián Loza (Wish).

Un disco que hay que escuchar con todos los cuates. Hasta aquellos que aseguran que escuchar música para “drogadictos” y todo lo “altenativo e indie” es una pérdida de tiempo, no podrán decir que no a Mariachi Rock-O. Alejandro Pérez, “Orko”, de 3er Piso es el productor artístico de este disco el cual contiene adaptaciones de éxitos de Coldplay, The Killers, The Cure, John Lennon, Andy Williams, The Eagles, Enrique Bunbury, Carlos Santana, Charle Daniels, Coldplay, The Killers, Nacha Pop, Marvin Gaye, Annie Lennox y Michale Jackson.

TRACK LIST
.-No Surprises (Radio Head) Mariachi Nuevo Tecalitlán/Paco Aguayo
.-Viva la Vida (Coldplay) Juvenil Zapotiltic/Memo Andrés
.-No More I Love You´s (Annie Lennox) Mariachi Nuevo Tecalitlán/Juan Son
.-Close To Me (The Cure) Nuevo Tecalitlán/Fabián de Loza
.-Jealous Guy (John Lennon) Mariachi Sol de América/Ugo Rodríguez
.-Al Final (Enrique Bunbury) Mariachi Gallos de México/Jose Riaza
.-Europa (Carlos Santana) Mariachi Vargas
.-Hotel California (The Eagles) Mariachi Garibaldi/Robert Murray
.-Can´t Take My Eyes Off You (Andy Williams) Mariachi Embajador/Sheila Ríos
.-Lucha de Gigantes (Nacha Pop) Mariachi Gallos de México/Jaffo
.-The Devil Went Down To Georgia (Charlie Daniels) Mariachi Sol de México/José Hernández
.-All This Things That Me Done (The Killers) Nuevo Tecalitlán/Fernando Martínez
.-Whats Going On (Marvin Gaye) Mariachi Vargas/Ugo Rodríguez
.-Ben (Michael Jackson) Mariachis Internacional, Sol de América y Nuevo Tecalitlán/Zyanya Santillane

Expresión en Corto y Avon Cosmetics presentan la tercera convocatoria de cortometraje: “ALZA LA VOZ CONTRA LA VIOLENCIA DOMÉSTICA” 2009. Desde el inicio del lanzamiento han recibido más de 150 trabajos de 45 países alrededor del mundo.

La convocatoria quedó abierta a partir del 15 de Mayo del 2009 y cerró el 1 de Octubre del 2009. Los cortometrajes realizados representaron la visión abstracta llevada al video del mensaje: ¡Alza la voz contra la violencia doméstica! La ceremonia de premiación se llevó a cabo en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM el pasado 24 de noviembre obteniendo como resultado la  respuesta de 33 países con una participación de 209 trabajos en competencia con el tema específico de la violencia doméstica.

La selección de los trabajos estuvo a cargo de Avon y el Festival Internacional de Cine Expresión en Corto, así como representantes de la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión México, INMUJERES y UNIFEM.

Jurado:

.-Nina Rodríguez: Expresión en Corto.
.-Myrna Díaz Infante: Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión.
.-José Antonio Armas: Avon.
.-Araceli Becerril: Avon.
.-Gabriela Gatica: Avon.
.-Carlos Vargas Cisneros: INMUJERES.

El primer fue otorgado al cortometraje Leaving de los directores Richard Penfold y Sam Hearn, del Reino Unido,  quienes nos narran la historia de Helen, una mujer que intenta liberarse de su irascible esposo. La trama muestra lo que no es fácil salir de una relación enfermiza. El segundo lugar lo recibió  Ponys, cortometraje español del director David Planell. The finding (El descubrimiento)  del director mexicano Alonso Álvarez Barred logró el tercer lugar.

El Jurado otorgó dos menciones honoríficas por la gran calidad de las producciones a “Zingen in het Donker” Cantando en la oscuridad, de los holandeses Martie Dekkers y Ed van Otterwijk y“Honour Me” (Hónrame) de Alex Tweddle del Reino Unido. Asimismo, se entregó una mención especial para “Ring the Bell”, campaña publicitaria realizada en la India.

FOTOS DE LOS CORTOMETRAJES GANADORES

1° Lugar: Leaving

2° Lugar: Ponys

3° Lugar: The Finding

Chow y Su se entrelazan una narrativa en donde repiten sus acciones para llevar a cabo la mejor escena de romántica que pudieran protagonizar, miden sus palabras, sus pasos, la postura y juegan el amor.

Los protagonistas nunca dicen claramente lo que piensan ni lo que sienten y, sin embargo, Wong Kar-Wai logra trasmitirlo de la forma más bella y poética posible.

“Ahora tengo dinero en el bolsillo. Ahora tengo una maleta con química suficiente para hacer mucho más. Ahora puedo vivir los días, uno tras otro, y olvidarlos, uno tras otro, para que no estorben. Ahora sé que mañana, pase lo que pase, no habrá pasado nada”.

Ray Loriga, seudónimo de Jorge Loriga Torrenova, nacido en Madrid en 1967, es escritor, guionista y director de cine, escribe en un futuro muy cercano, los primeros años del siglo XXI, TOKYO YA NO NOS QUIERE, en dónde un vendedor, uno de muchos, recorre el mundo ofreciendo el último milagro de la industria farmacológica: una droga capaz de borrar la memoria. Por desgracia, ese vendedor ha cometido el mayor error de su profesión: usar la droga que vende, y se ve obligado a vivir en un universo efímero en el que mucha gente parece conocerle, pero en el que él, misericordiosamente, no recuerda a nadie.

Y ya está. No hay más.

Escrita la novela para la forma y no para la trama. A lo largo de sus páginas no ocurre nada que nos hile unas historias con otras o que transporte a nuestro protagonista de un lugar a otro, el resultado de la fabulosa droga farmacéutica que nos hace olvidar todo lo que antes pasó. ¿La habrá tomado?, ¿no la habremos tomado? Un mundo en el que es posible conservar a una madre muerta dentro de un televisor o borrar de la faz de tu memoria tantas neuronas como pastillas ingeridas.

“Nací para robar rosas en la autopista de la muerte”

Hacia los años 50, entre el humo de cigarro y el denso aroma que desprende la literatura creada en las cafeterías, se formaba un nuevo término para los pensadores bienaventurados en la inmensa tranquilidad de las palabras: la Generación Beat, la cual en su estado inmóvil y en su estática felicidad, abriría el camino a una nueva corriente que pasaría de las cómodas charlas de café a las inmensas aventuras, erecciones, eyaculaciones, exhibiciones ahogadas en alcohol y lo mundano de la vida, es decir, el Realismo Sucio.

El dirty realism surgió en los años 70 y pretende reducir la narración a sus elementos fundamentales, basándose en la insecable manía de contar todo y nada, los espacios, el número de azulejos y las botellas vacías en el piso o, al contrario, las acciones desentrañadas del estilo de vida americano, el bodrio hastío de la vida terminada por el alcohol, los placeres sexuales y los complementos alucinógenos que dan ese amargo pero suave sabor de vida. Tristemente deja una resaca que sólo la misma muerte puede apaciguar. Los escritores sucios escribirían de todo lo que hay, de todo lo que pasa, en la pestilente forma de vida americana.

El realismo sucio se derivó del minimalismo, pero esto no lo hace minimalista. Este estilo tiene sus propias reglas y parámetros, lo caracteriza su constante tendencia a la sobriedad, la precisión y al uso de las palabras que, simplemente, podemos definir como puercas. En todo lo que se refiere a los objetos, las situaciones, sus personajes y sus mismas citaciones deben hallarse caracterizados de la manera más concisa y superficial posible. El contexto será el sentido profundo de la obra.

El primer escritor al que se le consideró parte de esta corriente, no es sólo un Realista Sucio, sino también un verdadero Bastardo de la literatura norteamericana –a pesar de a ver nacido el 16 de Agosto de 1920 en Andernach, Alemania­–:  Heinrich Karl Bukowski.

Cuando la economía, después de la Primera Guerra Mundial, azotara a la familia de Bukwski, su padre norteamericano tomaría la decisión de mudarse a Baltimore en 1923, para luego mudarse a un suburbio de Los Ángeles, dónde empezaría toda la travesía e historias de Charles, narradas en sus libros y en sus primeros cuentos inéditos que desaparecieron por el maltrato de su padre, pero que logró rescatar en su novela La senda del Perdedor, en 1982.

Karl Bukowski tenía marcas en la cara, debido a una enfermedad que sufrió de muy joven, lo cual acrecentaba el rechazo de la gente hacia él lo que, aunado a su timidez, hizo que se refugiara en la lectura. Siempre escribió para sobrevivir y nunca por dinero.

Al cumplir los 24 años, Bukowski publicó en la revista Store Magazine “Aftermath of Lenfthy”, escrito que lo impulsó a publicar 20 Tanks From Kasseldow. Desilusionado del proceso de publicación dejó de escribir por más de una década dedicándose a trabajos temporales que no tardaba en dejar, permanecía en pensiones baratas y la mayor parte del tiempo se la pasaba vagando en búsqueda de alcohol. Esta epoca veinteañera de Bukowski marcaría su estilo, ya que la mayor parte de sus historias cuentan lo acontecido en esas décadas y las incontables veces que casi murió por intoxicación alcohólica.

Al comienzo de los años 50 trabajó como cartero en el servicio postal de los Estados Unidos. En 1955 fue hospitalizado por una úlcera que no dejaba de sangrar, dando así vida a nuevos párrafos llenos de odio, nostalgia, mundicia, sexo y vino. Sus experiencias le sirvieron también para una incontable lista de poemas y novelas publicadas sobre su mundano presente, sus amoríos pasajeros, el cigarro, las mentiras, la blasfemia y sus apasionados romances encarnados de la vida misma.

Bukowski murió de leucemia en 1994, a la edad de 73 años. Sus más ruines historias ganaron esta vez, ya no pudo contar su última aventura con la muerte. Hoy en día es considerado uno de los grandes escritores americanos y símbolo del “realismo sucio”, la literatura independiente, el aborrecido y odiado bastardo de la literatura.

Éste es el momento en que la entrevista finaliza

A veces me siento orgulloso cuando miro las fotografías

Ahí estoy yo, ahí está mi gato, hemos sido

Retratados juntos

Él también comprende que son pendejadas,

Pero que de alguna manera te ayudan.

Referencias:

• Charles Bukowski, Erections, ejaculations, exhibitions and general tales of ordinary madness, 1972
• Charles Bokowski, Una de las Más Ardientes y otros Poemas. 2006, Poema, La Historia de un Sufrido Hijo de Puta.

En un día normal de trabajo en la planta en plena descarga de toneladas de sal, aparece el cuerpo mutilado de una mujer que da cabida al antecedente de la desaparición de varias jovencitas en la región, cuyos cadáveres han empezado a aparecer.

Bajo la sal es un excelente thriller mexicano que mucho antes de su estreno comenzó a despertar el interés de productoras estadunidenses, interesadas en  hacer su versión gringa. Como si ni les gustará hacer remakes.

Interpretada por Humberto Zurita (Comandante Trujillo), Plutarco Haza (Prefecto Domínguez), Emilio Guerrero (Jefe Salazar), Irene Azuela (Isabel), Ricardo Polanco (Víctor Zepeda), Moisés Arizmendi (Cabo Montoya), Julio Bracho (Profesor Magaña), Blanca Guerra (Guadalupe Calva) y Juan Carlos Barreto (Sr. Zepeda), Bajo la Sal es una película bien lograda que te mantiene al borde del asiento y ha dejado de un lado lo que ya muchas veces se ha retratado en el tan criticado y sobrevalorado cine mexicano. Sin duda, es una de las pocas excepciones a la definición de “que buena película no ma…”  que dan apertura a producciones cinematográficas que logran tener un peso artístico fuera del país como dentro del mismo.

No es una película palomera ni taquillera en donde los personajes son ricachones con problemas de la vida cotidiana, o un filme en donde se critica de forma salvaje y cruda la realidad mexicana. Al contrario, es una verdadera pieza cinematográfica en toda la extinción de la definición. Aunque claro, no ha dejado del todo alejada a la realidad mexicana que ocurre en muchas partes del país o como lo ocurrido en Juárez.

Datos Curiosos:

• El equipo de filmación tardó en trasladarse cuatro días hasta la salinera, debido a lo inhóspito del camino y a que tuvieron que viajar por tierra, mar y aire para llegar.
• De acuerdo a Mario Muñoz la película demoró dos años en comenzar porque se eligieron minuciosamente los actores que interpretarían los personajes principales de la trama.